Burden
of Truth é o terceiro álbum de estúdio da banda norte-americana
Circle II Circle. Seu lançamento oficial aconteceu em 10 de outubro
de 2006, através dos selos AFM e Locomotive Records. As gravações
ocorreram no Morrisound Studios, em Tampa, na Flórida, nos Estados
Unidos durante o ano de 2006. A produção ficou a cargo de Zachary
Stevens, Dan Campbell e Jim Morris.
Burden of Truth é o terceiro álbum de estúdio da banda norte-americana Circle II Circle. Seu lançamento oficial aconteceu em 10 de outubro de 2006, através dos selos AFM e Locomotive Records. As gravações ocorreram no Morrisound Studios, em Tampa, na Flórida, nos Estados Unidos durante o ano de 2006. A produção ficou a cargo de Zachary Stevens, Dan Campbell e Jim Morris.
É hora do RAC trazer, pela primeira vez em suas páginas, a banda Circle II Circle, com o álbum Burden of Truth. Vai-se, resumidamente, abordar os fatos que antecederam o lançamento do disco para depois se ater às faixas propriamente ditas.
The Wake of Magellan
Em 15 de setembro de 1997, o Savatage lançava The Wake of Magellan, seu décimo álbum de estúdio.
The Wake of Magellan é um disco sensacional, com faixas incríveis como “Turns to Me”, “Morning Sun” e “Anymore”.
Naquela época, o vocalista do Savatage era Zachary ‘Zak’ Stevens.
The Wake of Magellan tratou de conceitos como o valor de uma vida, suicídio e abuso de drogas, com base em eventos da vida real, como o Maersk Dubai e o assassinato de Veronica Guerin. (Nota do Blog: Em 12 de março de 1996, dois passageiros clandestinos, Radu Danciu e Petre Sangeorzan, foram descobertos no navio de carga Maersk Dubai e encomendados ao mar, por uma balsa improvisada, a aproximadamente 70 quilômetros da costa de Gibraltar. Em 18 de maio do mesmo ano, enquanto o navio estava em rota para o Porto de Halifax, Nova Escócia, outro romeno, Gheorghe Mihoc, foi encontrado escondido em um grande recipiente de carga e foi lançado ao mar, ao ponto da faca, pelo Capitão Sheng Hsiu e quatro de seus oficiais. Um quarto passageiro clandestino, Nicolae Pasca, foi descoberto pelo filipino Rodolpho "Rudy" Miguel e manteve-se escondido até que o navio chegou a Halifax, onde oito tripulantes filipinos (incluindo Miguel) deixaram o navio e relataram o incidente às autoridades. À chegada a Halifax, o Maersk Dubai foi invadido pela Royal Canadian Mounted Police (GRC), e o capitão Hsiu e seus oficiais taiwaneses foram presos e acusados de assassinato em primeiro grau. O operador de rádio tentou escapar pulando no porto e depois foi preso. O capitão Hsiu tentou negar o acesso ao navio de acordo com as leis de frete internacional).
(Nota do Blog: Veronica Guerin foi uma jornalista irlandesa. Começou tardiamente na profissão, depois dos 30 anos, e gostava do jornalismo investigativo. Exemplo de determinação e coragem, sua vontade incessante por justiça fez com que pagasse com a vida a investigação a fundo sobre a máfia e o tráfico de drogas em Dublin, capital da Irlanda, durante a década de 1990. Denunciou também a ligação que alguns dos mais importantes gângsteres tinham com o IRA. Sofreu um atentado e chegou a ser espancada por um dos maiores mafiosos da cidade. Depois do seu assassinato, a população da Irlanda se revoltou e foi às ruas fazer protestos, e os barões do tráfico tiveram seus bens confiscados e foram presos).
O Savatage deixou, após um contrato de longo prazo, a Atlantic Records depois deste lançamento e, eventualmente, assinou com uma organização muito menor, a Nuclear Blast. Jon Oliva, líder do grupo, disse que esta foi uma boa jogada, já que a nova gravadora “adorava a banda e eles conheciam nossas músicas e tudo!”.
A partir de 1996, Stevens apareceria junto com outros membros do Savatage no projeto paralelo chamado Trans-Siberian Orchestra. Seu último álbum gravado com o Savatage foi mesmo The Wake of Magellan (1997), que alguns fãs consideram o melhor trabalho do grupo pós-1993.
Trans-Siberian Orchestra
O projeto Trans-Siberian Orchestra surgiu com o produtor, compositor e letrista Paul O'Neill, reunindo Jon Oliva e Al Pitrelli (ambos membros do Savatage) e o tecladista e coprodutor Robert Kinkel para formar o núcleo criativo do conjunto. Normalmente, o grupo convidava diversos artistas para participarem das gravações e turnês, especialmente vocalistas.
Zak Stevens
Zak Stevens participou da gravação de 3 álbuns de estúdio do grupo até aquele momento: Christmas Eve and Other Stories (1996), The Christmas Attic (1998) e Beethoven's Last Night (2000).
Mudanças
Em 2000, Stevens deixou o Savatage, citando que queria passar mais tempo com sua jovem família. Durante o inverno norte-americano de 2001, Zak começou seu retorno às suas atividades musicais.
Zak começou seu retorno com seu amigo de longa data, Dan Campbell, coescrevendo material com Jon Oliva e o guitarrista Chris Caffery (ambos do Savatage). Foi neste momento que Stevens e Campbell resolveram criar um conjunto, o Circle II Circle.
Muito do material novo se tornaria as músicas do álbum de estreia da nova banda, Watching in Silence.
Watching in Silence
Em 29 de abril de 2003, o Circle II Circle lançou Watching in Silence, seu primeiro álbum de estúdio.
Além de Zak Stevens nos vocais, o disco conta com os tecladistas Jon Oliva e John Zahner, os guitarristas Chris Caffery e Matt La Porte, o baixista Kevin Rothney e o baterista Christopher Kinder.
Os amigos Dan Campbell e Jon Oliva auxiliaram Zak Stevens na produção do disco, o qual conta com ótimas canções como “Into the Wind” e “Face to Face”.
Em 2005, o grupo passaria por uma drástica mudança de formação que resultou no EP chamado All That Remains.
The Middle of Nowhere
Em 30 de agosto de 2005, o Circle II Circle lançou The Middle of Nowhere, seu segundo álbum de estúdio.
Este foi o primeiro álbum com a nova constituição da banda, a qual se reuniu depois que Stevens demitiu toda a formação original, em 2003.
Como no primeiro disco da banda, ele apresenta aparições de convidados e créditos de composição para os antigos companheiros de Savatage, Jon Oliva e Chris Caffery.
Além de Zachary Stevens nos vocais, o disco conta com os guitarristas Evan Christopher e Andrew Lee, o baixista Mitch Stewart e o baterista Tom Drennan.
Mitch Stewart
Boas faixas de The Middle of Nowhere são “Holding On” e “Faces in the Dark”.
Burden of Truth
O terceiro lançamento da banda seria um álbum conceitual intitulado Burden of Truth, baseado em torno do conceito de descendentes de Jesus e tomando como referência o livro The Da Vinci Code, de Dan Brown. (Nota do Blog: The Da Vinci Code (O Código Da Vinci nas edições brasileiras e portuguesas) é um romance policial do escritor norte-americano Dan Brown, publicado em 2003 pela editora Random House nos EUA. É um best-seller mundial, décimo primeiro livro mais vendido no mundo com mais de 80 milhões de cópias. Causou polêmica ao questionar a divindade de Jesus Cristo. A maior parte do livro desenrola-se a partir do assassinato de Jacques Saunière, curador do museu do Louvre. Robert Langdon, Sophie Neveu e Leigh Teabing vivem várias aventuras ao tentar desvendar códigos que deem resposta aos enigmas que Jacques Saunière deixou no leito de morte).
Ao contrário dos dois primeiros álbuns da banda, este disco não possui aparições convidadas dos ex-companheiros de Savatage, Chris Caffery e Jon Oliva.
O conceito da história abordada pelas letras presentes no álbum foi desenvolvido pelo vocalista Zak Stevens e pelo seu amigo produtor do grupo, Dan Campbell.
A capa, belíssima, foi idealizada por Dan Campbell e desenhada pelo artista Thomas Ewerhard.
Vamos às faixas:
WHO AM I TO BE?
O disco é aberto com uma faixa que traz os ótimos vocais de Zak Stevens em uma sonoridade mais cadenciada, mas que conta com guitarras pesadas e marcantes. A bateria também está muito boa. Um Hard/Heavy de categoria.
A letra é sobre a procura de si mesmo:
Who am I to be?
You could never see
Always pretending
What you are to me
What am I to say?
When all you do is hate
Got some news
Nobody wins this game
This game
A MATTER OF TIME
Em "A Matter of Time", o grupo aposta mais firmemente no Heavy Metal, pois a música é baseada em um bom riff, pesado e marcante. O refrão, mais suave e cadenciado, é bem legal, assim como o solo de guitarra. Ótima canção.
As letras refletem a descoberta de Saunière:
Will you hold on forever
To the change that held you down
Believe you'll never
Abandon the way that you found
HEAL YOU
A ótima "Heal You" traz à mente o soberbo Metal oitentista, com um riff soberano e a seção rítmica imprimindo um peso incrível, graças aos bons trabalhos do baterista Tom Drennan e do baixista Mitch Stewart. O solo de guitarra é, novamente, cativante. Grande momento do álbum!
A letra é sobre descobertas:
All of us falling
On the sacred roads they've led us
Hear the calling
They will never forget us
REVELATIONS
A bateria se encontra ainda mais intensa na pesada "Revelations" e é o maior destaque da faixa, ao lado da ótima atuação vocal de Zak Stevens. Mesmo com um andamento mais cadenciado, o peso é constante nesta composição.
A letra é sobre confiança:
Don't want to let you go
Never could let it show
Why do I always trust you
I cannot let it go
I've carried on the line
And made the most of time
Waiting for this day to arrive
YOUR REALITY
Em "Your Reality", o Circle II Circle pisa no freio e opta por um andamento mais arrastado. A melodia é mais suave e o baixo de Mitch Stewart domina. O refrão é mais pesado e intenso, em uma construção interessante, mesmo que não inovativa. Excelente atuação de Zak Stevens.
A letra é sobre como lidar com novas descobertas:
How will you deal with things
You perceive as real
What's left to offer
Time to reach right down
Into what you feel
At the cost of trust
Would they seek you again
EVERMORE
Faixa mais curta do disco, o grupo faz uma abordagem muito pesada e técnica, trazendo à memória, os momentos intensos do Dream Theater. Apesar de sua duração efêmera, é uma canção interessante.
A letra critica a religião:
All of the people who tried
To make peace
And they died
All of their fortresses shine
Like the cross
As they ride
Never unfolding the truth
Still unknown
Altering consciousness
Evil has flown
Following mercy alone
The masses have grown
THE BLACK
"The Black" traz uma sonoridade muito interessante, alternando passagens mais suaves e melódicas com outras pesadas e muito intensas. Os vocais de Zak Stevens estão excelentes. A estrutura da composição é muito semelhante ao que Stevens fazia no Savatage.
A letra é um desejo de libertação:
Into the black
With a final chance to save my soul
Waiting for something
To release me from this hold
MESSIAH
"Messiah" é um deleite para fãs de Heavy Metal, pois é uma composição pesada, intensa e que, sem firulas, vai diretamente ao ponto. As guitarras estão ótimas muito por conta do afiado trabalho da seção rítmica a qual, mesmo de modo suave, flerta com o Thrash.
A letra menciona um novo salvador:
Still the world keeps turning
Through the maze of lies
I am returning
To replace your lives
Feel them closing in
Follow me this night
Blood is their desire
Enter the new Messiah
SENTENCED
"Sentenced" traz uma sonoridade mais suave e melodiosa ao trabalho. Zak Stevens, como de costuma, brilha nos vocais enquanto as guitarras aparecem bem, especialmente nos solos. Boa composição.
A letra revela consequências de uma nova vida:
Why does it always have to end?
I had all the perfect things
Never feels like things will change
All that's left are fears and shame
BURDEN OF TRUTH
"Burden of Truth" traz a maior faixa do disco homônimo, beirando os 7 minutos de duração. Em uma construção muito bonita, o grupo apresenta uma musicalidade Hard/Heavy em que alterna passagens intensas com suaves, mas sem perder o peso. Novamente, o Savatage volta à mente.
A letra questiona novos caminhos:
Find a new horizon
In the ways
That we have found
And we'll find
A better life
Like the times we had
LIVE AS ONE
A décima-primeira - e última - faixa de Burden of Truth é "Live as One". O álbum é encerrado com um Heavy Metal padrão, trazendo peso e melodia se complementando de modo harmônico e muito competente. Boa atuação de Stevens e ótimo solo de guitarra.
A letra revela um mundo que perdeu suas crenças:
How can we learn to live as one
How can we run from things we've done
Could we ever let it go
How can we learn to live as one
Is there nothing left to follow
Considerações Finais
Burden of Truth confirmou a boa qualidade do Circle II Circle como banda de Heavy Metal.
Embora seja um ótimo trabalho, acabou não repercutindo em termos das principais paradas de sucesso do mundo, ou seja, a norte-americana e a britânica.
A crítica especializada normalmente elogia o disco. O site AllMusic dá uma nota 3 (de 5) ao trabalho.
Scott Alisoglu, do site Blabbermouth, dá ao álbum uma nota 8,5 (de 10), afirmando: “Melodia é a chave e Stevens, juntamente aos guitarristas Andy Lee e Evan Christopher, o baixista Mitch Stewart e o baterista Tom Drennan entregam-na de uma maneira que permanece com você de música em música. É um álbum em que você pode escolher qualquer corte e delirar com os ascendentes vocais de Stevens e a performance sincera da banda”.
Por fim, Alisoglu define: “Além da queixa sobre a mixagem de som (...) não consigo achar nada errado com esse álbum. Burden of Truth merece ser ouvido por muito mais pessoas que provavelmente terão a chance de verificá-lo. É um dos melhores álbuns melódicos de hard rock/metal de 2006”.
Logo depois do lançamento do disco, tanto Zak Stevens quanto o Circle II Circle assinaram um acordo de gestão com a Intromental Management.
Delusions of Grandeur, quarto álbum de estúdio do grupo, foi lançado em agosto de 2008.
Formação:
Zak Stevens - Vocal
Paul Michael "Mitch" Stewart - Baixo, Teclados, Guitarras, Backing Vocals
Em 2006, Zak Stevens já era um nome conhecido e consagrado, ao menos entre o público fiel do Heavy Metal que acompanhava a lendária banda que o consagrou: o fantástico Savatage. Com ela, Stevens gravou discos muito bons como The Wake of Magellan, de 1997.
Após deixar o Savatage e constituir o Circle II Circle, Stevens ainda foi auxiliado por ex-companheiros de banda, Jon Oliva e Chris Caffery, em seus 2 primeiros discos no novo conjunto, Watching in Silence e The Middle of Nowhere.
Deste modo, Burden of Truth é o primeiro esforço de Stevens sem seus amigos do Savatage. E se pode afirmar que o Circle II Circle se saiu de modo excelente, superando expectativas.
O primeiro ponto é que Zak Stevens se cercou de um grupo bastante competente de músicos e quem ouve o disco percebe o ótimo trabalho tanto nas guitarras quanto na seção rítmica. Claro, Stevens tem uma atuação excelente e é o destaque individual do álbum.
O segundo ponto é que a sonoridade padrão escolhida é o Heavy Metal, o qual se apresenta moderno, mas com ótimos referenciais. Por vezes, a musicalidade flerta com o Hard Rock e até com o Metal Progressivo, mas a referência principal é, ainda, o próprio Savatage.
Para tornarem as coisas ainda mais difíceis, Stevens resolveu que Burden of Truth seria um álbum conceitual, baseado na obra Código da Vinci. Mas recomendamos que o leitor ouça o trabalho acompanhando as letras e perceba que os compositores conseguiram, de modo muito orgânico e eficiente, criarem o arcabouço temático entre as composições e o ligarem à instrumentalidade sonora da obra.
Sendo assim, Burden of Truth não possui canções de enchimento ou desnecessárias, constituindo-se em um álbum coeso e consideravelmente homogêneo.
O Heavy Metal clássico é reverenciado na ótima "A Matter of Time". Toques de 'Prog Metal' são palpáveis em "Evermore" enquanto "Your Reality" é intensa e tocante, ao mesmo tempo!
Mas o Circle II Circle caprichou no Hard/Heavy de "Heal You", na belíssima mistura de melodias da faixa-título, "Burden of Truth", e no peso absurdo de "The Black", possivelmente a preferida do RAC.
Concluindo, os méritos de Burden of Truth não estão em tentar construir nada novo ou ainda revolucionário, mas são facilmente encontrados na qualidade tanto de suas composições quanto na sua brilhante execução. O Circle II Circle bebeu em ótimas fontes, principalmente no sensacional Savatage (como não poderia deixar de ser) e trouxe, em Burden of Truth, um dos álbuns mais divertidos de Heavy Metal dos anos 2000, ao menos para o Blog. Altamente recomendado!
Satori
é o segundo álbum de estúdio da banda japonesa chamada Flower
Travellin’ Band. Seu lançamento oficial aconteceu em 5 de abril de
1971, com as gravações ocorrendo durante o ano anterior, 1970. A
produção ficou sob responsabilidade de Yuya Uchida e Ikuzo Orita e
os selos responsáveis foram o Atlantic Records e o GRT Records.
Satori é o segundo álbum de estúdio da banda japonesa chamada Flower Travellin’ Band. Seu lançamento oficial aconteceu em 5 de abril de 1971, com as gravações ocorrendo durante o ano anterior, 1970. A produção ficou sob responsabilidade de Yuya Uchida e Ikuzo Orita e os selos responsáveis foram o Atlantic Records e o GRT Records.
Não tão conhecida do público em geral, a Flower Travellin’ Band faz sua estreia aqui no RAC, com seu álbum mais emblemático. Brevemente, o Blog vai tratar sobre as origens do grupo para depois se abordar o disco, conforme a tradição.
Origens
A história da Flower Travellin’ Band está intrinsecamente ligada à figura de Yuya Uchida, um japonês que é cantor, produtor e ator.
Uchida abandonou o ensino médio aos 17 anos e começou sua carreira musical no ano de 1957. Ele se tornou amigo de John Lennon depois que se apresentou como ato de abertura para os Beatles, em sua turnê de 1966, no Japão.
Chocado após assistir a Jimi Hendrix e ao Cream tocarem em Londres, em 1967, Uchida voltou para seu país e quis apresentar um som semelhante ao Japão. Ele formou a Yuya Uchida & The Flowers, a qual lançou o álbum Challenge!, em 1969, que é composto quase inteiramente de covers de canções de rock psicodélico ocidental.
Challenge! apresentava versões para músicas de Jimi Hendrix, Cream, Jefferson Airplane e Big Brother and The Holding Company, além de uma música original. A capa causou uma reviravolta nos meios de comunicação japoneses, pois mostrava cada membro do grupo posando nu.
Em 1969, após o lançamento do álbum; a vocalista Remi Aso e o guitarrista Katsuhiko Kobayashi se mudaram para os Estados Unidos. Yuya dispensou todos os membros restantes, exceto o baterista George Wada, recrutando o guitarrista Hideki Ishima, o vocalista Joe Yamanaka e o baixista Jun Kobayashi.
A Flower Travellin’ Band
Deste modo, a Flower Travellin 'Band foi formada a partir de sua ‘mãe’, ou seja, a Yuya Uchida & The Flowers.
O grupo consistia do vocalista Joe Yamanaka, oriundo do grupo 4.9.1; do guitarrista Hideki Ishima, vindo do The Beavers; o baixista Jun Kobayashi, do conjunto TaxMan e o baterista George Wada remanescente da The Flowers.
No início, Yuya Uchida cantava os Backing Vocals, pandeiro e era MC; como membro convidado. Depois ele se dedicou a ser o produtor da banda. O Flower Travellin 'Band foi criado como uma banda que atrairia o público internacional.
A banda tocou no HEAD ROCK OF THE THIRD WORLD (evento de rock realizado no Auditório Kyoritsu Koudo, em Tóquio), também estrelado por Zuno Keisatsu, The Mops, The Golden Cups e muitos outros projetos. Este concerto foi a estreia oficial da banda como The Flower Travellin' Band.
O primeiro lançamento oficial do grupo foi como banda de apoio para o trompetista japonês de Jazz, Terumasa Hino, em seu single chamado “Clash/Doop”.
A Flower Travellin’ Band tocou no Minimal Sound Of Rider, durante a Exposição Mundial de Osaka. Foi neste evento que o conjunto fez amizade com o grupo canadense Lighthouse, o qual estava no Japão se apresentando no ‘Pavilhão do Canadá’, por conta da Exposição de Osaka.
Foi esta amizade com a Lighthouse que gerou a expedição da Flower Travellin’ Band para o Canadá.
Joe Yamanaka
Em outubro de 1970, a Flower Travellin’ Band decidiu se mudar para o Canadá. O grupo tocou no Concerto de Farewell, no Sankei Hall, em Otemachi, Tóquio. No dia 21 daquele mesmo mês, o conjunto lançou seu primeiro álbum de estúdio, Anywhere.
Anywhere
Como foi dito, em 21 de outubro de 1970, foi lançado o primeiro álbum da Flower Travellin’ Band, Anywhere.
O disco consistia, basicamente, nas versões para 4 músicas: “Louisiana Blues”, de Muddy Waters; “Black Sabbath”, do Black Sabbath; “House of the Rising Sun”, do Animals; e “21st Century Schizoid Man”, do King Crimson.
Além disto, a autoral “Anywhere” abria e fechava o álbum.
A musicalidade do disco oscilava entre a psicodelia, o peso do Heavy Metal e a ousadia do Rock Progressivo; ressaltando o caráter de improvisação musical presente na sonoridade do conjunto.
Viagem para Toronto
Durante o mês de novembro de 1970, Yuya Uchida viajou para Toronto, no Canadá, e também foi a Nova York, onde deu entrevistas. Uchida preparava alguma mudança do conjunto.
Em 5 de dezembro de 1970, a Flower Travellin’ Band viajava para Toronto, onde se encontrariam com os amigos do Lighthouse, especialmente o líder do grupo, Paul Hoffert, estabelecendo uma base na cidade.
A Flower Travellin' Band
A história de Satori
Como foi dito, na Expo '70, a banda de rock canadense Lighthouse viu a Flower Travellin' Band tocar, e, gostando do que viu, sugeriu que os japoneses fossem para o Canadá.
Percebendo a chance de popularidade internacional, o grupo rapidamente gravou Satori, para ter algo para levar ao Canadá consigo. (Nota do Blog: Satori é um termo japonês budista para iluminação. A palavra significa literalmente ‘compreensão’. É algumas vezes livremente tratada como sinônimo de Kensho, mas Kensho refere-se à primeira percepção da Natureza Búdica ou Verdadeira Natureza, algumas vezes conhecida como ‘acordar’. Diferentemente do kensho, que não é um estado permanente de iluminação mas uma visão clara da natureza última da existência, o satori refere-se a um estado de iluminação mais profundo e duradouro. É costume portanto utilizar-se a palavra satori, ao invés de kensho, quando referindo-se aos estados de iluminação do Buda e dos Patriarcas).
Cansada de se limitar a fazer versões, principalmente de bandas de blues/rock ocidentais, a Flower Travellin' Band queria criar seu próprio material. Os membros se reuniram e o guitarrista Hideki Ishima apresentou riffs enquanto todos tentavam novas ideias.
Ishima estava interessado em música indiana, então o aspecto oriental tornou-se parte do som da banda.
O vocalista Joe Yamanaka revelou que há relativamente poucas letras no álbum por conta do amor da banda por improvisação. Ele afirmou que, por causa de não se pode alterar a direção das músicas repentinamente com as letras, isto é plenamente possível com a instrumentação. Desta forma, Joe recuou conscientemente e confiou nos outros músicos.
Hideki Ishima
O álbum foi gravado em apenas dois dias; um dia de gravação e o outro para a mixagem.
A produção ficou por conta do produtor e idealizador do conjunto, Yuya Uchida, juntamente a Ikuzo Orita. A capa possui clara inspiração budista e é uma arte de Shinobu Ishimaru. A gravadora Atlantic Records foi a responsável por lançar o álbum originalmente no Japão.
Vamos às faixas:
SATORI PART I
A primeira canção do álbum apresenta uma atmosfera densa e sombria. A seção rítmica formada por Jun Kozuki e George Wada confere bastante peso, mas é a guitarra de Hideki Ishima que lidera a musicalidade. Os vocais de Joe Yamanaka também estão de acordo com o aspecto mais escurecido da sonoridade. Há muita influência de Black Sabbath em "Satori Part I".
A letra é em sentido de doação:
Under rough skies survey a day around
Charging through doors, going nowhere and everywhere
Just want to keep on moving and grooving
Sharing my trip with everything, with everything
Em conjunto com “Satori Part II”, foi lançada como single, pela Atlantic Records, no Canadá.
SATORI PART II
O riff principal de "Satori Part II" é incrível graças ao talento de Hideki Ishima. Ele possui uma clara influência da música asiática enquanto o peso da faixa anterior é consideravelmente abandonado, com a banda desenvolvendo um Rock com toque psicodélico, mas, como afirmado, inegável origem oriental e hindu. Brilhante!
A letra é um grito de libertação:
There is no up or down
Your truth is the only master
Death is made by the living
Pain is only intense to you
The sun shines every day
The sun shines every day
“Satori Part II” acabou se tornando um hit nas rádios de Toronto, atingindo a 8ª posição das paradas locais.
SATORI PART III
A instrumental "Satori Part III" possui um andamento mais arrastado em sua primeira metade e, embora o trabalho da seção rítmica seja excelente, a canção é dominada pelo guitarrista Hideki Ishima. Em uma espécie de Hard/Prog, a segunda metade da faixa ganha em intensidade e ritmo, mas mantendo o nível estratosférico da atuação de Ishima. Espetacular!
SATORI PART IV
"Satori Part IV" apresenta mais influências da cena sessentista, sendo uma canção com uma atmosfera menos densa em seus minutos iniciais, contando com a presença de uma gaita inspirada, em um toque Bluesy 'zeppeliniano'. Os vocais de Yamanaka são ótimos e o solo de guitarra de Ishima, na parte central da música, evoca o lendário Jimi Hendrix. Outra faixa magnífica.
Obs: não encontrei fonte com as letras.
SATORI PART V
Em "Satori Part V", o clima denso e mais sombrio retorna e os gritos angustiantes de Joe Yamanaka contribuem decisivamente para a noção de desespero. A instrumentalidade brinca com mudanças de dinâmica e andamento da faixa, em uma estrutura que remete ao Prog, mas sem perder o peso do Hard. Ishima é, novamente, brilhante!
Considerações Finais
Embora de uma qualidade extraordinária, Satori foi um completo fracasso comercial. Desta forma, acabou não repercutindo em termos das principais paradas de sucesso do mundo, a norte-americana (Billboard) e a britânica.
A GRT Records foi o selo responsável pelo lançamento do disco no Canadá e nos Estados Unidos. A versão americana é diferente da original japonesa, pois continha músicas do seu próximo álbum, Made in Japan, e a faixa bônus “Lullaby”. Além disso, foi produzido pelo amigo Paul Hoffert, da banda Lighthouse.
A versão japonesa original foi reeditada em CD pela Warner Music, em 1988. Um relançamento, em 1991, continha a faixa bônus “Map”, a qual foi composta por Kuni Kawachi, originalmente presente em seu álbum Kirikyogen, que apresentava a participação de Joe Yamanaka e de Hideki Ishima, sob o nome ‘Works Composed Mainly By Humans’. Esta versão da música foi lançada, anteriormente, como single pela Flower Travellin' Band.
O álbum foi remasterizado digitalmente, em 1998. Em 2009, foi remasterizado uma outra vez, agora no novo formato SHM-CD.
Embora tenha fracassado em termos comerciais, atualmente, Satori possui um status cult, com a crítica reconhecendo seu valor.
Em setembro de 2007, a revista Rolling Stone Japan avaliou Satori como o 71º colocado de sua lista dos ‘100 melhores álbuns de rock japonês de todos os tempos’.
David Fricke, da versão norte-americana da revista Rolling Stone, declarou que Satori é seu ‘álbum de rock japonês favorito de todos os tempos’.
Hernan M. Campbell, do site Sputnikmusic, afirma que Satori, com seus traços de Heavy Metal, Rock Progressivo e Psicodelia, captura “o eclecticismo da cena do rock dos anos 70 e todas as diferentes filosofias que evoluíram constantemente em gêneros totalmente reconhecidos”.
Dando ao álbum uma classificação de 4.8 em 5, Campbell também sintetiza, assim como o trabalho anterior de Ishima e Yamanaka, no álbum de Kuni Kawachi, Kirikyogen, “o som formidável e ominoso que se tornaria a essência do doom metal”.
Thom Jurek, do site Allmusic, deu ao álbum a nota 4,5 de 5, e fez a escolha dele como o melhor disco da banda, chamando-o de “um verdadeiro clássico”. Jurek o sintetiza perfeitamente, afirmando: “Satori é uma jornada para o centro de algum lugar que parece familiar, mas que nunca antes foi visitado”.
Ainda em 1971, a Flower Travellin' Band atuou como banda de abertura para a ‘The Lighthouse World Tour’, do grupo canadense Lighthouse, que começou a partir do Ontario Place, em Toronto.
O grupo foi amplamente bem-aceito em muitos lugares e recebeu críticas criativas em muitos jornais locais. Durante esta turnê, a Flower Travelin’ Band tocou com Emerson, Lake & Palmer, Blues Project, Chase e muitos outros conjuntos importantes.
Enquanto ainda estavam em Toronto, a banda gravou seu terceiro álbum de estúdio, Made in Japan, e que seria lançado em fevereiro de 1972.
Formação:
Joe Yamanaka - Vocal
Hideki Ishima - Guitarra
Jun Kozuki - Baixo
George Wada - Bateria
Faixas:
01. Satori Part I (Yamanaka/Ishima/Kozuki/Wada) - 5:25
02. Satori Part II (Yamanaka/Ishima/Kozuki/Wada) - 7:06
03. Satori Part III (Yamanaka/Ishima/Kozuki/Wada) - 10:44
04. Satori Part IV (Yamanaka/Ishima/Kozuki/Wada) - 11:01
05. Satori Part V (Yamanaka/Ishima/Kozuki/Wada) - 7:58
O público em geral dificilmente conhece e/ou já ouviu falar, mas, entre os aficionados em música setentista, este grupo é cultuado e uma referência: a Flower Travellin' Band.
Finalmente o RAC conseguiu trazer esta incrível banda para nossas páginas e com o que, pelo menos para quem faz o site, o seu melhor álbum: Satori.
Até mesmo como apontam as capas de seus outros discos, é muito perceptível, para os fãs mais atentos, como a Flower Travellin' Band era uma banda que apostava na ousadia. Não apenas no visual, marketing ou atitude, também em sua sonoridade.
Conjugando o que havia de melhor no Rock em seu tempo (e que época!) é bem fácil para ouvintes mais experientes perceberem a gama de ótimas influências que compunham o alicerce musical sobre o qual a Flower Travellin' Band construía sua sonoridade. Progressivo, Psicodélico, música Hindu/Oriental, Hard e até mesmo Heavy compunham sua musicalidade.
Isto somente é possível pelo fato dos músicos que compunham a banda serem bem acima da média. Joe Yamanaka é um bom vocalista enquanto Jun Kozuki e George Wada formavam uma seção rítmica de uma solidez impactante.
Mas, pelo menos para o RAC, o grande destaque é o guitarrista Hideki Ishima. Riffs impressionantes e solos estupendos colocam Ishima em um patamar muito elevado em termos de guitarristas.
Satori representa o ápice de tudo isto em conjunto. Embora esteja fisicamente dividido em 5 canções, o disco é muito melhor compreendido como uma estrutura única, uniforme e em constante mutação.
Enquanto a "Part I" remete diretamente ao incipiente Heavy Metal, em clara influência de Black Sabbath, "Part III" aponta referências de King Crimson, enquanto a "Part IV" apresenta que os caras beberam no Hard Bluesy de grupos como o Led Zeppelin.
Mas estas são as referências mais óbvias e fáceis de serem percebidas. Satori é bem mais que isso.
Seu arcabouço conceitual, construído envolto à ideia advinda da palavra Satori (iluminação), é plenamente desenvolvido com a perícia do grupo em construir ambientes e atmosferas diversas com sua musicalidade. Escuridão, angústia, diversão, enfim, traços que compõem a personalidade humana são apresentados no álbum, através das abordagens musicais de suas canções, refletidas naquilo que ouvinte percebe.
Enfim, Satori é um álbum magnífico de uma das bandas mais legais da virada entre as décadas de 60 e 70. A Flower Travellin' Band merece ser conhecida por todos os amantes da boa música. Satori é uma obra-prima que deve ser ouvida constante e incansavelmente.
Fontes: texto com informações preciosas encontradas no ótimo site Collectors Room
The
Man Who Sold the World é o terceiro álbum de estúdio do músico
britânico chamado David Bowie. Seu lançamento oficial aconteceu em
4 de novembro de 1970, através do selo Mercury Records. As gravações
ocorreram entre os dias 18 de abril e 22 de maio daquele mesmo ano. A
produção ficou a cargo de Tony Visconti.
The Man Who Sold the World é o terceiro álbum de estúdio do músico britânico chamado David Bowie. Seu lançamento oficial aconteceu em 4 de novembro de 1970, através do selo Mercury Records. As gravações ocorreram entre os dias 18 de abril e 22 de maio daquele mesmo ano. A produção ficou a cargo de Tony Visconti.
Enfim chegou o momento em que um dos maiores artistas do século passado dará às caras no RAC: David Bowie. Conforme a tradição, resumidamente se falará das origens do músico para depois se ater ao álbum propriamente dito.
Primeiros passos
David Robert Jones nasceu em 8 de janeiro de 1947, em Brixton, no sul de Londres, na Inglaterra. Sua mãe, Margaret, tinha ascendência irlandesa e trabalhava como garçonete enquanto seu pai, Haywood, de Yorkshire, era um oficial de promoções da instituição de caridade infantil Barnardo. (Nota do Blog: a Barnardo's é uma instituição de caridade britânica, fundada por Thomas John Barnardo, em 1866, para cuidar de crianças e jovens em estado de vulnerabilidade).
Bowie frequentou a Stockwell Infants School até os seis anos de idade, adquirindo uma reputação como uma criança talentosa e solitária - e um lutador desafiante.
Em 1953, Bowie mudou-se com sua família para o subúrbio de Bromley, onde, dois anos depois, ele começou a frequentar a Burnt Ash Junior School. Sua voz foi considerada ‘adequada’ pelo coral da escola e ele demonstrou habilidades acima da média ao tocar flauta.
Com a idade de nove anos, sua habilidade na dança, durante as novas aulas de música e movimento, foi considerada impressionantemente imaginativa: os professores chamaram suas interpretações de ‘vividamente artísticas’ e seu equilíbrio de ‘surpreendente’, ambos, para uma criança.
No mesmo ano, seu interesse pela música foi ainda estimulado quando seu pai trouxe para casa uma coleção de vinis americanos de artistas que incluíam nomes como Teenagers, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley e Little Richard. Ao ouvir a música “Tutti Frutti”, de Little Richard, Bowie diria anos mais tarde: “Eu havia ouvido Deus”. (Nota do Blog: Richard Wayne Penniman, conhecido como Little Richard, é um músico, cantor, ator, comediante e compositor norte-americano cujos trabalhos mais célebres são originários de meados da década de 1950, quando sua música dinâmica e sua aparição carismática lançaram as bases para o rock and roll).
Também Elvis Presley teve uma grande influência sobre o jovem Bowie, incentivando-o a praticar instrumentos como o ukulele, uma espécie de violão havaiano e o washtub bass. (Nota do Blog: O washtub bass, ou gutbucket, é um instrumento de corda usado na música folclórica americana que usa uma banheira de metal como um ressonador).
Bowie estudou arte, música e design, incluindo layout e composição. Depois que Terry Burns, seu meio-irmão, apresentou-o ao jazz moderno, seu entusiasmo por músicos excepcionais como Charles Mingus e John Coltrane levou sua mãe a lhe dar um saxofone Grafton em 1961; e ele logo estava recebendo lições de um músico local.
Bowie teve uma séria lesão na escola, em 1962, quando seu amigo George Underwood perfurou seu olho esquerdo durante uma briga por causa de uma garota. Após uma série de operações, durante uma hospitalização de quatro meses, seus médicos determinaram que o dano não poderia ser completamente reparado e Bowie ficou com a percepção de profundidade defeituosa e a pupila permanentemente dilatada, o que deu uma falsa impressão da mudança na cor de sua íris.
David Bowie
Apesar da briga, Underwood e Bowie permaneceram bons amigos, e Underwood passou a criar a obra da capa para os primeiros álbuns de David.
Início da carreira musical
Em 1962, Bowie formou sua primeira banda, com 15 anos. Tocando rock baseado em guitarras, em encontros e casamentos locais para jovens, os the Konrads apresentava uma formação que variava entre quatro e oito membros, com Underwood entre eles.
Quando Bowie deixou a escola técnica, no ano seguinte, ele informou a seus pais sobre sua intenção de se tornar uma estrela pop. Sua mãe prontamente conseguiu-o um emprego como assistente de eletricista.
Frustrado por conta das limitadas aspirações de seus companheiros de banda, Bowie deixou o Konrads e se juntou a outro grupo, o King Bees. Ele escreveu para o recém bem-sucedido empresário, John Bloom, convidando-o a “fazer por nós o que Brian Epstein fez pelos Beatles - e conseguir outro milhão”.
Bloom não respondeu à oferta, mas fez referência a um parceiro de Dick James, chamado Leslie Conn, originando o primeiro contrato de gestão pessoal de Bowie. (Nota do Blog: Dick James, nascido Leon Isaac Vapnick, em Londres, foi um editor e cantor musical britânico e, juntamente com seu filho Stephen, fundou o selo e os estúdios de gravação DJM, bem como (com Brian Epstein) a editora dos Beatles, Northern Songs).
Single e mais mudanças
Leslie Conn rapidamente começou a promover Bowie. O single de estreia do cantor, “Liza Jane”, creditado a Davie Jones e ao King Bees, não teve sucesso comercial.
Insatisfeitos com o King Bees e seu repertório que incluíam covers de clássicos do blues de Howlin’ Wolf e Willie Dixon, Bowie desistiu da banda para menos de um mês depois se juntar ao Manish Boys, outro conjunto de blues, mas que incorporava elementos de folk e soul - “Eu sonhava em ser seu Mick Jagger”, Bowie recordava.
Seu cover para “I Pity the Fool”, de Bobby Bland, não obteve mais sucesso que “Liza Jane”, e Bowie logo se juntou ao Lower Third, um trio de blues fortemente influenciado pelo The Who. O single “You've Got a Habit of Leaving” não teve desempenho melhor, sinalizando o fim do contrato com Leslie Conn.
Brevemente, Bowie se manteve com o Lower Third. Seu novo manager, Ralph Horton, o qual mais tarde seria importante em sua transição para artista solo, logo testemunhou a mudança de Bowie para outro grupo, o Buzz, o qual propiciou o quinto lançamento sem sucesso do cantor, “Do Anything You Say”.
Mesmo com o Buzz, Bowie também se juntou ao Riot Squad; cujas gravações incluíam uma canção de David e material cover do Velvet Underground, mas não foram lançadas. Ken Pitt, apresentado por Horton, assumiu o cargo de manager de Bowie.
Mudança de nome artístico e primeiro álbum
Insatisfeito com seu nome artístico como Davy (e Davie) Jones, que em meados da década de 1960 foi confundido com Davy Jones, dos Monkees, Bowie se renomeou inspirado no pioneiro americano do século XIX James Bowie. (Nota do Blog: James ‘Jim’ Bowie foi um pioneiro americano do século XIX, que desempenhou um papel proeminente na Revolução do Texas, culminando em sua morte na Batalha do Álamo. Suas histórias como um lutador e homem da fronteira, tanto reais quanto fictícias, fizeram dele uma figura lendária na história do Texas e um herói popular da cultura americana).
David Bowie, em 1970
Seu single como artista solo, lançado em abril de 1967, “The Laughing Gnome”, não repercutiu em termos de paradas de sucesso. Apenas seis semanas depois, houve o lançamento de seu álbum de estreia, David Bowie, uma mistura de pop, psicodelia e music hall, mas que encontrou o mesmo destino. Foi seu último lançamento por cerca dois anos.
Space Oddity
Bowie conheceu a dançarina Lindsay Kemp, em 1967, e se matriculou em sua aula de dança, no London Dance Center. Ele comentou, em 1972, que a reunião com Kemp aconteceu quando seu interesse pela imagem “realmente floresceu”.
“Over the Wall We Go” tornou-se um single, em 1967, entrando para a disputa do Oscar; outra composição de Bowie, “Silly Boy Blue”, foi lançada por Billy Fury no ano seguinte.
Em janeiro de 1968, Kemp coreografou uma cena de dança para uma peça da BBC, The Pistol Shot, na série Theatre 625, e usou Bowie com uma dançarina, Hermione Farthingale; o casal começou a namorar e se mudou para um apartamento em Londres.
Ao tocar guitarra acústica, Farthingale formou um grupo com Bowie e o guitarrista John Hutchinson; entre setembro de 1968 e início de 1969, o trio fez um pequeno número de concertos que combinavam folk, merseybeat, poesia e mímica.
Bowie e Farthingale romperam no início de 1969, quando ela foi para a Noruega para participar de um filme, Song of Norway; isso o afetou e várias canções, como “Letter to Hermione” e “Life on Mars?” fazem referência a ela. Para o vídeo que acompanha “Where Are We Now?”, ele usou uma camiseta com as palavras “m/s Song of Norway”. Eles ficaram juntos pela última vez em janeiro de 1969, na filmagem de Love You till Tuesday, um filme de 30 minutos que não foi lançado até 1984.
Após a ruptura com Farthingale, Bowie se mudou, com Mary Finnigan, como seu inquilino. Durante este período, ele apareceu em um comercial dos sorvetes Lyons Maid e foi rejeitado para outro do Kit Kat.
Entre fevereiro e março de 1969, ele realizou uma breve turnê com a dupla de Marc Bolan, Tyrannosaurus Rex, realizando um ato de mímica. Em 11 de julho de 1969, “Space Oddity” foi lançado, cinco dias antes do lançamento da Apollo 11 e alcançou o Top 5 no Reino Unido.
Continuando com a divergência entre rock and roll e blues, iniciados por seu trabalho com Farthingale, Bowie juntou forças com Finnigan, Christina Ostrom e Barrie Jackson para se apresentar em um clube popular nas noites de domingo, no pub Three Tuns, em Beckenham High Street.
O popular movimento Arts Lab, o qual influenciou Bowie, organizou um festival gratuito, em um parque local, e tornou-se o tema de sua música “Memory of a Free Festival”.
O segundo álbum de Bowie saiu em novembro; originalmente emitido no Reino Unido com o nome David Bowie, causando alguma confusão com seu antecessor de mesmo nome, e o lançamento nos EUA foi intitulado, inicialmente, Man of Words/Man of Music.
O disco foi reeditado, internacionalmente, em 1972, pela RCA Records, com o nome de Space Oddity. Apresentando letras filosóficas pós-hippie sobre paz, amor e moralidade, tinha uma sonoridade apostando em um rock acústico popular, ocasionalmente fortificado pelo Hard Rock, e o álbum não foi um sucesso comercial no momento de seu lançamento.
Já em 1972, atingiria a 17ª posição da principal parada britânica. A faixa “Space Oddity” se tornaria um clássico da carreira do músico.
Bowie conheceu Angela Barnett, em abril de 1969. Eles se casaram dentro de um ano. Seu impacto sobre ele foi imediato e seu envolvimento em sua carreira de longo alcance, deixando o manager de Bowie, Ken Pitt, com influência limitada – e que ele acharia frustrante.
Tendo se estabelecido como um artista solo em Space Oddity, Bowie começou a sentir falta de uma banda em tempo integral, para shows e gravações - pessoas com as quais ele poderia se relacionar pessoalmente.
Uma banda foi devidamente reunida: John Cambridge, um baterista que Bowie conheceu no Arts Lab, juntou-se a Tony Visconti no baixo e Mick Ronson na guitarra. Conhecido como the Hype, os colegas de grupo criaram personagens para si próprios e usaram trajes elaborados, que prefiguravam o estilo glam dos Spiders from Mars.
Depois de um desastroso show de abertura. no London Roundhouse, eles voltaram a uma configuração apresentando Bowie como artista solo.
O trabalho inicial, no estúdio, foi prejudicado por um acalorado desacordo entre Bowie e Cambridge, por conta do estilo de bateria do último. Tudo veio à tona quando um furioso Bowie acusou o baterista de distúrbio, exclamando: “Você está fodendo meu álbum”.
Bowie com Mick Ronson
Cambridge saiu sumariamente e foi substituído por Mick Woodmansey. Pouco tempo depois, o cantor demitiu seu manager e o substituiu por Tony Defries. Isso resultou em anos de litígio que se concluíram com Bowie tendo que pagar uma compensação a Pitt.
The Man Who Sold the World
Então, se deu o tempo de preparar seu terceiro disco de estúdio, o que se tornaria The Man Who Sold the World.
O álbum foi composto e ensaiado na casa de David Bowie em Haddon Hall, Beckenham, uma mansão eduardiana convertida em um bloco de apartamentos a qual foi descrita, por um visitante, como tendo um ambiente ‘como a sala de estar de Dracula’.
Como Bowie estava preocupado com sua nova esposa na época, Angie, as músicas foram organizadas, em grande parte, pelo guitarrista Mick Ronson e pelo baixista/produtor Tony Visconti.
Embora Bowie seja oficialmente creditado como compositor de toda a música no álbum, o biógrafo Peter Doggett citou Visconti afirmando que “as músicas foram escritas por todos nós (quatro). Nós ficamos no porão, e Bowie simplesmente dizia se gostava ou não”.
Na narrativa de Doggett, “A banda (às vezes com guitarra contributiva de Bowie, às vezes não) gravava uma faixa instrumental, que poderia ou não se basear em uma idéia original de Bowie. Então, no último momento possível, Bowie, relutantemente, desceu do sofá em que ele estava se debruçando com sua esposa e lançou um conjunto de letras”.
Apesar do aborrecimento com a fixação de Bowie na vida conjugal, durante a gravação de The Man Who Sold World, Visconti ainda o avaliou como o melhor trabalho com Bowie até Scary Monsters (And Super Creeps), de 1980.
O próprio Bowie comentou, em uma entrevista de 1998, dizendo que “eu realmente me opus à impressão de que não escrevi as músicas em The Man Who Sold the World. Você só precisa verificar as mudanças de acordes. Ninguém escreve mudanças de acordes como aquelas”.
“The Width of a Circle” e “The Supermen”, por exemplo, já existiam antes das sessões terem começado. Ralph Mace tocou um sintetizador modular Moog, emprestado por George Harrison; Mace era um pianista de concertos, de 40 anos, e também era chefe do departamento de música clássica da Mercury Records.
Composição
Muito de The Man Who Sold the World possui uma abordagem Heavy Metal, que o distingue de outros lançamentos de Bowie e foi comparado a atos contemporâneos como Led Zeppelin e Black Sabbath.
O disco também proporcionou alguns desvios musicais incomuns, como o uso de ritmos latinos para manter a melodia na faixa-título.
O peso sonoro do álbum foi combinado com a temática, que inclui insanidade (“All the Madmen”), assassinos e comentários sobre a Guerra do Vietnã (“Running Gun Blues”), um computador onisciente (“Saviour Machine”), e, em “The Width of a Circle”, um encontro sexual - com Deus, o Diabo ou algum outro ser sobrenatural, de acordo com diferentes interpretações - nas profundezas do inferno.
O trabalho também foi visto como refletindo a influência de figuras como Aleister Crowley, Franz Kafka e Friedrich Nietzsche.
Capa
A versão original norte-americana de The Man Who Sold the World, de 1970, usou um desenho semelhante ao de uma obra do amigo de Bowie, Michael J. Weller, com um cowboy na frente do asilo mental de Cane Hill. Weller, cujo amigo era um paciente lá, sugeriu a ideia depois que Bowie pediu que ele criasse um projeto que capturasse o tom de pressentimento da música.
Com base em estilos de arte pop, Weller retratou um bloco de entrada principal triste para o hospital com uma torre de relógio danificada. Para o primeiro plano do projeto, ele usou uma fotografia de John Wayne (para desenhar uma figura de cowboy vestindo um chapéu de dez galões e um rifle), e que foi uma alusão à música “Running Gun Blues”. (Nota do Blog: John Wayne, nome artístico de Marion Robert Morrison, foi um premiado ator dos Estados Unidos).
Bowie sugeriu a Weller que incorporasse a assinatura da ‘cabeça explosiva’ no chapéu do vaqueiro, uma característica que ele usara anteriormente em seus pôsteres enquanto fez parte do Arts Lab.
Ele também adicionou um balão de discurso vazio, para a figura do vaqueiro, que pretendia ter a mensagem “enrolar as mangas e nos mostrar seus braços” (em inglês: roll up your sleeves and show us your arms) - um trocadilho para jogadores, armas e uso de drogas - mas a Mercury Records a vetou e o balão foi deixado em branco.
De acordo com o biógrafo de Bowie, Nicholas Pegg, “neste momento, a intenção de David era nomear o álbum de Metrobolist, uma brincadeira com Metropolis, de Fritz Lang: o título permanecera nas caixas das fitas mesmo depois que a Mercury havia lançado o LP, na América, como The Man Who Sold the World. (Nota do Blog:Metropolis é um filme expressionista alemão, de 1927, com temática de ficção científica e dirigido por Fritz Lang).
A capa original de The Man Who Sold the World
Bowie ficou entusiasmado com o projeto acabado, mas logo reconsiderou a ideia e foi ao departamento de arte da Philips Records, uma subsidiária da Mercury, recrutando o fotógrafo Keith MacMillan para fazer uma capa alternativa.
Uma foto foi tirada em um ‘ambiente doméstico’, da sala de estar do Haddon Hall, onde Bowie reclinou-se em uma espreguiçadeira em um ‘vestido de homem’, de cetim, nas cores creme e azul, uma clara indicação inicial de seu interesse em explorar sua aparência andrógina. O vestido foi projetado pelo estilista britânico Michael Fish.
Nos Estados Unidos, a gravadora Mercury rejeitou a foto de MacMillan e lançou o álbum com o design de Weller como capa, para o desagrado de Bowie, embora ele tenha pressionado o selo para usar a foto no lançamento do disco no Reino Unido.
Em 1972, David afirmou que o design de Weller era ‘horrível’, mas o reapreciou em 1999, dizendo que “na verdade, acho que a capa dos desenhos animados era realmente legal”.
Ao promover The Man Who Sold the World, nos EUA, Bowie vestiu o vestido de Fish, em fevereiro de 1971, em sua primeira turnê promocional e durante entrevistas, apesar do fato dos americanos não terem conhecimento da nova capa, ainda não liberada no Reino Unido.
A versão alemã, de 1971, apresentou a capa com uma criatura alada. Híbrida, com a cabeça de Bowie e uma mão saindo do corpo, preparando-se para afastar a Terra.
A reedição do álbum, de 1972, lançada em todo o mundo pela RCA Records, usou uma imagem em preto e branco de Ziggy Stardust (personagem que Bowie criaria depois) na capa. Esta imagem permaneceu como a arte de capa, em reedições, até 1990, quando o relançamento pelo selo Rykodisc reintegrou a capa britânica do ‘vestido’.
Vamos às faixas:
THE WIDTH OF A CIRCLE
O álbum abre com uma bela canção, "The Width of a Circle", a qual permite a junção de melodias suaves e belas com uma dose considerável de peso, alternando agressividade com passagens mais intimistas. O trabalho do baixista Tony Visconti é excelente, bem como o do guitarrista Mick Ronson. Faixa incrível!
A letra refere-se a um encontro sexual com um deus/demônio nos confins do inferno:
His nebulous body swayed above
His tongue swollen with devil's love
The snake and I, a venom high
I said "Do it again, do it again"
(Turn around, go back!)
“The Width of a Circle” foi composta, por Bowie, em 1969 e já havia aparecido em diversos shows antes mesmo do lançamento de The Man Who Sold the World.
Ela está presente em diversos lançamentos ao vivo do cantor, muitas vezes em versões estendidas, como nas presentes em Live Santa Monica '72, de 1972; e em Ziggy Stardust – The Motion Picture, de 1983, por exemplo.
ALL THE MADMEN
A bela "All the Madmen" se inicia de modo suave, com um toque leve e uma interpretação mais contida de Bowie. Mas, logo na sequência, a música vai ganhando peso e a guitarra de Mick Ronson assume o protagonismo. Louvável a atuação do baterista Mick Woodmansey. Trata-se de um Hard Rock com pequenos toques Progressivos, como o Moog bem evidente. Outra baita canção!
A letra remete à insanidade:
Here I stand, foot in hand, talking to my wall
I'm not quite right at all
Don't set me free, I'm as helpless as can be
My libido's split on me
Gimme some good 'ole lobotomy
Bowie afirmou que a música foi escrita para e sobre seu meio-irmão, Terry, um esquizofrênico e interno da instituição mental de Cane Hill até seu suicídio, em 1985.
As letras incluem referências à lobotomia, ao tranquilizante Librium e a EST, ou terapia de eletrochoque, um tratamento controverso para alguns tipos de depressão profunda e doenças mentais.
“All the Madmen” foi lançada, pela Mercury Records, sob a forma editada como um single promocional (com a mesma música em ambos os lados), nos Estados Unidos, em dezembro de 1970, antes mesmo da turnê promocional de Bowie, por lá, no início de 1971.
Em junho de 1973, a RCA Records, a qual reeditou o álbum original da música no ano anterior, emitiu “All the Madmen” como single, na Europa Oriental, apoiado por “Soul Love”, esta presente no clássico The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.
Bowie tocou a música, ao vivo, na turnê de Glass Spider, de 1987, embora não tenha sido incluída no lançamento do vídeo com estes shows até a Special Edition, em DVD, em 2007 (no qual foi lançada apenas como uma faixa de áudio).
Juntamente a “After All”, do mesmo álbum, “All the Madmen” foi citada como uma influência significativa em bandas como Siouxsie and the Banshees, The Cure e Nine Inch Nails.
Em 2015, a edição do single promocional da música foi oficialmente lançado pela primeira vez, em Re: Call 1, parte da compilação Five Years (1969-1973).
Entre as versões covers mais conhecidas estão as de Alien Sex Friend, Jeannie Lewis e Max Lorentz.
BLACK COUNTRY ROCK
Embora as guitarras continuem afiadas, o clássico "Black Country Rock" é um pouco menos densa que as composições que a precedem. Um rock com DNA setentista, guitarra proeminente, pegada Glam, ou seja, certo peso, muita melodia e uma dose inconteste de balanço. Genial!
A letra possui uma visão otimista:
Some say the view is crazy
But you may adopt another point of view
So if it's much too hazy
You can leave my friend and me with fond adieu
“Black Country Rock” é normalmente descrita como um “respiro” ao peso, musical e temático, do restante do álbum. Seu estilo foi comparado ao da banda Tyrannosaurus Rex, de Marc Bolan, até o vibrato imitativo de Bowie no verso final.
“Black Country Rock” aparece como lado B do single “Holy Holy”, de 1971, e do single português de “Life on Mars?”, de 1973.
Entre as versões covers mais famosas está a da banda punk Big Drill Car.
AFTER ALL
"After All" possui um ar mais sombrio e uma perspectiva mais escurecida. Os vocais mais contidos de Bowie são perfeitos para a abordagem instrumental proposta, também pouco expansiva e mais sóbria. A atmosfera mais enigmática é inquietante.
A letra revela um pensamento determinista sobre a humanidade:
We're painting our faces
And dressing in thoughts from the skies
From paradise
But they think that we're holding a secretive ball
Won't someone invite them
They're just taller children, that's all, after all
Como muito de The Man Who Sold the World, as letras de “After All” são imbuídas de filosofia de Nietzschian Übermensch (“O homem é um obstáculo, triste como o palhaço”).
O verso “Viver até o seu renascimento e fazer o que quiser” é frequentemente citada como homenagem ao ocultista Aleister Crowley e seu ditum: “Faça o que quiser”.
O estilo foi inspirado pela ‘ligeiramente sinistra, melancolia medida’ de músicas que Bowie recordava desde sua infância, como “Inchworm”, de Danny Kaye.
Tal como acontece com “All the Madmen”, a atmosfera gótica de “After All” foi citada como uma influência significativa em bandas como Siouxsie and the Banshees, The Cure e Bauhaus.
Entre versões covers famosas estão a de Tori Amos e Billie Ray Martin.
RUNNING GUN BLUES
Em "Running Gun Blues", Bowie apresenta uma proposta sonora mais convencional, contando com um Hard/Blues Rock calcado no baixo onipresente de Tony Visconti e na guitarra dominante de Mick Ronson. O resultado é contagiante.
A letra tem uma mensagem de dor e guerra:
It seems the peacefuls stopped the war
Left generals squashed and stifled
But I'll slip out again tonight
Cause they haven't taken back my rifle
For I promote oblivion
And I'll plug a few civilians
SAVIOUR MACHINE
Com a seção rítmica bastante presente e oferecendo um peso extra, "Saviour Machine" possui uma abordagem Heavy/Hard bem acentuada. Os vocais de Bowie são ótimos e o Moog também aparece com destaque. Ótima música.
A letra possui uma crítica à fé:
Don't let me stay, don't let me stay
My logic says burn so send me away
Your minds are too green, I despise all I've seen
You can't stake your lives on a Saviour Machine
SHE SHOOK ME COLD
O peso de "She Shook Me Cold" assombra ouvintes mais desavisados, com a canção remetendo a bandas "Proto Metal", como o Blue Cheer, por exemplo. O trabalho das guitarras é impressionante e a seção rítmica enfurecida dá uma agressividade extra à composição.
A letra tem teor sexual:
I was very smart
Broke the gentle hearts
Of many young virgins
I was quick on the ball
Left them so lonely
They'd just give up trying
O título prévio da faixa era ‘Suck’.
“She Shook Me Cold” possui um nome com semelhança à música de Muddy Waters, “You Shook Me”, a qual foi gravada por Jeff Beck para o então recente álbum Truth.
As letras são sobre um encontro heterossexual com referências a sexo oral. Versões covers foram feitas por bandas como Skin Yard e Pain Teens.
THE MAN WHO SOLD THE WORLD
Só o riff espetacular de "The Man Who Sold the World" já valeria todo o disco, mas a clássica composição de Bowie é muito mais que isso. A atuação brilhante de David nos vocais e de Visconti no baixo são incríveis. Enfim, palavras são desnecessárias. Clássico genial!
A letra pode ser interpretada como existencialista:
I laughed and shook his hand
And made my way back home
I searched for form and land
For years and years I roamed
I gazed a gazeless stare
At all the millions here
We must have died alone
A long long time ago
“The Man Who Sold the World” é um clássico da carreira de David Bowie.
A persona na música tem um encontro com um tipo de doppelgänger, como sugerido no segundo refrão onde “Eu nunca perdi o controle” é substituído por “Nós nunca perdemos o controle”. Além disso, o episódio é inexplicável, como escreveu James E. Perone:
“Bowie encontra o personagem do título, mas não está claro exatamente o que a frase significa, ou exatamente quem é esse homem... O principal que a música faz é pintar - por mais elucidamente que seja - o personagem do título como outro exemplo dos marginalizados da sociedade, que povoam o álbum”.
Em comum com uma série de outras faixas do disco, os temas da música foram comparados às obras de fantasia e horror de H. P. Lovecraft.
As letras também são citadas como refletindo as preocupações de Bowie com personalidades fragmentadas ou múltiplas, e acredita-se que tenham sido parcialmente inspiradas pelo poema “Antigonish”, de William Hughes Mearns.
Entre as versões mais famosas estão a que o Nirvana fez para o seu aclamado show acústico.
THE SUPERMEN
A nona - e última - faixa de The Man Who Sold the World é "The Supermen". Na derradeira canção do disco, Bowie opta por uma abordagem mais tradicional presente no trabalho, ou seja, um Rock/Hard dominado pela guitarra de Mick Ronson. Bons vocais, seção rítmica inspirada e a guitarra afiada perfazem uma grande música!
A letra critica falsos deuses:
Far out in the red-skies
Far out from the sad eyes
Strange, mad celebration
So softly a supergod cries
A música foi citada como refletindo a influência do romantismo alemão, seu tema e letras referentes às visões apocalípticas de Friedrich Nietzsche.
Bowie disse mais tarde: “Eu ainda estava passando pela coisa quando eu estava fingindo que eu entendi Nietzsche... E eu tentei traduzi-lo em meus próprios termos para entender isso", então Supermen “saiu disso”.
Críticos também viram a influência das histórias de HP Lovecraft em “deuses idosos dormentes”.
De acordo com o próprio Bowie, Jimmy Page lhe deu o riff de guitarra quando este foi guitarrista de estúdio da banda Shel Talmy, em meados da década de 1960, e tocou em um dos primeiros lançamentos de Bowie, “I Pity the Fool”.
O riff foi usado, mais tarde, em outra música de Bowie, “Dead Man Walking”, do álbum Earthling, em 1997.
Uma versão alternativa da música foi gravada em 12 de novembro de 1971, durante as sessões para The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Ela apareceu, pela primeira vez, no álbum Revelations - A Musical Anthology for Glastonbury Fayre, em julho de 1972, compilado pelos organizadores do Glastonbury Festival, no qual Bowie tocou em 1971.
Mais tarde, ela foi lançada como uma faixa bônus, no CD e fita cassete, na reedição de Hunky Dory, em 1990, e novamente no disco bônus Ziggy Stardust - 30th Anniversary Reissue, em 2002.
Versões covers incluem nomes como Aquaserge e Death Grips.
Considerações Finais
The Man Who Sold the World tinha excelentes canções e manteve a carreira de David Bowie em uma curva ascendente.
The Man Who Sold the World geralmente foi mais bem-sucedido, comercial e criticamente, nos EUA que no Reino Unido, quando foi lançado pela primeira vez.
As publicações musicais Melody Maker e NME classificaram-no como “surpreendentemente excelente” e “bastante histérico”, respectivamente. John Mendelsohn, da Rolling Stone, chamou o álbum de “uniformemente excelente” e comentou que o “uso do eco, o phasing e outras técnicas na voz de Bowie, (...) serviram para reforçar a irritação das palavras e da música de Bowie”, que John interpretou como “imagens oblíquas e fragmentadas que são quase impenetráveis separadamente, mas que transmitem com eficácia um sentido irônico e amargo do mundo quando considerado em conjunto”.
As vendas não foram altas o suficiente para abalarem as paradas de sucesso em qualquer país, na época, no entanto, o álbum atingiu a ótima 24ª posição da principal parada britânica, enquanto alcançou apenas a modesta 105ª colocação de sua correspondente norte-americana, mas, ambas, apenas após o seu relançamento, em 25 de novembro de 1972, na sequência do avanço comercial de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.
The Man Who Sold the World já foi citado como inspirador do rock gótico, da onda sombria e elementos de ficção científica no trabalho de artistas como Siouxsie and the Banshees, The Cure, Gary Numan, John Foxx e Nine Inch Nails.
Em seu diário, Kurt Cobain, do Nirvana, listou-o no 45º lugar de seus 50 álbuns favoritos. Em 1993, o Nirvana tocou sua faixa-título para seu MTV Unplugged, televisionado de Nova York. Alega-se, inclusive, que o glam rock tenha começado com o lançamento deste disco, embora isso esteja longe da unanimidade.
Em uma revisão retrospectiva para o site AllMusic, o editor sênior, Stephen Thomas Erlewine, cita The Man Who Sold the World como “o início do período clássico de David Bowie” e elogiou sua “guitarra forte e pesada, que parece simples na superfície, mas aparece mais nodosa a cada audição”.
Erlewine deu uma nota 4,5 de um máximo de 5, vendo a música e os “contos futuristas paranoicos” de Bowie, como “bizarros”, acrescentando que “Musicalmente, não há muita inovação... é quase todo o hard/blues rock ou o folk rock psicodélico - mas há um limite inquietante para o desempenho da banda, que faz do álbum um dos melhores de Bowie”.
Em uma revisão após a reedição do álbum, a revista Q o considerou “um caso robusto e sexualmente carregado”, enquanto a Mojo o descreveu como “um conjunto robusto que gira com uma desorientação vertiginosa... O arsenal de Bowie estava sendo montado apressadamente, embora nunca fosse implementado com um novo e emocionante abandono novamente”.
Para promover o disco nos EUA, a Mercury Records financiou uma turnê de publicidade de costa a costa, por todo o país, através da qual Bowie, entre janeiro e fevereiro de 1971, foi entrevistado por estações de rádio e mídia.
Em dezembro de 1971, David Bowie lançaria seu quarto álbum de estúdio, o excelente Hunky Dory.
Formação:
David Bowie – Vocal, Guitarras, Stylophone, Órgão, Saxofone
Mick Ronson – Guitarras, Backing Vocals
Tony Visconti – Baixo, Piano, Violão, Flauta, Backing Vocals
Finalmente o RAC se rende e coloca em suas páginas um dos artistas mais incríveis do século XX e alguém para o qual a palavra gênio definitivamente não é exagero: David Bowie.
Bowie teve uma carreira longa e prolífica, variando e experimentando várias vertentes musicais, quase sempre com a mesma competência e genialidade, seja em sua consagrada carreira-solo quanto em suas parcerias e participações com outros artistas. Conhecer a obra de David Bowie é uma obrigação para os amantes da boa música.
Evidentemente, como o nome de nosso humilde Blog sugere, a preferência por aqui é por seus primeiros trabalhos, mais voltados para o Rock, embora, ressalte-se mais uma vez, sugere-se que o leitor procure toda a carreira do saudoso músico.
Em The Man Who Sold the World, David Bowie faz um disco de Rock, mas com um pé fincado no Hard Rock. Além disto, os ouvintes mais atentos percebem sua genialidade ao encontrarem passagens Folk, Prog, Glam por todo o disco.
E o disco só é formidável pelo fato de Bowie ser acompanhado por uma banda formidável. Mick Ronson faz um ótimo trabalho na guitarra, Mick Woodmansey está muito bem na bateria e o baixo de Tony Visconti é um dos maiores destaques para o Blog.
David Bowie possui uma voz única e sua capacidade de interpretação é uma faceta de seu talento incrível. O álbum é uma amostra, fidedigna, da capacidade de David como compositor e letrista, pois sempre há detalhes para se ler, ouvir e, sobretudo, refletir e contemplar.
The Man Who Sold the World é um disco cuja audição flui de modo orgânico e suave. Aqui não há música desnecessária e nem de enchimento.
"The Width of a Circle" possui uma pegada Hard e Bluesy fascinante, além de flertar com o Folk de modo encantador. "Black Country Rock" é um clássico contagiante e a intensidade de "Saviour Machine" e seu fabuloso riff impressionam.
Mas as (mais) preferidas do RAC são a fabulosa faixa-título e a excessivamente subestimada "She Shook Me Cold".
Enfim, finalmente o RAC fez justiça a um dos maiores nomes da música em todos os tempos, o genial David Bowie. The Man Who Sold the World é uma pequena amostra de sua genialidade e, ainda assim, um álbum essencial para fãs, não apenas do Rock, mas da boa música em geral. Disco mais que recomendado!
