Meddle
é o sexto álbum de estúdio da banda britânica Pink Floyd. Seu
lançamento oficial ocorreu em 31 de outubro de 1971, através dos
selos Harvest e Capitol Records. As gravações aconteceram entre
janeiro e agosto daquele mesmo ano, nos estúdios AIR Studios, Abbey
Road Studios e Morgan Studios, todos na Inglaterra. A produção
ficou a cargo do próprio Pink Floyd.
Meddle é o sexto álbum de estúdio da banda britânica Pink Floyd. Seu lançamento oficial ocorreu em 31 de outubro de 1971, através dos selos Harvest e Capitol Records. As gravações aconteceram entre janeiro e agosto daquele mesmo ano, nos estúdios AIR Studios, Abbey Road Studios e Morgan Studios, todos na Inglaterra. A produção ficou a cargo do próprio Pink Floyd.
Os gigantes do progressivo inglês, Pink Floyd, retornam ao RAC com outra de suas valorosas obras: Meddle. Como de costume, um breve relato dos fatos que antecedem o lançamento do disco vai preceder o tradicionalíssimo faixa a faixa.
Atom Heart Mother
Em 2 de outubro de 1970, o Pink Floyd lançava Atom Heart Mother, seu quinto álbum de estúdio.
O RAC já fez um post sobre o disco e o leitor que quiser pode acessá-lo neste link.
Em termos gerais, Atom Heart Mother é um álbum de transição e aponta para aquilo que o grupo viria a se transformar.
O trabalho atingiu o topo da parada britânica, além de transformar o conjunto, finalmente, em um projeto economicamente viável.
Durante o ano de 1970, a banda excursionou exaustivamente pelos Estados Unidos e por todo o Reino Unido, promovendo o disco. Em janeiro de 1971, era chegado o momento de se fazer um sucessor.
Nick Mason
Antecedentes
Em 1971, o Pink Floyd continuava com sua clássica formação: David Gilmour nos vocais e guitarra, Roger Waters no baixo, Nick Mason na bateria e Rick Wright nos teclados.
Sem material para trabalhar e sem uma ideia clara da direção do novo álbum, o grupo planejou uma série de novos experimentos os quais inspirariam a faixa emblemática do disco, “Echoes”.
Embora muitos dos álbuns posteriores do conjunto fossem unificados por um tema central, com letras escritas principalmente por Roger Waters, Meddle foi um esforço de conjunto com contribuições líricas de cada membro, e é considerado um disco de transição entre o grupo influenciado pelo ex-vocalista Syd Barrett daquele que estava emergindo.
Gravações
Com a banda voltando de uma série de turnês pela América do Norte e Inglaterra, em apoio a Atom Heart Mother, no início de 1971, o Pink Floyd começou a trabalhar em novos materiais no Abbey Road Studios, em Londres.
Na época, o Abbey Road era equipado apenas com instalações de gravação multitrilha de oito pistas, o que o grupo considerou insuficientes para as crescentes demandas técnicas de seu projeto. A banda transferiu seus melhores esforços, incluindo a abertura do que se tornaria “Echoes”, para fitas de 16 pistas, em estúdios menores de Londres (AIR e Morgan, em West Hampstead) e retomou o trabalho com a vantagem de um equipamento de gravação mais flexível.
Os engenheiros John Leckie e Peter Bown gravaram as principais sessões do Abbey Road e do AIR, enquanto que, para os trabalhos menores no Morgan Studios, Rob Black e Roger Quested cuidaram das tarefas de engenharia.
Na falta de um tema central para o projeto, o grupo usou vários métodos experimentais na tentativa de estimular o processo criativo.
Um exercício envolveu cada membro tocando em separado, sem referência ao que os outros membros estavam fazendo. O ritmo era inteiramente aleatório enquanto a banda tocava em torno de uma estrutura de acordes combinada, e humores como “primeiros dois minutos românticos, próximos dois tempos”.
Cada seção registrada foi nomeada, mas o processo foi, em grande parte, improdutivo; depois de várias semanas, nenhuma música completa foi criada.
John Leckie trabalhou em álbuns como All Things Must Pass, de George Harrison, e Sentimental Journey, de Ringo Starr, e foi contratado como operador de fita em Meddle, em parte por sua propensão a trabalhar até as primeiras horas da manhã.
Leckie disse que as sessões do Pink Floyd geralmente começavam à tarde, e terminavam cedo na manhã seguinte, “durante os quais nada seria feito. Não havia nenhum contato da gravadora, exceto quando o gerente aparecia de vez em quando, com um par de garrafas de vinho e um pedaço de carne”.
Roger Waters
Aparentemente, a banda passava longos períodos de tempo trabalhando em sons simples, ou um riff de guitarra em particular. Ela também passara vários dias no AIR tentando criar música usando uma variedade de objetos domésticos, um projeto que seria revisado em seus próximos álbuns, The Dark Side of the Moon e Wish You Were Here.
Seguindo esses primeiros experimentos - chamados Nothings - a banda desenvolveu “Son of Nothings”, a qual foi seguida por “Return of the Son of Nothings” - o título provisório do novo álbum.
Em um desses primeiros trabalhos envolveu o uso do piano de Richard Wright. Wright tinha alimentado uma única nota através de um alto-falante Leslie, produzindo algo como um ‘sonar’ de submarino. A banda tentou repetidamente recriar esse som no estúdio, mas não teve sucesso, e assim a versão demo foi usada no que mais tarde se tornaria “Echoes”, esta, mixada quase exclusivamente no AIR Studios.
Combinado com a guitarra de David Gilmour, a banda conseguiu desenvolver a música ainda mais, experimentando efeitos sonoros acidentais (como a guitarra de Gilmour sendo conectada a um pedal wah-wah de trás para frente, um efeito que eles usaram em 1970 para a seção central de “Embryo”).
Diferentemente de Atom Heart Mother, os novos recursos de várias trilhas do estúdio permitiram que o grupo criasse a faixa em etapas, em vez de executá-la em uma única cena. A peça final de 23 minutos acabaria por ocupar todo o segundo lado do álbum.
“One of These Days” foi desenvolvida em torno de uma linha de baixo ostinato criada por Roger Waters, alimentando a saída através de um Binson Echorec. A linha de baixo foi executada por Waters e Gilmour usando dois baixos, um com cordas velhas. O abstruso do baterista Nick Mason “One of these days I'm going to cut you into little pieces” foi gravado em velocidade dupla, usando uma voz em falsete, e repetida na velocidade normal. (Nota do Blog: Em música, um ostinato é um motivo ou frase musical que é persistentemente repetido numa mesma altura. A ideia repetida pode ser um padrão rítmico, parte de uma melodia ou uma melodia completa).
Rick Wright
Meddle foi gravado entre vários compromissos de shows da banda e, portanto, sua produção foi espalhada por um período considerável de tempo.
O conjunto gravou na primeira metade de abril de 1971, mas na segunda metade tocou em Doncaster e Norwich, antes de voltar a gravar no final do mês. Em maio eles dividiram seu tempo entre as sessões no Abbey Road, e os ensaios e shows em Londres, Lancaster, Stirling, Edimburgo, Glasgow e Nottingham.
Junho e julho foram focados, principalmente, nos eventos pela Europa. Em agosto o grupo viajou pelo extremo oriente e Austrália, em setembro pela Europa e, de outubro a novembro, pelos EUA. No mesmo período, o grupo também produziu Relics, uma coletânea de alguns trabalhos anteriores do Pink Floyd.
Uma mixagem quadrafônica do álbum foi preparada no Command Studios, em 21 e 26 de setembro, mas permanece inédita. Os novos mixes, estéreo de 2016 e 5.1 do álbum, foram inadvertidamente lançados como faixas ocultas no disco Blu-ray Reverberation, na caixa The Early Years.
Trabalho de composição
Embora suas faixas possuam uma variedade de sentidos, Meddle é geralmente considerado mais coeso que seu antecessor, Atom Heart Mother.
A música “Fearless” emprega gravações do campo do Liverpool FC, com o coro de sua torcida cantando a emblemática “You're Never Walk Alone”, seu hino, a qual encerra a música em um fade-out altamente reverberado.
“San Tropez”, por outro lado, é uma música pop inflada pelo jazz, com um ritmo aleatório, composta por Waters em seu estilo cada vez mais usado de composição alegre e improvisada. A canção foi inspirada na viagem da banda ao sul da França, em 1970.
O Pink Floyd exibiu seu senso de humor com “Seamus”, uma faixa de novidade pseudo-blues apresentando o cachorro de Steve Marriott (que Gilmour estava cuidando) uivando através da canção. A banda, mais tarde, usaria sons de animais novamente, em Animals. (Nota do Blog: Stephen Peter Marriott, popularmente conhecido como Steve Marriott, foi um cantor, compositor e guitarrista britânico. Ele é mais lembrado por sua poderosa voz e sua técnica de guitarra agressiva em grupos como o Small Faces e o Humble Pie).
A última música do álbum é “Echoes”, de 23 minutos. Primeiramente tocada como “Return of the Son of Nothing”, em 22 de abril de 1971, em Norwich, a banda passou cerca de seis meses trabalhando na faixa, em três estúdios (Morgan, AIR e Abbey Road).
A música abre com o supracitado ‘sonar’ de Wright. “Echoes” foi gravada quase inteiramente no Air Studios e concluída em julho de 1971.
“Echoes” também deu seu nome à coletânea Echoes: The Best of Pink Floyd, na qual uma versão muito editada da faixa-título foi incluída. Na compilação, várias edições em toda a música reduzem o tempo de execução em cerca de sete minutos.
David Gilmour
Parte do material composto durante a criação de Meddle não foi utilizado; no entanto, uma música acabaria por se tornar “Brain Damage”, de The Dark Side of the Moon.
Título e Capa
O título do álbum, Meddle, é um jogo de palavras: uma medalha (medal) e interferir (interfere).
Storm Thorgerson, do grupo de arte design Hipgnosis, sugeriu originalmente um ‘close’ do ânus de um babuíno para a fotografia da capa do álbum. A ideia foi rejeitada pela banda, que o informou, através de um telefonema intercontinental, enquanto em turnê no Japão, que eles preferiam ter “um ouvido embaixo d'água”.
A imagem da capa foi fotografada por Bob Dowling. A imagem representa uma orelha, debaixo d'água, coletando ondas de som (representadas por ondulações na água).
Thorgerson, posteriormente, expressou insatisfação com a capa, alegando que ela era a sua menos favorita de álbuns do Pink Floyd: “Eu acho que Meddle é um álbum muito melhor do que a capa”.
O colega de Thorgerson, Aubrey Powell, compartilhou seus sentimentos, dizendo: “Meddle era uma bagunça. Eu odiei essa capa. Eu não acho que nós fizemos justiça a eles, é meio desanimada”.
O encarte contém uma fotografia da banda (a última do Floyd até A Momentary Lapse of Reason, de 1987).
Vamos às faixas:
ONE OF THESE DAYS
A introdução de "One of These Days", com a 'parceria' dos baixos comandados por Roger Waters e David Gilmour, é uma pequena amostra da força demolidora desta instigante faixa instrumental. É um início arrebatador para a obra!
A canção foi lançada como single, mas não obteve maior repercussão em termos das principais paradas de sucesso pelo mundo.
A composição é instrumental, exceto pela única fala do baterista Nick Mason, “One of these days I'm going to cut you into little pieces”.
O elemento predominante da peça é o de um baixo tocado através de uma unidade de delay (eco), configurada para produzir repetições em triplets de semínimas. O Pink Floyd usaria novamente essa técnica na linha de baixo para “Sheep”.
Os acentos distintivos de teclado nesta faixa são compostos de três componentes: um órgão Hammond forma o ‘fade in’, seguido por um ‘Stab’ composto por um segundo órgão Hammond com parada de percussão, e um piano acústico alimentado através de um alto falante Leslie, como também foi usado em “Echoes”. Para versões ao vivo, a parte ‘fade in’ foi tocada em um órgão Farfisa.
A letra ameaçadora, uma rara contribuição vocal de Nick Mason, foi gravada através de um modulador de anel desacelerado para criar um efeito misterioso. Foi dirigida a Sir Jimmy Young, então DJ da BBC Radio 1 e Radio 2, que a banda supostamente não gostava por causa de sua tendência a balbuciar.
Durante os primeiros anos da década de 70, eles tocaram uma colagem de clipes do programa de rádio de Young, a qual foi editada para soar completamente sem sentido, assim, figurativamente, “cortando-o em pedacinhos”.
A compilação bootleg A Treeful of Secrets contém uma versão demo de “One of These Days”, em que a colagem de Jimmy Young faz um loop em segundo plano durante a apresentação. No entanto, a autenticidade desta demo não foi confirmada.
De acordo com John Peel, Waters descreveu “One of These Days” como uma “avaliação pungente da situação social contemporânea”. Gilmour afirmou que ele a considera como a peça mais colaborativa já produzida pelo grupo.
A música foi um marco nas turnês da banda entre 1971 e 1973 e de 1987 a 1994. A versão Live at Pompeii foi renomeada como “One of These Days I'm Going to Cut You into Little Pieces”.
Ela foi ressuscitada para as turnês de 1987–1989 de A Momentary Lapse of Reason e Another Lapse e da The Division Bell Tour, realizada por David Gilmour na guitarra, Tim Renwick na guitarra base, Guy Pratt no baixo, Richard Wright e Jon Carin nos teclados, com Nick Mason e Gary Wallis na bateria e percussão.
Em 25 de junho de 2016, David Gilmour e sua banda solo tocaram a música durante o show no Plac Wolności, em Wrocław, Polônia, pela primeira vez em que Gilmour a tocou ao vivo em mais de 20 anos, e a primeira vez que ela fez parte de um set list da sua carreira solo.
Roger Waters toca a música no primeiro conjunto da turnê Us + Them de 2017. A música também faz parte do 'Saucerful of secrets show’, de Nick Mason, fechando o set principal. O desempenho novamente apresenta Guy Pratt no baixo.
Entre as versões cover para “One of These Days” estão a de grupos como Girls Under Glass e Men of Porn.
“One of These Days” tem sido usada em vários contextos esportivos. O melhor exemplo disso foi a patinadora húngara Krisztina Czakó, a qual usou a faixa (junto com “Shine On You Crazy Diamond”) como a música de seu longo programa nos Jogos Olímpicos de Inverno de 1992, uma das poucas vezes que uma canção de rock clássico já foi destaque em uma competição de patinação no gelo.
A música também aparece em programas de TV como The Sopranos e Life on Mars. Também foi sampleada na música “Johnny Ryall”, presente no álbum Paul's Boutique (1989), do Beastie Boys.
A PILLOW OF WINDS
Já em "A Pillow of Winds", a banda aposta em uma abordagem mais contida, com inegável aspecto bucólico e, porque não, melancólico. Há clara influência Folk na belíssima melodia, a qual se combina perfeitamente com o excelente vocal de Gilmour.
A letra possui conteúdo romântico:
And deep beneath the ground the early morning sounds
And I go down
Sleepy time when I lie with my love by my side
And she's breathing low
And I rise like a bird,
In the haze when the first rays touch the sky
And the night winds die
Esta suave canção de amor, acústica, pode não ser tão característica do material anterior e nem futuro da banda. O guitarrista David Gilmour compôs a sequência de acordes, usando uma afinação Open E, tocada em uma série de arpejos, a melodia e parte das letras.
Esta música também apresenta o trabalho de ‘slide guitar’ de Gilmour, bem como um baixo fretless, interpretado por Waters. (Nota do Blog: Slide guitar, ou Bottleneck guitar, é uma forma de tocar guitarra, em que se utiliza no dedo médio, anular, mínimo ou indicador (este último menos comum), um pequeno tubo oco cilíndrico, feito de metal, vidro ou cerâmica. Com o objetivo de alterar o tom em que se toca, deslizando esse tubo pelas cordas da guitarra. Este método, introduzido inicialmente na música do Havaí, passou a ser utilizado nos blues (Blues rock) e no country). (Nota do Blog: Fretless refere-se a uma guitarra ou a um baixo em que não há trastes. O baixo fretless é muito popular no Jazz, Funk e R&B).
De acordo com Nick Mason, o título da música se origina de uma possível mão no jogo de mahjong, com o qual a banda ficou fissurada durante as turnês. (Nota do Blog: Mahjong (Mah Jongg, Majiang, Majongue, Majong, Ma-Jong, Mahjongg) é um jogo de mesa de origem chinesa que foi exportado, a partir de 1920, para o resto do mundo e principalmente para o ocidente. É composto de 144 peças, chamadas comumente de “pedras”).
As letras da música se referem a um edredom (eiderdown), mais conhecido nos EUA como um ‘consolador’ (comforter). Duas outras canções conhecidas do Pink Floyd fazem referência a um edredom, “Flaming”, de Syd Barrett, e “Julia Dream”, de Waters.
FEARLESS
"Fearless" segue com o grupo apostando em influências de Folk, em outra canção mais contida, mas, novamente, com uma melodia incrível. Gilmour abusa de vocais suaves e encantadores. Belíssima canção!
A letra fala sobre determinação e coragem:
And who's the fool who wears the crown?
And go down
in your own way
And every day is the right day
And as you rise above the fearlines in his brow
You look down, hear the sound of the faces in the crowd
O ritmo lento da música e o som acústico suave têm semelhanças com algumas das outras faixas do primeiro lado de Meddle.
David Gilmour e Roger Waters compuseram a música na guitarra usando uma afinação aberta em sol maior, ensinada a Waters pelo ex-membro Syd Barrett.
Perto do começo e no final da canção, uma gravação de campo dos fãs do Liverpool FC, cantando “You're Never Walk Alone”, é sobreposta à música. (Nota do Blog: O Liverpool Football Club ou L.F.C é um clube de futebol inglês com sede na cidade de Liverpool. Fundado em 1892, ingressou na Football League no ano seguinte e desde então atua no Anfield Road. Seu uniforme, que originalmente adotava camisas vermelhas e calções brancos, é todo vermelho desde 1965. O lema do clube é “You'll Never Walk Alone” , que traduzido significa ‘Você Nunca Caminhará Sozinho’).
Embora não tenha sido lançada como single no Reino Unido e nunca tenha sido tocada ao vivo, a faixa foi escolhida como ‘B-side’ do single “One of These Days”, em 1971.
Roger Waters ressuscitou, brevemente, a música, para um pequeno número de shows em 2016, e a música foi tocada pelo Saucerful of Secrets, de Nick Mason, em 2018.
A canção foi incluída no álbum Side Orders, de Circe Link e Christian Nesmith.
SAN TROPEZ
"San Tropez" mantém o ar bucólico das faixas anteriores e o clima mais leve. Aqui, há também um elemento de elegância na música, com uma abordagem levemente jazzística. Os vocais de Waters são ótimos.
A letra possui um ar bucólico:
Backward and homebound,
The pigeon, the dove,
Gone with the wind
And the rain, on an airplane
Owning a home
With no silver spoon,
I'm drinking champagne
Like a good tycoon
Ao contrário das outras faixas de Meddle, “San Tropez” não foi composta de forma colaborativa; em vez disso, Roger Waters escreveu a peça e levou-a para o estúdio já praticamente finalizada.
É a única música de Meddle não coescrita por David Gilmour.
Esta canção versa sobre um lugar chamado Saint-Tropez, uma comuna do departamento de Var, no sul da França, localizada na Riviera Francesa. A faixa reflete uma visão idealizada de como poderia ser um dia naquela localidade.
Uma curiosidade: “Ao longo da década de 1970, o verso da música, ‘Making a date for later by phone’, tem sido compreendida, na Itália principalmente, por conta da pronúncia distorcida de Waters (‘... lita-pah-fon’), como sendo ‘Making a date for Rita Pavone’, como uma referência à famosa cantora italiana dos anos 1960.
A própria Pavone afirmou várias vezes, em entrevistas de TV e em outras mídias, que realmente acredita que o verso seja sobre ela.
SEAMUS
"Seamus" é uma canção bem curta, com pouco mais de 2 minutos. A gaita tocada por Gilmour é um destaque e há uma abordagem Country em sua musicalidade. Bastante interessante.
A letra fala sobre um cão:
I was in the kitchen
Seamus (that's the dog) was outside
Well, I was in the kitchen
Seamus, my old hound, was outside
Well you know the sun was sinkin' slowly
But my old hound dog sat right down and cried
A canção foi nomeada por causa do cão da raça Collie (pertencente ao líder da banda Humble Pie, Steve Marriott) que uiva ao longo da peça.
O biógrafo do grupo, Nicholas Schaffner, chama a música de ‘dispensável’; no que David Gilmour adicionou “Eu acho que não é realmente tão engraçado para todos os outros [como] foi para nós”.
O diretor de cinema Adrian Maben capturou a única performance ao vivo de “Seamus” (em uma forma muito alterada, excluindo as letras, e a renomeou “Mademoiselle Nobs”) em seu filme Pink Floyd: Live at Pompeii.
Para recriar a música, David Gilmour tocou gaita, em vez de cantar, e Roger Waters tocou uma das guitarras Stratocaster de Gilmour. Uma fêmea da raça Borzoi chamada Nobs, que pertencia a Madonna Bouglione (filha do diretor de circo Joseph Bouglione), foi levada ao estúdio para fornecer um acompanhamento uivante, como Seamus fizera na versão do álbum.
Há também um baixo audível nesta gravação, provavelmente adicionado durante a mixagem da trilha sonora do filme, em outro estúdio.
Algumas fontes afirmam que “Seamus” também foi tocada no Charlotte Park Center, como bis, em 23 de março de 1973, durante a turnê de Dark Side of the Moon, mas isso nunca foi confirmado.
ECHOES
A sexta - e última - faixa de Meddle é "Echoes". Sem medo de soar muito bajulador, mas "Echoes" é uma das mais incríveis composições do Rock. Sua diversidade e riqueza de melodias, improvisações e dinâmicas encantam qualquer bom ouvinte do Rock. É apenas ouvir e aproveitar sua beleza.
A letra possui um sentido existencial:
And no one calls us to move on
And no one forces down our eyes
And no one speaks and no one tries
And no one flies around the sun
“Echoes” é um clássico incontestável do Pink Floyd.
“Echoes” é uma composição que inclui extensas passagens instrumentais, efeitos sonoros contínuos e larga improvisação musical. Composta em 1970, por todos os quatro membros do grupo, a faixa tem um tempo de execução de 23:31 minutos e compreende todo o segundo lado das gravações de Meddle em vinil e em cassete.
Ela também aparece, de forma abreviada, como a quinta canção da coletânea que recebeu seu nome, Echoes: The Best of Pink Floyd.
A composição foi originalmente montada a partir de fragmentos separados, e, mais tarde, foi dividida em duas partes para servir tanto como abertura quanto como fechamento do filme da banda, Live at Pompeii.
A peça teve sua gênese em uma coleção de experimentos musicais separados, escritos pela banda, alguns dos quais foram sobras de sessões anteriores. O grupo então organizou estes ‘pedaços’ para fazer uma composição coerente de 23 minutos originalmente chamada de ‘Nothing, Parts 1–24’.
Nem todas as partes foram usadas para a faixa final e algumas tomadas incluíam dizer uma frase ‘de trás para frente’, de modo que soaria correto (e estranho) quando a fita fosse invertida.
Fitas subsequentes do trabalho em andamento foram rotuladas como “The Son of Nothing” e “The Return of the Son of Nothing”; o último título acabou sendo usado para introduzir o trabalho ainda não lançado durante suas primeiras apresentações ao vivo, no início de 1971.
A gravação foi dividida entre Abbey Road Studios, Morgan Studios e AIR Studios, em Londres; os dois últimos foram usados porque possuíam um gravador de 16 pistas, o que facilitou a montagem dos componentes individuais das músicas.
Em uma entrevista em 2008, para a revista britânica Mojo, quando perguntado sobre quem havia composto “Echoes”, Wright afirmou que compusera a longa introdução ao piano e a principal progressão de acordes da canção.
Na mesma entrevista, Wright confirmou que Waters escreveu as letras. Durante esse estágio de desenvolvimento, o primeiro verso da música ainda não havia sido finalizado. Ele se referia, originalmente, ao encontro de dois corpos celestes. O primeiro verso originalmente tirou palavras do poema Two Planets, de Muhammad Iqbal, e posteriormente sendo reescrito com a incorporação de imagens subaquáticas originais em seu lugar.
O título “Echoes” também foi submetido a revisões significativas antes e depois do lançamento de Meddle: Waters, um fã aficionado de futebol, propôs que a banda chamaria sua nova peça “We Won the Double” em comemoração às vitórias do Arsenal em 1971.
E, durante uma turnê de 1972, pela Alemanha, Waters introduziu-a jovialmente, por duas noites consecutivas, como “Looking Through the Knothole in Granny's Wooden Leg” (uma referência a The Goon Show) e The Dam Busters, respectivamente.
O Pink Floyd tocou “Echoes”, pela primeira vez, no Norwich Lads Club, em 22 de abril de 1971. Foi uma parte regular criada para o show no Knebworth Park, em 5 de julho de 1975.
A música foi executada no Live at Pompeii, onde foi dividida em duas partes para abrir e fechar o filme.
As performances de 1974 e de 1975 incluíam backing vocals de Venetta Fields e Carlena Williams, e solos de saxofone de Dick Parry, em vez dos solos de guitarra das performances entre 1971-73.
A faixa também foi tocada onze vezes na turnê mundial da banda, em 1987, para A Momentary Lapse of Reason, em uma versão ligeiramente rearranjada reduzida para 17 minutos. Foi, então, descartada, pois a banda não estava feliz com as performances.
Semelhante ao efeito Dark Side of the Rainbow, grandes rumores sugeriram que “Echoes” coincidentemente sincronizaria com o filme de Stanley Kubrick, 2001: Uma Odisséia no Espaço, de 1968, exatamente quando tocado simultaneamente com o segmento final de 23 minutos, intitulado ‘Júpiter e Além do Infinito’.
Na época da produção do filme, entre 1967 e 1968, o Pink Floyd não trabalhou em qualquer material para ele e nem foram contatados sobre fornecimento de música para tal. É até mesmo possível que Kubrick nunca tenha ouvido a música da banda até o final do filme.
Kubrick apresentaria imagens de cópias da trilha sonora de 2001 e do álbum Atom Heart Mother (do Pink Floyd) como figurantes, na cena da loja de discos, em A Clockwork Orange, de 1971.
O filme Crystal Voyager, de 1973, de George Greenough, termina com um segmento de 23 minutos em que a versão completa de “Echoes” acompanha uma montagem de imagens de Greenough com uma câmera montada em suas costas enquanto navega em sua prancha.
Em entrevistas promovendo Amused to Death, Waters afirmou que Andrew Lloyd Webber havia plagiado o riff de “Echoes” para seções do musical O Fantasma da Ópera; no entanto, Roger decidiu não entrar com uma ação judicial sobre o assunto. Ele afirmou:
“Sim, o começo daquela maldita musica do Phantom é de “Echoes”. * DAAAA-da-da-da-da *. Eu não pude acreditar quando ouvi isso. É a mesma assinatura de tempo - é 12/8 - e é a mesma estrutura e são as mesmas notas e é o mesmo tudo. Desgraçado. Provavelmente é acionável. E é realmente! Mas eu acho que a vida é muito longa para se preocupar em processar Andrew fucking Lloyd Webber”.
O músico britânico Ewan Cunningham fez um cover de “Echoes”, em um vídeo do YouTube, no qual ele interpretou todas as partes. Esta versão foi fortemente baseada naquela de Live at Pompeii e recebeu elogios de Nick Mason.
O projeto britânico de música eletrônica Banco de Gaia fez uma versão de “Echoes” em seu álbum de 2009, Memories Dreams Reflections.
Considerações Finais
Meddle manteve a curva ascendente de sucesso comercial e crítico do Pink Floyd.
O álbum atingiu a excelente 3ª posição da principal parada britânica, alcançando apenas a modesta 70ª colocação em sua correspondente norte-americana. Também conquistou os 2º, 11º e 21º lugares nas paradas de Holanda, Alemanha e Espanha; respectivamente.
Meddle foi lançado em 31 de outubro de 1971 nos EUA e em 13 de novembro no Reino Unido.
Embora no Reino Unido tenha atingido o terceiro lugar da principal parada de sucessos, a fraca publicidade, por parte da Capitol Records, levou a vendas fracas do disco nos EUA e a uma baixa posição na Billboard.
“O Pink Floyd tinha um público forte no Reino Unido e em outras partes da Europa”, lembrou Rupert Perry, então chefe da A&R na Capitol. “Mas eles precisavam ser maiores nos Estados Unidos, onde estavam vendendo apenas 200 mil unidades. Eles eram muito mais um álbum – e não singles - o que era uma má notícia para nós. Eles tinham um alto fator de credibilidade sem as vendas”.
Meddle foi, depois, certificado como disco de ouro, em 29 de outubro de 1973 e, em seguida, recebeu o duplo de platina, em 11 de março de 1994, após a atenção adicional conquistada pelos sucessos posteriores da banda nos Estados Unidos.
No lançamento, Meddle recebeu críticas positivas. Jean-Charles Costa, da revista norte-americana Rolling Stone, escreveu: “Meddle não apenas confirma o surgimento do guitarrista David Gilmour como uma verdadeira força formadora do grupo, mas também afirma que o grupo está no caminho do crescimento novamente”.
A revista britânica NME chamou de “um álbum excepcionalmente bom”. Steve Peterson, da revista musical norte-americana Hit Parader, citou “Fearless” como sua melhor música e afirmou sobre o álbum “Esse tem que ser o melhor de todos”.
Ed Kelleher, da revista norte-americana Circus, chamou o disco de “outra obra prima de um grupo magistral”, apontando-o como “destemido” e “fascinante”, e elogiando “Echoes” como “um poema tônico que permite aos quatro membros do grupo muito tempo para alongarem seus músculos”.
No entanto, o britânico Melody Maker foi mais reservado, descrevendo o trabalho como “uma trilha sonora de um filme inexistente”.
Robert Christgau afirmou que Meddle foi uma progressão bastante boa sobre o trabalho anterior do grupo e apresentou canções ‘folk’ destacadas por melodias únicas, embora tenha lamentado a letra de “A Pillow of Winds”, afirmando: “A palavra 'behold' nunca deve cruzar seus filtros novamente”.
Stephen Thomas Erlewine, do site AllMusic, dá ao trabalho uma nota 4,5 (de 5), afirmando: “o álbum é uma das explorações de humor mais consistentes do Floyd, especialmente a partir de seu tempo na Harvest, e se destaca como o álbum mais forte lançado entre a saída de Syd e The Dark Side”.
Meddle foi lançado mais tarde como um LP remasterizado pelo Mobile Fidelity Sound Lab, e, em abril de 1989, em seu formato de CD de ouro ‘Ultradisc’. O álbum também foi incluído como parte do box set Shine On, em 2 de novembro de 1992.
O trabalho seguinte do grupo seria o álbum Obscured by Clouds, sétimo disco do conjunto, e trilha sonora do filme francês La Vallée, de 1972.
Meddle supera 2,3 milhões de cópias vendidas pelo mundo.
Formação:
David Gilmour - Guitarra, Vocal, Harmonia Vocal em 03, Baixo (em uníssono com Waters) em 01, Gaita em 05
Roger Waters - Baixo, Violão e Vocal em 04
Nick Mason - Bateria, Percussão, Frase Vocal em 01
Rick Wright - Órgão (Hammond e Farfisa), Piano, Vocal em 06, EMS VCS 3 em 01
Faixas:
01. One of These Days (Waters/Gilmour/Wright/Mason) - 5:57
Dando continuidade a resgatar a história de uma das maiores formações da história da música do século XX, o RAC encerra 2018 com um novo post sobre o Pink Floyd.
Para o Blog, não existem muitas formações tão impressionantemente capacitadas e talentosas quanto Gilmour, Waters, Wright e Mason. Ao ouvir atentamente Meddle, o leitor amigo poderá chegar a esta conclusão tranquilamente.
O RAC pensa que Meddle é uma evolução quando comparado ao já bom Atom Heart Mother, no ponto de vista da qualidade de suas canções. Aqui, a banda aposta em melodias e sonoridades mais bem desenhadas e melhores desenvolvidas.
Desta forma, as músicas mais curtas, as quais compõem a primeira parte do disco, são enxutas, mas, ao mesmo tempo, dinâmicas, permitindo que a qualidade dos músicos integrantes da banda sejam expostas. Há uma nítida influência Folk nesta parte do álbum, deixando-o com um ar bucólico e nostálgico, em passagens predominantemente acústicas.
Mas, é óbvio, "Echoes" por si só já vale todo Meddle. Abusando de efeitos sonoros, longas passagens instrumentais e improvisações, a canção briga fortemente pelo posto de melhor suíte da discografia do Pink Floyd.
Se no disco anterior, para o RAC, o grupo já havia acertado na boa "Atom Heart Mother", em Meddle, "Echoes" representa o passo seguinte, com o conjunto aprofundando no experimentalismo e caprichando ainda mais no seu desenvolvimento e em seus arranjos. Totalmente brilhante.
Enfim, concluindo nossos trabalhos no ano de 2018, cabe ao Blog ressaltar a qualidade ímpar de Meddle, um álbum que, além de toda a sua virtude, é uma comprovação de que o Pink Floyd seria capaz de compor músicas que entrariam para a eternidade. Um disco mais que obrigatório!
Queen
II é o segundo álbum de estúdio da banda britânica Queen. Seu
lançamento oficial aconteceu em 8 de março de 1974, através dos
selos EMI/Elektra Records. As gravações ocorreram em agosto de
1973, no Trident Studios, em Londres, na Inglaterra. A produção
ficou a cargo de Roy Thomas Baker, Robin Geoffrey Cable e do próprio
Queen.
Queen II é o segundo álbum de estúdio da banda britânica Queen. Seu lançamento oficial aconteceu em 8 de março de 1974, através dos selos EMI/Elektra Records. As gravações ocorreram em agosto de 1973, no Trident Studios, em Londres, na Inglaterra. A produção ficou a cargo de Roy Thomas Baker, Robin Geoffrey Cable e do próprio Queen.
O lendário Queen retorna às páginas do RAC com mais uma de suas obras memoráveis: Queen II. Vai-se tratar dos fatos que se antecederam ao lançamento do disco para depois se passar ao já tradicional faixa a faixa.
Brian May
Brian Harold May nasceu em Hampton, Middlesex (na Inglaterra), em 19 de julho de 1947, filho único de Ruth e Harold May, o qual trabalhou como desenhista no Ministério Britânico da Aviação. Sua mãe era escocesa, enquanto seu pai era inglês.
May freqüentou a escola local, Hampton Grammar e em seguida uma escola de ajuda voluntária. Durante esse tempo, ele formou sua primeira banda com o vocalista e baixista Tim Staffell, chamada 1984, depois de ler o romance de mesmo nome, de George Orwell. (Nota do Blog: Eric Arthur Blair, mais conhecido pelo pseudônimo George Orwell, foi um escritor, jornalista e ensaísta político inglês, nascido na Índia Britânica. Sua obra é marcada por uma inteligência perspicaz e bem-humorada, uma consciência profunda das injustiças sociais, uma intensa oposição ao totalitarismo e uma paixão pela clareza da escrita. Apontado como simpatizante da proposta anarquista, o escritor faz uma defesa da autogestão ou autonomismo).
Na Hampton Grammar School, May alcançou dez níveis ordinários do GCE e três níveis avançados do GCE em Física, Matemática e Matemática Aplicada. Ele estudou Matemática e Física no Imperial College London, graduando-se com um título de Bacharel em Física, em 1968, com honras. (Em 2007, May recebeu o título de PhD em astrofísica do Imperial College London, pelos trabalhos iniciados em 1971 e concluídos em 2007).
May formou a banda Smile em 1968. O grupo incluía Tim Staffell como vocalista e baixista, e depois, o baterista Roger Taylor.
A banda durou apenas dois anos, de 1968 a 1970, quando Staffell saiu em 1970, deixando o grupo com um catálogo de nove músicas.
Brian May
Roger Taylor
Roger Meddows Taylor nasceu no West Norfolk & Lynn Hospital, Exton's Road, em King's Lynn, Norfolk, Inglaterra, em 26 de julho de 1949. A nova maternidade foi aberta pela (então) futura rainha Elizabeth II, a qual foi apresentada a 16 novas mães, incluindo a Sra. Winifred Taylor, mãe de Roger.
A primeira escola de Taylor foi a Rosebury Avenue. Ele se mudou para Truro, na Cornualha, sudoeste da Inglaterra, com sua mãe Winifred, o pai Michael e a irmã mais nova Clare. Quando ele tinha sete anos de idade, formou sua primeira banda com alguns amigos, a Bubblingover Boys, na qual tocava ukulele.
Ele frequentou brevemente a Escola da Catedral de Truro; depois, aos 13 anos, ingressou na Truro School. Aos 15 anos, Taylor tornou-se membro da Reaction, uma banda de rock semiprofissional formada principalmente por garotos da Truro School.
Taylor originalmente havia aprendido guitarra, mas se tornou um baterista quando percebeu que ele tinha uma aptidão mais natural para isso. Taylor aprendeu a afinar sua bateria, inspirado em Keith Moon, do The Who, por conta do que chamou de ‘grandes sons de bateria’ nos primeiros discos daquele grupo.
Outra influência importante em Taylor foi o baterista Mitch Mitchell, do The Jimi Hendrix Experience, a quem Taylor declarou ser seu primeiro modelo.
Em 1967, Taylor foi para Londres para estudar odontologia no London Hospital Medical College, mas logo ficou entediado com o curso e mudou para Biologia, obtendo um bacharelado na East London Polytechnic.
Roger Taylor
Smile, entre 1968 e 1970
Como foi afirmado, Taylor conheceu Brian May e Tim Staffell em 1968, depois que um amigo viu um anúncio, em um quadro de avisos do Imperial College, procurando por um baterista.
O Smile incluía May na guitarra principal, Staffell nos vocais e baixo, e, depois, Taylor na bateria. A banda durou apenas dois anos, antes de Staffell sair para se juntar ao Humpy Bong, deixando a banda com um catálogo de nove músicas. (Nota do Blog: o Humpy Bong foi uma banda inglesa de folk rock, formada em Londres, em 1970, pelo ex-baterista do Bee Gees, Colin Petersen, e pelo cantor de folk rock irlandês Jonathan Kelly).
Em 1969, Taylor estava trabalhando com Freddie Bulsara no Kensington Market (eles moravam em um mesmo apartamento na época). Freddie era um ávido fã da Smile.
O Smile se separou em 1970. No mesmo ano, Taylor recusou a chance de se tornar o baterista do Genesis, levando Phil Collins a assumir o posto. Bulsara convenceu os dois membros remanescentes da Smile a continuarem e ele finalmente se juntaria à banda posteriormente.
Freddie Mercury
Mercury nasceu Farrokh Bulsara, em Stone Town, no protetorado britânico do Sultanato de Zanzibar, na África Oriental (agora parte da Tanzânia), em 5 de setembro de 1946.
Seus pais, Bomi e Jer Bulsara, eram parses da região de Gujarat, da então província da presidência de Bombaim na Índia britânica. Como parses, Mercury e sua família praticavam a religião zoroastriana. (Nota do Blog: Um Parsi (ou Parsee) significa ‘persa’ na ‘língua persa’, hoje refere-se principalmente a um membro da comunidade zoroastriana que migrou da Pérsia durante a invasão árabe de 636-651; um dos dois (sendo o outro o Iranis), localizado principalmente na Índia, com alguns poucos no Paquistão. De acordo com o Qissa-i Sanjan, os parsis migraram do Grande Irã para Gujarat, onde foram refugiados, entre os séculos VIII e X, para evitar a perseguição após a conquista muçulmana da Pérsia).
A família Bulsara mudou-se para Zanzibar para que seu pai pudesse continuar seu trabalho como caixa no British Colonial Office. Ele tinha uma irmã mais nova, Kashmira.
Mercury passou a maior parte de sua infância na Índia e começou a ter aulas de piano, aos sete anos de idade. Em 1954, aos oito anos de idade, Mercury foi enviado para estudar na St. Peter's School, um internato em estilo britânico para meninos, em Panchgani, perto de Bombaim (hoje Mumbai).
Na idade de 12 anos, ele formou uma banda de escola, The Hectics, e fazia versões de artistas de rock and roll como Cliff Richard e Little Richard. Tem sido dito que uma de suas influências musicais formadoras, na época, era a cantora de Bollywood, Lata Mangeshkar, mas um dos ex-colegas de banda de Mercury (da Hectics) afirmou que “isso é muito lixo. A única música que ele ouviu, e tocava, era música pop ocidental”.
Um amigo da época recorda que Mercury tinha “uma habilidade incomum de ouvir o rádio e repetir o que ouvia no piano”. Foi também na St. Peter’s School onde ele começou a se chamar ‘Freddie’, e, em fevereiro de 1963, voltou para Zanzibar, onde se juntou a seus pais em seu apartamento.
Na idade de 17 anos, Mercury e sua família fugiram de Zanzibar por razões de segurança devido à Revolução de Zanzibar de 1964, na qual milhares de árabes e indianos foram mortos.
A família mudou-se para uma pequena casa, na 22 Gladstone Avenue, Feltham, Middlesex, Inglaterra. Mercury matriculou-se na Isleworth Polytechnic (hoje West Thames College), no oeste de Londres, onde estudou arte.
Ele obteve um diploma em Arte e Design Gráfico na Ealing Art College (agora o campus Ealing da University of West London), mais tarde usando essas habilidades para projetar os braços heráldicos do Queen.
Após sua formatura, Mercury se juntou a uma série de bandas e vendia roupas de segunda mão no Kensington Market, em Londres, com a namorada Mary Austin. Ele também realizou um trabalho no aeroporto de Heathrow. Amigos da época se lembram dele como um jovem quieto e tímido e que demonstrava grande interesse pela música.
Freddie Mercury
Em 1969, ele se juntou a uma banda de Liverpool chamada Ibex, mais tarde renomeada para Wreckage. Ele viveu brevemente em um apartamento acima do pub de Liverpool, The Dovedale Towers. Quando esta banda não conseguiu decolar, ele se juntou a outra chamada Sour Milk Sea. No entanto, no início de 1970, esse grupo havia se separado também.
Em abril de 1970, Mercury se juntou ao guitarrista Brian May e ao baterista Roger Taylor, que já haviam estado em uma banda chamada Smile.
De Smile a Queen
Enquanto frequentava o Ealing Art College, Tim Staffell tornou-se amigo de Farrokh Bulsara, um colega que assumiu o nome em inglês de Freddie. Bulsara sentiu que ele e a banda tinham os mesmos gostos e logo se tornou um grande fã da Smile.
Em 1970, depois que Staffell saiu para se juntar à banda Humpy Bong, os membros restantes do Smile, encorajados por Bulsara, mudaram seu nome para ‘Queen’ e fizeram seu primeiro show, em 18 de julho. A banda teve um número bem considerável de baixistas durante este período, mas nenhum deles se encaixava com a química do conjunto.
Foi em torno de fevereiro do ano de 1971 que o conjunto se estabeleceu com o baixista John Deacon e começou a projetar o primeiro álbum.
John Deacon
John Richard Deacon nasceu em Leicester, Inglaterra, em 19 de agosto de 1951, filho de Arthur Henry e Lilian Molly Deacon. Sua irmã mais nova, Julie, nasceu cinco anos depois. Seu pai trabalhava na companhia de seguros Norwich Union e, em 1960, a família se mudou para a cidade-dormitório de Oadby.
Deacon era conhecido por seus amigos e colegas de banda como ‘Deaks’ ou ‘Deaky’ e frequentava a Linden Junior School, em Leicester; e a Gartree High School e a Beauchamp Grammar School, em Oadby.
Ele se interessou por eletrônica, lendo revistas sobre o assunto e construindo pequenos dispositivos, incluindo a modificação de um toca-fitas para gravar músicas diretamente do rádio. Ele estudou bastante e alcançou 8 níveis de GCE e 3 níveis de A, todos na gradação A.
Ele também demonstrava gosto pela soul music em particular. (Nota do Blog: Soul é um gênero musical dos Estados Unidos que nasceu do rhythm and blues e do gospel durante o final da década de 1950 e início da década de 1960 entre os negros. Durante a mesma época, o termo soul já era usado nos Estados Unidos como um adjetivo usado em referência ao afro-americano, como em ‘soul food’ (‘comida de alma’). Esse uso apareceu justamente numa época de vários movimentos sociais, tanto com a revolução dos jovens, como os movimentos antiguerra e antirracistas. Por consequência, a ‘música soul’ nada mais era que uma referência à música negra, independentemente de gênero).
Deacon se juntou à sua primeira banda, a Opposition, em 1965, aos 14 anos de idade. A banda tocava covers de sucessos das paradas; Deacon era o guitarrista base usando um instrumento que ele havia comprado com dinheiro emprestado do fundador do grupo, Richard Young. Ele mudou para o baixo no ano seguinte, depois que o baixista original foi demitido por não melhorar seu desempenho tanto quanto os outros membros.
Além de músico dedicado, Deacon também era o arquivista da banda, guardando recortes de jornais e até mesmo dos comerciais que apresentavam a Opposition.
Depois de ficar na banda por quatro anos, Deacon tocou seu último show com o grupo (então chamado The Art) em agosto de 1969. Ele saiu porque havia sido aceito para estudar no Chelsea College, em Londres (hoje parte do King's College London), onde ele obteve uma licenciatura de primeira classe em Eletrônica, em 1971.
Fã do Deep Purple, ele viu o grupo fazer o lendário show Concerto for Group and Orchestra, com a Royal Philharmonic Orchestra, no Royal Albert Hall, em setembro de 1969.
Embora John tenha deixado seu baixo e amplificador em casa, em Oadby, depois de menos de um ano estudando em Londres, ele decidiu que queria se juntar a uma banda.
Em 1970, Freddie Mercury, Brian May e Roger Taylor já haviam formado o Queen; Deacon os viu em outubro daquele mesmo ano, mas não ficou imediatamente impressionado.
No final de 1970, ele formou brevemente um grupo chamado Deacon o qual fez uma apresentação ao vivo, no Chelsea College.
No início de 1971, Deacon foi apresentado a Taylor e May por um amigo (em uma discoteca) que lhe disse que eles estavam em uma banda a qual havia acabado de perder seu baixista.
Dias depois, ele fez um teste em uma sala de aula no Imperial College London e se tornou o último membro do Queen. Deacon foi selecionado por seu talento musical, seu comportamento quieto e suas habilidades elétricas.
Uma lenda persistente afirma que Deacon foi o sétimo baixista que fez o teste, mas fontes mais recentes mostram que os baixistas do Queen foram, em ordem: Mike Grose, Barry Mitchell, Doug Bogie e Deacon.
John Deacon
À procura do crescimento
O grupo gravou quatro de suas próprias canções (“Liar”, “Keep Yourself Alive”, “The Night Comes Down” e “Jesus”), para uma fita demo; mas nenhuma gravadora demonstrou interesse.
Foi também nessa época em que Freddie mudou seu sobrenome para ‘Mercury’, inspirado no verso “Mother Mercury, look what they've done to me” da música “My Fairy King”, composta por ele mesmo.
Em 2 de julho de 1971, o Queen fez seu primeiro show com o clássico line-up Mercury, May, Taylor e Deacon, em uma faculdade de Surrey, nos arredores de Londres.
Tendo frequentado a faculdade de artes, Mercury também desenhou o logo do Queen, batizado Queen crest, pouco antes do lançamento do primeiro álbum da banda.
O logotipo combina os signos do zodíaco de todos os quatro membros do conjunto: dois leões para Leão (Deacon e Taylor), um caranguejo para Câncer (May) e duas fadas para Virgem (Mercury). Os leões abraçam uma letra estilizada Q, o caranguejo repousa sobre a carta com chamas subindo diretamente acima dela, e as fadas estão cada uma se abrigando abaixo de um leão. Há também uma coroa dentro do Q e todo o logotipo é sombreado por uma enorme fênix.
O símbolo possui uma semelhança passageira com o brasão real do Reino Unido. O logotipo original, encontrado no verso da capa do primeiro álbum da banda, era um simples desenho. Capas posteriores trouxeram versões mais intrincadas do logo.
Em 1972, o Queen entrou em discussões com o Trident Studios depois de uma apresentação no De La Lane Studios, vista por John Anthony. Após essas discussões, Norman Sheffield ofereceu à banda um contrato de gestão com a Neptune Productions, uma subsidiária da Trident, para gerenciá-la e permitir que usasse as instalações da Trident para gravação de novos materiais, enquanto a diretoria procurava uma gravadora para contratá-la.
Isso funcionou para ambas as partes, à medida que a Trident se expandia para a administração e, sob o acordo, o Queen pode usar as instalações de gravação de alta tecnologia utilizadas por outros músicos, como os Beatles e Elton John, para produzir novo material.
Em 1973, o Queen assinou um contrato com a Trident/EMI.
O primeiro álbum, Queen
Em julho de 1973, o Queen lançou seu álbum de estreia, Queen, um esforço influenciado pelo heavy metal e pelo rock progressivo.
O álbum foi bem recebido pelos críticos; Gordon Fletcher, da revista norte-americana Rolling Stone, chamou-o de “soberbo”, e o jornal Daily Herald, de Chicago, chamou-a de “estreia acima da média”.
No entanto, o trabalho atraiu pouca atenção do mainstream e o single “Keep Yourself Alive” vendeu mal. Retrospectivamente, o single é citado como o destaque do álbum, e em 2008, a Rolling Stone o classificou em 31º lugar entre as ‘100 Melhores Canções de Guitarra de Todos os Tempos’, descrevendo-o como “um álbum inteiro de riffs abarrotado em uma única canção”.
Mesmo assim, o disco atingiu o 47º lugar da principal parada britânica, alcançando a 83ª posição de sua correspondente norte-americana.
Próximos passos
Depois que seu álbum de estreia autointitulado, Queen, foi gravado e mixado, no final de novembro de 1972, o Queen começou a turnê e a sua promoção.
Problemas de gerenciamento forçaram o álbum a ser lançado pela gravadora independente Trident, mas somente após oito meses desde a sua conclusão. Durante esse tempo, o Queen estava compondo material novo e ansioso para gravá-lo.
Começa a surgir Queen II
Várias novas músicas foram compostas após o primeiro álbum e algumas eram mesmo de antes. “See What a Fool I've Been” havia sido abandonada dos dias do Smile. “Ogre Battle” foi escrita durante as sessões do álbum de estreia, bem como “Father To Son”, mas a banda decidiu esperar por gravá-las até que tivessem mais liberdade no estúdio.
Em agosto de 1973, a banda estava nos estúdios Trident, agora autorizados a agendar horas adequadas, com um álbum sob sua mira. Para o que, geralmente, é considerado um trabalho complexo (com vocais em camadas, harmonias e instrumentos), demorou-se muito pouco tempo - apenas um mês - para se gravar Queen II.
Uma versão completa de “Seven Seas of Rhye” foi gravada e lançada com a intenção específica de ser o primeiro single do novo álbum. Após o fracasso comercial de “Keep Yourself Alive”, o Queen decidiu que precisava de um single que não demorasse “muito tempo para acontecer” (sem uma longa introdução de guitarra). Então, tanto o Queen quanto o produtor Roy Thomas Baker se certificaram de que ‘Rhye’ começasse de um jeito que atraísse pessoas.
Mitologia e arte eram paixões de Mercury, e a pintura de Richard Dadd, The Fairy Feller's Master-Stroke (que atualmente está na Galeria Tate), despertou sua criatividade.
Mick Rock foi contratado para fazer todo o trabalho de fotografia artística do álbum. Esta única imagem do Queen, usada na capa de Queen II, se tornaria uma das imagens mais icônicas da banda, revisitada e trazida à vida para o filme promocional ‘Bohemian Rhapsody’.
Robin Cable, com quem Mercury trabalhou durante a sessão “I Can Hear Music”, foi recrutado para reproduzir o som da produção de Spector em “Funny How Love Is”.
Queen II não é um álbum conceitual, mas uma coleção de músicas com um tema livre por toda parte. Os dois lados do LP original foram rotulados como ‘Side White’ e ‘Side Black’ (em vez dos lados convencionais A e B), com fotos correspondentes do grupo vestido de branco ou preto em ambos os lados do encarte.
O lado branco tem músicas com um tema mais emocional e o lado negro é quase inteiramente sobre fantasia, geralmente com temas bastante sombrios.
O lado ‘branco’ é muito diversificado: quatro das cinco faixas foram compostas por Brian May, onde uma é instrumental, uma é cantada por Freddie Mercury e Roger Taylor (com May ao piano), a seguinte é cantada por Mercury, e a última por May. A faixa de encerramento do ‘White Side’ é a única composição de Taylor no álbum, em que ele também canta. John Deacon tocou violão em “Father to Son”, além de seus deveres normais no baixo.
O vocalista Freddie Mercury compôs todo o lado ‘negro’, contribuindo com peças de piano e cravo e uma ampla gama de performances vocais distintas.
Icônica capa de Queen II
A capa do álbum Queen II apresenta uma fotografia tirada por Mick Rock, que, de acordo com a VH1, “Queen em formação de diamante, cabeças inclinadas para trás como estátuas da Ilha de Páscoa” contra um fundo preto.
A banda contratou Rock porque eles queriam, nas palavras de Rock, “enxertar algumas das [marcas registradas] sensações 'glam' decadentes”, por conta de seu trabalho com artistas como David Bowie, Iggy Pop e Lou Reed.
Posteriormente, o resumo que o fotógrafo recebeu do Queen deveria ter um tema preto e branco para toda a arte de Queen II. De acordo com Rock, o grupo estava procurando atrair a atenção das pessoas com a capa, especialmente desde que seu primeiro álbum falhou em o fazer.
Imagem icônica
“Eles perceberam que, se você conseguisse pegar os olhos das pessoas, poderia interessá-las para música”. Descrevendo-a como uma espécie de ‘tipo de nocaute por uma velha foto de Marlene Dietrich’, o fotógrafo inspirou-se em uma fotografia da atriz no filme de 1932, Shanghai Express. (Nota do Blog: Marlene Dietrich, nome artístico de Marie Magdelene Dietrich von Losch foi uma atriz e cantora alemã. Dietrich manteve grande popularidade ao longo de sua longa carreira no show business, por continuamente reinventar-se, profissionalmente. Em 1920, em Berlim, ela atuou nos palcos e em filmes mudos. Seu desempenho como Lola-Lola em O Anjo Azul (1930), dirigido por Josef von Sternberg, lhe trouxe fama internacional, resultando em um contrato com a Paramount Pictures. Dietrich estrelou em filmes de Hollywood tais como Marrocos (1930), O Expresso de Xangai (1932) e Desejo (1936)).
“E claro que ninguém nunca foi mais ‘glam’ que a divina Ms. Dietrich”, brincou Rock.
Embora a banda quase rejeitasse a foto, pois a sentia muito pretensiosa, Rock a convenceu do contrário: “Isso os fez parecer um negócio muito maior do que eram na época, mas foi um verdadeiro reflexo de sua música”.
A imagem seria reutilizada pelo Queen para os vídeos promocionais de seus singles “Bohemian Rhapsody”, de 1975, e “One Vision”, de 1985.
Vamos às faixas:
PROCESSION
Pequena introdução instrumental para o disco...
FATHER TO SON
"Father to Son" é uma bela faixa, contando com um belo arranjo e ótimo trabalho da bateria de Roger Taylor e do piano tocado por Freddie Mercury. O peso da guitarra de Brian May aparece a partir do segundo minuto e é de arrepiar!
A letra é na perspectiva de um pai pensando sobre o filho:
And the voice is so clear
Time after time it keeps
Calling you calling you on
Don't destroy what you see
Your country to be
Just keep building on the ground
That's been won
Kings will be crowned
The word goes around
From father to son to son
WHITE QUEEN (AS IT BEGAN)
Com um início mais intimista e melancólico, "White Queen" se desenvolve de modo bem ameno, mas com alto teor de dramaticidade. O trabalho acústico de Brian May é envolvente e a composição é uma amostra daquilo que o Queen se tornaria já no ano seguinte.
A letra é inspirada na obra The White Goddess, de Robert Graves:
How did thee fare, what have thee seen
The mother of the willow green
I call her name
And 'neath her window have I stayed
I loved the footsteps that she made
And when she came
White queen how my heart did ache
And dry my lips no word would make
So still I wait
SOME DAY ONE DAY
Nesta canção, os vocais são liderados pelo guitarrista Brian May. A suavidade é uma tônica na bela melodia e o aspecto acústico novamente é uma força dominante.
A letra fala sobre juventude:
The rest may not be sung
So still the cloud it hangs
Over us and we're alone
But some day, one day
THE LOSER IN THE END
Já nesta faixa, é o baterista Roger Taylor quem providencia os vocais (e de maneira bem mais satisfatória que May, registre-se). A composição flerta de modo mais intenso com o Hard Rock, com a seção rítmica imprimindo mais peso e a guitarra de May bem mais distorcida.
A letra fala sobre consequências:
So listen mothers everywhere
To just one mother's son
You'll get forgotten on the way
If you don't let them have their fun
Forget regrets, and just remember
It's so long since you were young
OGRE BATTLE
"Ogre Battle" é uma música sensacional. Ela apresenta o uso de camadas vocais as quais se tornaram um marco na carreira do Queen. A guitarra de Brain May está enfurecida, contando com um riff principal espetacular. Os vocais de Mercury dispensam maiores comentários.
A letra é sobre uma batalha de ogros:
He gives a great big cry
And he can swallow up the ocean
With mighty tongue he catches flies
And the palm of his hand incredible size
One great big eye
Has to focus in your direction
Now the battle is on
Yeah yeah yeah
THE FAIRY FELLER’S MASTER-STROKE
Esta composição é muito interessante, bastante experimental, com um pé no Progressivo. O efeito catártico e divertido de sua sonoridade tem a faceta magistral do grupo.
A letra é inspirada na tela homônima, obra de Richard Dadd:
Ploughman, Waggoner Will, and types
Politician with senatorial pope, he's a dilly-dally-o
Pedagogue squinting, wears a frown
And a satyr peers under lady's gown, dirty fellow
NEVERMORE
"Nevermore" possui pouco mais de 1 minuto, mas apresenta a genial voz de Mercury em estado puro enquanto ele mesmo toca piano.
A letra é sobre o fim de um relacionamento:
There's no living in my life anymore
The seas have gone dry and the rain stopped falling
Please, don't you cry anymore
Can't you see?
Listen to the breeze, whisper to me, please
Don't send me to the path of nevermore
THE MARCH OF THE BLACK QUEEN
Já em "The March of the Black Queen", o conjunto continua com seu rock repleto de influências diversas, misturando corais de vozes, piano, guitarra distorcida e uma seção rítmica imprimindo bastante peso e intensidade à canção. A alternância entre passagens calmas e outras "caóticas" é incrível.
A letra é com o tema de fantasia:
Here comes the Black Queen, poking in the pile
Fie-fo the Black Queen, marching single file
Take this, take that, bring them down to size
(March to the Black Queen)
FUNNY HOW LOVE IS
Nesta faixa, o grupo faz uma abordagem mais suave, com a percussão bem presente e May abusando de seu bom gosto. Ótimos vocais de Mercury.
A letra fala sobre o amor:
Tomorrow brings love in the shape of things
At any time, anywhere
If you gotta make love do it everywhere
That's what love is, that's what love is
SEVEN SEAS OF RHYE
A décima-primeira - e última - faixa de Queen II é "Seven Seas of Rhye". Um clássico indiscutível da banda encerra o álbum de maneira épica. Peso, criatividade e talento se misturam em um dos grande momentos do início de carreira do Queen!
A letra é em tom fantástico:
Storm the master marathon I'll fly through
By flash and thunder fire, I'll survive (I'll survive, I'll survive)
Then I'll defy the laws of nature
And come out alive!
Begone with you, you shod and shady senators
Give out the good, leave out the bad evil cries
I challenge the mighty titan and many troubadours
And with a smile
I'll take you to the seven seas of Rhye
“Seven Seas of Rhye” foi lançada como single para promover Queen II, alcançando a boa 10ª posição da principal parada britânica, embora não tenha repercutido na sua correspondente norte-americana.
Inicialmente, “Seven Seas of Rhye” foi um ‘esboço musical instrumental que fechava seu primeiro álbum’. Uma versão expandida, planejada para inclusão no álbum Queen II, foi inaugurada publicamente quando o Queen teve uma oportunidade repentina de aparecer no famoso programa da TV britânica, Top of the Pops, em fevereiro de 1974, sendo levada às pressas para o vinil dois dias depois, em 23 de fevereiro.
Tornou-se a primeira música da banda nas paradas, após ganhar tempo na BBC Radio 1, alcançando, conforme dito, o número 10 na parada inglesa, o que por sua vez persuadiu Freddie Mercury a assumir o Queen como sua carreira em tempo integral.
A música foi abandonada do set ao vivo, em 1976, e não foi tocada novamente em concerto até a The Works Tour oito anos depois. A versão presente em Queen II termina em um ‘cross fade’, com os instrumentos se misturando ao grupo cantando ‘I Do Like To be Beside the Seaside’, acompanhados por um stylophone tocado por Roy Thomas Baker, que foi uma única exceção à regra ‘no synths’, estabelecida pelo conjunto.
Em uma entrevista de rádio de 1977, Freddie Mercury descreveu o tema da música como um ‘produto de sua imaginação’. No musical We Will Rock You, os Seven Seas of Rhye é um lugar onde os boêmios são levados após serem drenados pelo cérebro de Khashoggi.
Considerações Finais
Queen II serviu para aumentar o nível de sucesso do grupo, tanto crítica quanto comercialmente.
O álbum atingiu a excelente 5ª posição da principal parada britânica, atingindo a 49ª colocação em sua correspondente norte-americana. Ainda ficou com os 19º e 40º lugares nas paradas de Noruega e Canadá, respectivamente.
Queen II recebeu uma reação crítica mista da imprensa musical contemporânea. A revista britânica NME opinou que o disco exibia “todo o poder e força, seus talentos de escrita e toda qualidade que os tornam únicos”; enquanto o extinto jornal Sounds escreveu, “Simplesmente intitulado Queen II, este álbum a captura em suas melhores horas”.
A revista norte-americana Rolling Stone, a qual elogiou muito o primeiro LP da banda, premiou o álbum com 2,5 estrelas (em 5). Enquanto a revista tinha pouco entusiasmo pelo ‘Side Black’, eles aplaudiram ‘Side White’, descrevendo que ele apresentava a “graça salvadora de acordes de poder oportunos e bem escolhidos e algumas melodias bastante bonitas”.
A revista britânica Melody Maker teve poucos elogios para o disco, escrevendo: “É reputado que o Queen teve algum sucesso nos Estados Unidos, (e) está atualmente na balança se eles realmente vão acontecer por aqui. Se eles fizerem isso, então eu vou ter que comer meu chapéu ou algo do tipo. Talvez o Queen tente demais, não há profundidade ou sentimento no seu som”.
Outra extinta revista britânica, Record Mirror, afirmou: “É isso, a essência do glam rock. Fraca e superproduzida, se esta banda é nossa mais esperançosa esperança para o futuro, então estamos cometendo o suicídio do rock and roll”. O famoso crítico musical, Robert Christgau, detestou o disco.
Stephen Thomas Erlewine, do site AllMusic, em uma análise atual, dá ao disco uma nota 4 (de 5), afirmando: “Mas esse tipo de drama insular é bastante atraente, e é por isso que Queen II é um dos favoritos de seus fãs mais fanáticos. No mínimo, isso ilustra que o Queen estava começando a puxar todas as suas ambições e influências para um som de assinatura, e é bastante poderoso a esse respeito”.
Após a conclusão do álbum, no final de agosto de 1973, o Queen adicionou “Ogre Battle”, “Procession” e “Father to Son” aos seus setlists imediatamente e excursionou extensivamente.
Mais uma vez, no entanto, a gravadora Trident atrasou o LP, pois o primeiro álbum do Queen havia acabado de ser lançado no Reino Unido e ainda precisava ser lançado nos EUA.
Outros problemas afetam o lançamento do álbum: as medidas de conservação de energia postas em prática durante a crise do petróleo, em 1973, atrasaram sua fabricação por vários meses e, quando liberado, John Deacon foi creditado como ‘Deacon John’, e a banda insistiu que isto precisava ser corrigido.
Quando 1974 chegou ao fim, a reação pública à Queen II foi entusiástica. O álbum também foi classificado pela revista britânica Disc como o 5º melhor do ano. Embora o disco continue a ser uma das obras menos conhecidas da banda, desde então tem mantido um culto de seguidores e sido citado recentemente por uma série de publicações musicais, artistas e fãs como uma das melhores obras do Queen.
Em 2003, a revista britânica Q incluiu Queen II em uma lista de cinquenta álbuns pouco conhecidos recomendados pela revista para complementar sua pesquisa The 50 Best British Albums Ever. Em 2005, na revista Kerrang!, seus leitores votaram em Queen II como o 72º maior álbum de rock britânico de todos os tempos.
Em 2006, o álbum foi apresentado na lista The 200 Greatest Albums of the 70s, feita em conjunto pelas revistas Classic Rock e Metal Hammer, sendo listado, ao lado de Sheer Heart Attack, como um dos 20 maiores álbuns de 1974.
Entre outras premiações, junto aos álbuns Queen, Sheer Heart Attack e A Night at the Opera, Queen II é apresentado no livro 1001 Albums You Must Hear Before You Die, onde é descrito como “um álbum distintamente sombrio” e que “mostrou sua diversidade” em contraste com os seus posteriores “hinos expansivos e agradáveis ao estádio”.
Entre fãs famosos de Queen II estão Axl Rose, da banda Guns N’ Roses, e Billy Corgan, do Smashing Pumpkins.
Sobre o conceito de Side White e Side Black, Freddie Mercury afirmou: “Bem... esse foi um conceito que nós desenvolvemos na época... não tem nenhum significado especial. Mas ficamos fascinados com esses tipos de coisas... o guarda-roupa que usamos na época descreveu perfeitamente bem...”. Já Brian May foi cirúrgico:
“Quando o Queen II saiu, não se conectou com todos. Muitas pessoas pensaram que abandonaríamos o rock. Eles disseram: ‘Por que vocês não tocam coisas como ‘Liar’ e ‘Keep Yourself Alive’? Tudo o que podíamos dizer era, escute outra vez, está lá, mas está tudo em camadas, é uma nova abordagem. Hoje em dia as pessoas dizem: ‘Por que vocês não tocam como em Queen II’? Muitos dos nossos fãs mais próximos pensam isso, e eu ainda gosto muito desse álbum. Não é perfeito, tem as imperfeições da juventude e os excessos da juventude, mas acho que esse foi o nosso maior passo”.
Em 8 de novembro daquele mesmo ano, o Queen já lançaria seu terceiro álbum de estúdio, Sheer Heart Attack.
Queen II supera a casa de 600 mil cópias vendidas.
O Queen finalmente retorna ao RAC com um álbum menos badalado, mas igualmente genial: Queen II.
Já em seu segundo disco, o grupo dava amostras de que seria um dos melhores conjuntos que o Rock já presenciou: Brian May demonstra a habitual competência na guitarra e acusticamente, Roger Taylor é um ótimo baterista e John Deacon abusa do 'groove'.
Freddie Mercury dispensa maiores elogios: tanto sua voz quanto sua interpretação das letras são impecáveis. Ao piano, Freddie também apresenta desenvoltura.
Queen II é uma clara evolução em relação à estreia do conjunto. O peso do Hard/Heavy está presente, mas a banda apresenta algumas de suas marcas registradas: uso de camadas de vozes, o flerte com a musicalidade erudita, uma gama de influências diferentes nas canções.
Tudo é construído com absoluto talento e bom gosto, o exemplo são os arranjos, muito eficientes. E isto permite que cada músico brilhe individualmente, mas o conjunto soe sempre harmonioso. As letras também são interessantes.
Desta maneira, Queen II é uma pequena obra de arte. Apreciá-lo é poder constatar uma banda em franco desenvolvimento.
Aqui não existem músicas de enchimentos, todas são no mínimo muito boas. Mas o RAC destaca ao menos 4 canções muito acima da média: "Father to Son", "The March of the Black Queen", "Seven Seas of Rhye" e a predileta "Ogre Battle".
Enfim, o Queen começava sua caminhada para o Olimpo do Rock and Roll, apresentando uma criatividade e uma capacidade poucas vezes observadas. Queen II é um álbum especial e apontando para o que seria um futuro inexplicavelmente soberbo de seus criadores.
