My
Generation é o álbum de estreia da banda inglesa The Who. Seu
lançamento oficial aconteceu em 3 de dezembro de 1965, através do
selo Brunswick. As gravações ocorreram em abril de 1965 e de 11 a
15 de outubro daquele mesmo ano no IBC Studios, em Londres, na
Inglaterra. A produção ficou por conta de Shel Talmy.
My Generation é o álbum de estreia da banda inglesa The Who. Seu lançamento oficial aconteceu em 3 de dezembro de 1965, através do selo Brunswick. As gravações ocorreram em abril de 1965 e de 11 a 15 de outubro daquele mesmo ano no IBC Studios, em Londres, na Inglaterra. A produção ficou por conta de Shel Talmy.
Finalmente, o RAC se redime de uma falha imperdoável e apresenta em suas páginas uma das maiores bandas de todos os tempos, o The Who. Conforme sua tradição, o Blog fará um breve histórico com os fatos mais relevantes que se antecederam ao lançamento do disco antes de adentrar o faixa a faixa.
Os primórdios
Os membros fundadores do Who, Roger Daltrey, Pete Townshend e John Entwistle, cresceram em Acton, em Londres, na Inglaterra, e todos foram para a escola chamada Acton County Grammar School.
O pai de Townshend, Cliff, tocava saxofone e sua mãe, Betty, havia cantado na divisão de entretenimento da Royal Air Force durante a Segunda Guerra Mundial, sendo que ambos apoiavam o interesse do filho no rock and roll.
Townshend e Entwistle tornaram-se amigos em seu segundo ano na Acton County e formaram um grupo de jazz trad; e Entwistle também tocava trompa na Orquestra Sinfônica das Escolas do Middlesex. (Nota do Blog: O trad jazz é um género de jazz com origem nas décadas de 50 e 60, popular no Reino Unido. Este estilo de jazz tinha por base o Dixieland e o ragtime).
Ambos estavam interessados em rock, e Townshend particularmente admirava o single de estreia de Cliff Richard, “Move It”. (Nota do Blog: Sir Cliff Richard (nascido Harry Rodger Webb) é um cantor pop britânico, músico, intérprete, ator e filantropo. Richard vendeu mais de 250 milhões de discos em todo o mundo. Ele tem vendas totais de mais de 21 milhões de singles no Reino Unido e é o terceiro artista mais vendido na história do UK Singles Chart, atrás dos Beatles e Elvis Presley).
Entwistle tentou a guitarra, mas lutou com ela devido aos seus grandes dedos, e mudou-se para o baixo, ouvindo o trabalho de guitarra de Duane Eddy. Ele não pôde comprar um baixo e construiu o seu próprio em casa. (Nota do Blog: Duane Eddy é um guitarrista americano. No final dos anos 1950 e início dos anos 1960, ele teve uma série de discos de sucesso produzidos por Lee Hazlewood que foram conhecidos por sua característica de som “fanhoso”, incluindo “Rebel Rouser”, “Peter Gunn” e “Because They're Young”).
Depois da Acton County, Townshend frequentava a Ealing Art College, um movimento que ele descreveu como profundamente influente no curso do Who. (Nota do Blog: Ealing Art College (ou Ealing Technical College e School of Art) foi uma instituição de ensino adicional em St Mary's Road, Ealing, Londres, Inglaterra. No início da década de 1960, a Escola de Arte era composta por Departamentos de Moda, Gráficos, Design Industrial, Fotografia e Belas Artes, e a faculdade era frequentada por músicos notáveis como Freddie Mercury, Ronnie Wood e Pete Townshend).
Daltrey, que estava na série anterior, mudara-se para Acton vindo de Shepherd's Bush, uma área mais associada à classe trabalhadora. Ele teve problemas para se adaptar à escola e se envolveu com gangues e rock and roll.
Daltrey foi expulso da escola aos 15 anos e encontrou trabalho em um canteiro de obras. Em 1959, ele começou o Detours, a banda que evoluiria para o Who. A banda fazia shows profissionais, como eventos corporativos e de casamento, e Daltrey ficava de olho nas finanças e na música.
Daltrey viu Entwistle por acaso, na rua, carregando um baixo e o recrutou para o Detours. Em meados de 1961, Entwistle sugeriu Townshend como guitarrista, e a banda contava com Daltrey na guitarra-solo, Entwistle no baixo, Harry Wilson na bateria e Colin Dawson nos vocais.
O grupo tocava músicas instrumentais do Shadows e do Ventures, e uma variedade de covers de trad jazz e pop. Daltrey foi considerado o líder e, de acordo com Townshend, “levava as coisas do jeito que ele queria”. (Nota do Blog 1:The Shadows (originalmente conhecido como Drifters) era um grupo de rock instrumental inglês, e foi a banda de apoio de Cliff Richard de 1958 a 1968, tendo também colaborado novamente em numerosas turnês de reunião./Nota do Blog 2: The Ventures é uma banda de rock instrumental americana, formada em 1958 em Tacoma, Washington por Don Wilson e Bob Bogle).
Roger Daltrey
Harry Wilson foi demitido em meados de 1962 e substituído por Doug Sandom, o qual era mais velho que o resto da banda, casado e músico mais proficiente, tendo tocado semiprofissionalmente por dois anos.
Mais mudanças e começo de profissionalização
Dawson saiu do conjunto após discutir com Daltrey e, depois de ser brevemente substituído por Gabby Connolly, Daltrey mudou-se para os vocais. Townshend, com o incentivo de Entwistle, tornou-se o único guitarrista.
Através da mãe de Townshend, o grupo obteve um contrato de gestão com o promotor local Robert Druce, que começou a promover a banda como um ato de apoio.
O Detours foram influenciados pelas bandas que apoiavam, incluindo Screaming Lord Sutch, Cliff Bennett and the Rebel Rousers, Shane Fenton and the Fentones, e Johnny Kidd and the Pirates.
O Detours estava particularmente interessado no ‘the Pirates’, já que eles também tinham apenas um guitarrista, Mick Green, o que inspirou Townshend a combinar bases e solos ao seu estilo. O baixo de Entwistle tornou-se mais um instrumento de liderança, tocando as melodias.
Surge o The Who
Em fevereiro de 1964, o Detours tomou conhecimento da existência de um grupo chamado Johnny Devlin and the Detours e, então, mudaram seu nome.
Townshend e seu colega de quarto Richard Barnes passaram uma noite pensando em nomes, concentrando-se em um tema de anúncios de piadas, incluindo ‘No One’ e ‘the Group’. Townshend preferiu ‘the Hair’, e Barnes gostou de ‘the Who’ porque “tinha um ponche”.
Daltrey escolheu “The Who” na manhã seguinte.
Quando o Detours se tornou o Who, ele já se apresentava regularmente, em locais como o Oldfield Hotel em Greenford, o White Hart Hotel em Acton, o Goldhawk Social Club em Shepherd's Bush e o Notre Dame Hall na Leicester Square.
O grupo também substituiu Druce como gerente, optando por Helmut Gorden, com quem eles conseguiriam uma audição com Chris Parmeinter, da Fontana Records.
Parmeinter encontrou problemas com a bateria e, de acordo com Doug Sandom, Townshend imediatamente se voltou contra ele e ameaçou demiti-lo se seu desempenho não melhorasse instantaneamente.
Sandom saiu do conjunto com desgosto, mas foi persuadido a emprestar seu kit para qualquer possível substituto. Sandom e Townshend não voltaram a se falar por 14 anos.
Keith Moon
Durante um show, com um baterista substituto, no final de abril de 1964, em Oldfield, a banda conheceu Keith Moon.
Moon cresceu em Wembley e tocava em bandas desde 1961. Ele estava se apresentando com uma banda semiprofissional chamada Beachcombers, e desejava tocar em tempo integral.
Moon tocou algumas músicas com o grupo, quebrando um pedal de bumbo e arrancando uma pele de tambor. A banda ficou impressionada com sua energia e entusiasmo e ofereceu-lhe o trabalho.
Keith Moon se apresentou com o Beachcombers mais algumas vezes, mas os encontros entraram em conflito de datas e ele escolheu se dedicar ao Who.
Curiosamente, o Beachcombers fizeram um teste com Doug Sandom, mas não ficou impressionado e não o convidou para participar do conjunto.
Keith Moon
Mais mudanças
O Who mudou de gerente, novamente, trazendo Peter Meaden para a função.
Meaden decidiu que o grupo seria ideal para representar o crescente movimento dos mods, na Grã-Bretanha, que envolvia moda, scooters e gêneros musicais, como rhythm and blues, soul e beat. (Nota do Blog: Mod (abreviatura de Modernismo) é uma subcultura que teve origem em Londres no final da década de 1950 e alcançou seu auge nos primeiros anos da década de 1960. A subcultura mod teve início em turmas de garotos adolescentes cujas famílias eram ligadas ao comércio de tecidos em Londres. Esses primeiros mods eram geralmente de classe média, obcecados pelas tendências da moda e estilos musicais, como ternos italianos bem justos, jazz moderno e rhythm and blues. Sua vida social urbana era impulsionada, em parte, por anfetaminas. É crença popular que os mods e seus rivais, os rockers, foram uma evolução dos Teddy Boys, uma subcultura da Inglaterra da década de 1950. Os Teddy boys, influenciados pelo rockabilly norte-americano, usavam trajes eduardianos e penteados pomposos. No entanto, não existe um contínuo histórico consistente entre os Teddy Boys e os Mods, cujas origens se encontram fora do espectro do rock and roll).
Peter renomeou o grupo para ‘High Numbers’, vestindo-os em roupas mod e garantindo uma segunda audição mais favorável com a Fontana Records, além de escrever as letras de ambos os lados do single “Zoot Suit”/”I'm the Face”, em uma clara apelação para o público mod.
A música de “Zoot Suit” era, na verdade, “Misery”, do The Dynamics, e “I'm the Face” foi emprestada de “I Got Love If You Want It”, do Slim Harpo.
Embora Meaden tenha tentado promover o single, este não conseguiu chegar ao top 50, e a banda voltou a se chamar de Who.
O grupo começou a melhorar sua imagem de palco: Daltrey começou a usar o cabo do microfone como chicote no palco e, ocasionalmente, pulava na multidão; Moon jogava as baquetas no ar no meio da batida; Townshend imitava uma metralhadora com sua guitarra enquanto pulava no palco e tocava guitarra com um rápido movimento de ‘moer’ o braço, ou mesmo ficava de braços abertos, permitindo que sua guitarra produzisse feedback em uma postura apelidada de ‘o Homem Pássaro’.
Meaden foi substituído como gerente por dois cineastas, Kit Lambert e Chris Stamp. Eles estavam procurando por um jovem grupo de rock (e sem contrato), sobre o qual eles pudessem fazer um filme, e haviam visto a banda no Railway Hotel, em Wealdstone, local que se tornou regular para as apresentações do conjunto.
Lambert relacionou-se com Townshend e seu histórico na escola de arte, e encorajou-o a escrever canções. Em agosto, Lambert e Stamp fizeram um filme promocional com o grupo e seu público na Railway.
Então, a banda mudou seu set para canções soul, rhythm and blues e covers da Motown, e criou o slogan ‘Maximum R&B’.
Em junho de 1964, durante uma apresentação na Railway, Townshend acidentalmente quebrou a cabeça de sua guitarra no baixo teto do palco. Enraivecido pela risada do público, ele destruiu o instrumento a frente de todos, pegou outra guitarra e continuou o show.
Na semana seguinte, o público estava ansioso para ver uma repetição do evento. Moon foi ‘obrigado’ a chutar sua bateria, e a arte autodestrutiva se tornou uma característica do set ao vivo do Who.
John Entwistle
Singles
No final de 1964, o Who estava se tornando popular no clube Marquee, em Londres, e uma crítica de seu show apareceu na famosa revista britânica Melody Maker.
Lambert e Stamp atraíram a atenção do produtor americano Shel Talmy, que produziu o The Kinks. Townshend escreveu uma canção, “I Can't Explain”, que deliberadamente soava como o The Kinks para atrair a atenção de Talmy.
Talmy viu o grupo nos ensaios e ficou impressionado. Ele o contratou para sua produtora, e vendeu a gravação para o braço norte-americano da Decca Records, o que significou que os primeiros singles do grupo foram lançados na Grã-Bretanha através da Brunswick Records, um dos selos da UK Decca para artistas norte-americanos.
“I Can't Explain” foi gravada no começo de novembro de 1964, no Pye Studios, em Marble Arch com Ivy League nos backing vocals, e Jimmy Page tocando guitarra em “Bald Headed Woman”, seu lado B.
O single tornou-se popular entre as estações de rádio piratas, como a Rádio Caroline. A rádio pirata era importante para as bandas, já que não havia estações de rádio comerciais no Reino Unido e a BBC Radio tocava pouca música pop.
O grupo ganhou mais exposição quando apareceu no programa de televisão Ready Steady Go! Lambert e Stamp receberam a tarefa de encontrarem ‘adolescentes típicos’ e convidaram a plateia regular do Goldhawk Social Club.
A entusiasmada recepção na televisão e airplay regular nas rádios piratas ajudou o single a lentamente subir nas paradas, no início de 1965, até chegar ao top 10.
O single seguinte, “Anyway, Anyhow, Anywhere”, de Townshend e Daltrey, apresenta inovações de guitarra (como pick sliding, toggle switching e feedback), que foram tão pouco convencionais, provocando a rejeição inicial do braço norte-americano da Decca Records. Mesmo assim, o single alcançou o top 10 no Reino Unido e foi usado como tema para o programa Ready Steady Go!
A transição para uma banda de sucesso, com material original, encorajada por Lambert, não se mostrava bem com Daltrey, e uma sessão de gravação de covers de R&B não foi lançada.
Os membros do Who não eram amigos íntimos, à exceção de Moon e Entwistle, que gostavam de visitar casas noturnas juntos, no West End, de Londres.
O grupo passou por um período difícil ao visitar a Dinamarca em setembro, o que culminou com Daltrey jogando as anfetaminas de Moon no vaso sanitário. Imediatamente após retornar à Grã-Bretanha, Daltrey foi demitido, mas acabou reintegrado sob a condição de que o conjunto se tornasse uma democracia sem sua liderança dominante. Neste momento, o grupo recrutou Richard Cole como roadie.
O próximo single, “My Generation”, saiu em outubro. Townshend havia o composto como um blues lento, mas depois de várias tentativas abortivas, foi transformado-o em uma música mais poderosa com um solo de baixo de Entwistle.
A música usava truques como um gaguejar vocal para simular a fala de um mod em (uso de) anfetaminas. Townshend insistiu, em entrevistas, que a letra ‘Espero morrer antes de envelhecer’ não deveria ser tomada literalmente.
Chegando ao 2º lugar, “My Generation” é o single mais bem-sucedido do grupo no Reino Unido.
Pete Townshend
My Generation, o álbum
No começo de 1965, um álbum foi iniciado, durante o período ‘Maximum R&B’ do The Who, e incluiu versões cover das populares “I Don't Mind” e “Please, Please, Please”, ambas de James Brown, além das inclinações R&B das faixas compostas pelo guitarrista da banda, Pete Townshend.
Nove faixas foram gravadas, mas várias delas foram rejeitadas para darem lugar às originais criadas por Townshend, em novas sessões que começariam em outubro.
De acordo com o livreto da edição Deluxe, “I'm a Man” foi eliminada do lançamento, nos EUA, devido ao seu conteúdo sexual. O álbum norte-americano também usou a versão britânica editada de “The Kids Are Alright”.
Muitas das músicas do álbum foram lançadas como singles.
Além de “My Generation”, que precedeu o lançamento do álbum e alcançou a segunda posição no Reino Unido, “A Legal Matter”, “La-La-La Lies” e “The Kids Are Alright” também foram lançadas como singles domésticos, pela Brunswick, depois que a banda começou a lançar material novo pelo selo Reaction, em 1966. Como eles não eram promovidos pela banda, eles não tiveram sucesso comercial como “My Generation” ou como os singles da Reaction.
“My Generation” e “The Kids Are Alright”, em particular, permanecem duas das músicas mais regravadas do grupo; enquanto “My Generation” é uma peça bruta e agressiva que pressagiou os movimentos heavy metal e punk rock, “The Kids Are Alright” é uma canção pop mais sofisticada, com guitarras, harmonias em três partes e uma melodia vocal ritmada, embora ainda mantendo o ritmo de condução de outras canções do Who do período.
A capa original britânica apresenta uma fotografia da banda.
Vamos às faixas:
OUT IN THE STREET
Já na primeira faixa de seu álbum de estreia, o Who demonstra um de seus diferenciais: a bateria frenética de Keith Moon e o baixo preciso de John Entwistle. Eles criam uma base sólida para a guitarra catártica de Pete Townshend.
A letra fala sobre uma garota:
I know your mind
I can see that you're in need
I'll show you woman
Yeah, that you belong to me
I DON’T MIND
Versão profunda e repleta de sentimento para "I Don't Mind", na qual a guitarra de Pete Townshend aparece precisa em solos muito envolventes. A interpretação de Roger Daltrey é incrível.
A letra é sobre um amor:
I don't mind
Your love so sound
I don't mind
It can't go cold
Trata-se de um cover para a versão originalmente lançada por James Brown em 1961.
THE GOOD’S GONE
"The Good's Gone" é uma pequena amostra daquilo que o Who se tornaria. Para o ano de seu lançamento, a faixa já se revela mais agressiva, seja pela guitarra de Pete Townshend, seja pela bateria ousada de Keith Moon.
A letra é sobre um relacionamento no final:
Now it ain't no fun
And the good's gone now
We used to love as one
But we have forgotten now
LA-LA-LA-LIES
Nesta música, o grupo propõem uma sonoridade bastante sessentista, utilizando uma abordagem mais suave e com vocais mais "pop". O resultado final é divertido e o destaque novamente vai para a participação de Moon.
Evidentemente, a letra fala sobre mentiras:
I don't insist that you feel bad
I just want to see you smile
Don't ever think you made me mad
I didn't listen to your
“La-La-La-Lies” foi lançada como single, mas não repercutiu em termos das principais paradas de sucesso.
Townshend escreveu a música durante o verão de 1965, e a banda gravou consistentemente com suas demos em casa. De acordo com ele, a música “não era tão boa assim antes de eu tocá-la com Keith [Moon]. Não é a minha favorita no LP. Ela me lembra um pouco de Sandie Shaw”.
Nicky Hopkins junta-se à banda no piano, para a canção.
Em comum com várias músicas de My Generation, o tema de “La-La-La-Lies” é a ‘ilusão de identidade’. Dave Marsh, crítico da Rolling Stone, chamou-a de “tão pessoal quanto qualquer coisa que Pete Townshend escreveu”. As letras criticam um amigo que mente sobre o cantor.
MUCH TOO MUCH
"Much Too Much" aumenta mais a intensidade e, novamente repetindo, para os anos 60, revela-se com uma pegada poucas vezes vista. Ótima canção.
A letra é romântica:
If I ever leave you darlin'
I hope you see
That I really love you
But your love's too heavy on me
MY GENERATION
Não é exagero afirmar que a clássica "My Generation" seja um dos primórdios do Hard Rock. Pesada como muito pouca coisa na época era, a música possui uma seção rítmica pulsante e a guitarra de Townshend voraz! A "cereja do bolo" é a atuação de Daltrey nos vocais. Sensacional!
A letra fala sobre a juventude em seu espaço social:
People try to put us down
(Talkin' 'bout my generation)
Just because we get around
(Talkin' 'bout my generation)
Things they do look awful cold
(Talkin' 'bout my generation)
Hope I die before I get old
(Talkin' 'bout my generation)
“My Generation” é um dos maiores clássicos do The Who.
A canção foi lançada como single, antes mesmo do álbum, atingindo a excepcional 2ª posição da parada britânica desta natureza. Ainda ficou com o 74ª lugar na sua correspondente norte-americana.
Townshend supostamente escreveu a canção em um trem, e é afirmado que ele teria sido inspirado pela Rainha Mãe, que é acusada de ter rebocado o carro de Townshend (um Packard 1935) numa rua em Belgravia, porque ela ficou ofendida com sua visão durante seu passeio diário pela vizinhança.
Townshend também creditou a “Young Man Blues”, de Mose Allison, como uma inspiração para a canção, dizendo “Sem Mose eu não teria escrito “My Generation””. Townshend disse à revista Rolling Stone, em 1985, que ““My Generation” é muito sobre tentar encontrar um lugar na sociedade”.
Um dos elementos mais marcantes da música é sua letra, considerada uma das mais destiladas declarações de rebeldia juvenil na história do rock. O tom da faixa sozinho ajudou a torná-la um conhecido ancestral do movimento punk rock.
Um dos versos mais citados - e patentemente reescritas - da história do rock é “Espero morrer antes de envelhecer”, sarcasticamente enunciada pelo vocalista Roger Daltrey.
Como reflexo da influência anterior do movimento Mod sobre o The Who, a música possui claras influências do rhythm and blues americano, mais explicitamente na forma de chamada e resposta dos versos. Daltrey canta uma linha, e os backing vocalists, Pete Townshend (baixa harmonia) e John Entwistle (alta harmonia), respondem com o refrão ‘Talkin' 'bout my generation’.
Outro aspecto importante de “My Generation” é a entrega de Daltrey: uma gagueira irritada e frustrada. Várias histórias existem quanto à razão para essa entrega distinta que vão desde um ‘feliz acidente’ (algo acidental, mas que funcionou para a versão final) até uma tentativa de se imitar um Mod britânico com pressa.
A instrumentação da música reflete a letra: rápida e agressiva. Significativamente, “My Generation” também apresentou um dos primeiros solos de baixo na história do rock.
Versões ao vivo da música, muitas vezes deságuam em improvisos prolongados, durando 15 minutos, como evidenciado pela versão que aparece em Live at Leeds. As gravações ao vivo de 1969 a 1970 incluem trechos de músicas do álbum Tommy.
A música foi nomeada a 11ª colocada, da revista norte-americana Rolling Stone, em sua lista the 500 Greatest Songs of All Time e 13ª lugar da lista das 100 Maiores Músicas de Rock & Roll, do canal de televisão VH1.
Também faz parte das 500 músicas do The Rock and Roll Hall of Fame, The Rock and Roll Hall of Fame's 500 Songs that Shaped Rock and Roll, e foi introduzida no Grammy Hall of Fame por seu valor “histórico, artístico e significativo”. Em 2009, foi nomeada a 37ª maior canção de hard rock da VH1.
THE KIDS ARE ALRIGHT
"The Kids Are Alright" é mais suave e menos agressiva, mas não deixa de ser uma música muito interessante, apostando em todo o ritmo oferecido pela seção rítmica enquanto a guitarra de Townshend brilha.
A letra fala sobre tomar decisões:
And I know if I don't
I'll go out of my mind
Better leave her behind
With the kids, they're alright
The kids are alright
“The Kids Are Allright” é outro clássico do The Who.
A canção foi lançada como single, atingindo a 41ª posição da principal parada britânica, conquistando 106ª colocação na sua correspondente norte-americana.
“The Kids Are Alright” foi lançada como single seis meses depois de aparecer pela primeira vez no LP, primeiro nos Estados Unidos e depois no Reino Unido.
Embora não tenha sido um grande sucesso na época, a música, junto a “My Generation”, tornaram-se hinos da banda e da cultura Mod da Inglaterra, na década de 1960.
Mais tarde, tornou-se o nome do documentário sobre a banda, em 1979. A música foi editada para o single americano e esta versão se tornou muito mais comum que a versão original do álbum.
Um filme promocional para a música foi filmado no Hyde Park, em julho ou agosto de 1966.
Em 2006, a música foi listada no 34º lugar na lista da Pitchfork com as 200 maiores canções dos anos 60.
A música foi alvo de covers por bandas como The Queers, Goldfinger, Eddie & Hot Rods, Dropkick Murphys, Hi-Standard, Green Day, Pearl Jam, The Raveonettes e Belle & Sebastian, que fecharam o set no Bowlie Weekender. Em 1999.
Em 1995, a banda Flatus gravou uma versão para o seu álbum Talk Show Hero. Em 2008, a banda de Billy Bob Thornton, The Boxmasters, gravou uma versão da música como o número de encerramento do segundo disco de seu álbum The Boxmasters. A música também foi gravada para um álbum de covers da vocalista do Matthew Sweet and Bangles, Susanna Hoffs.
Keith Moon, o baterista do The Who, também gravou um cover desta canção para seu álbum solo Two Sides of the Moon.
Esta música é referenciada no título da música “The Kids Aren't Alright” do the Offspring, “The Kids Are Insane” do Urge Overkill, “The Kids Are All Wrong” da Lagwagon, “All the Kids Are Right” da Local H, e “The Kids” da The Parlor Mob, na qual o refrão ainda diz ‘No the kids ain't alright’, assim como a faixa “Kids” de Robbie Williams e Kylie Minogue.
O título da música também foi usado no filme The Kids Are All Right e para um episódio do programa de televisão americano Supernatural. Também foi apresentada no episódio dos Simpsons ‘The Kids Are All Fight’.
PLEASE, PLEASE, PLEASE
Nesta ótima versão, o grupo aposta em um Blues Rock generoso, com a guitarra de Townshend abusada e o baixo de Entwistle absolutamente dominante. O resultado final é incrível!
A letra é romântica:
Please, please, please, please me (You don't have to go)
Baby please, baby please, please me (You don't have to go)
Baby please, baby please don't go (You don't have to go)
Don't go, I said baby, don't baby
I love you so (You don't have to go)
Trata-se de um cover da canção originalmente composta por Johnny Terry e James Brown, lançada como single em 1956.
IT’S NOT TRUE
"It's Not True" é uma faixa rápida, envolvente e com uma melodia deliciosa. Daltrey abusa de seus ótimos vocais. Entwistle e Townshend brilham novamente.
A letra é sobre autenticidade:
I haven't got eleven kids
I weren't born in Baghdad
I'm not half-chinese either
And I didn't kill my dad
I’M A MAN
O Blues Rock retorna ao disco com peso e ferocidade. Keith Moon dá uma pequena amostra de seu talento e de sua fúria nas baquetas. Os solos da guitarra de Townshend são bem legais.
A letra possui apelo sexual:
All you pretty women
Stand on a big long line
When I get you in a bed
I can make love all time
In an hour's time
Now i'm a man
I spell M-A-N... man
Trata-se de outra versão cover no álbum, desta feita da canção originalmente composta e lançada por Bo Diddley, como single, em 1955.
A LEGAL MATTER
O riff inicial de "A Legal Matter" é bem legal. A faixa é rápida e intensa, com bastante ritmo e uma melodia cativante. Os vocais de Townshend deixam um pouco a desejar, mas não diminuem o valor da canção.
A letra fala sobre casamento:
Now it's a legal matter, baby
Marryin's no fun
It's a legal matter, baby
A legal matter from now on
A canção foi lançada como single e atingiu a 32ª posição da principal parada britânica desta natureza.
O tema da música é uma quebra de promessa e marca a primeira vez que Townshend cantou os vocais, em vez de Roger Daltrey, possivelmente porque a música era muito próxima de Roger, que estava se divorciando de sua esposa na época.
THE OX
A décima-segunda - e última - faixa de My Generation é "The Ox". The Who na essência, "The Ox" é uma apreciação daquilo que o grupo se tornaria. A bateria de Moon está frenética e a guitarra de Townshend permanece indomável. Fecha o disco com chave-de-ouro.
A música foi raramente tocada ao vivo pelo Who. A única aparição conhecida desta canção foi em um medley de “My Generation”, no Concertgebouw, em Amsterdã, Holanda, em 29 de setembro de 1969, parte da turnê de Tommy.
O título é um apelido dado a Entwistle, pela banda, por causa de sua forte constituição e aparente habilidade de “comer, beber ou fazer mais do que o resto deles”.
Considerações Finais
My Generation fez bastante barulho no Reino Unido, apresentando canções fortes e uma banda com talento incomparável.
O álbum atingiu a ótima 5ª posição da principal parada britânica desta natureza, embora não tenha repercutido na sua correspondente norte-americana. Ainda ficou com o 14º lugar na principal parada alemã.
Em sua coluna de 1967, para a revista Esquire, o crítico de música Robert Christgau chamou My Generation de “o rock mais duro da história”. Em 1981, ele incluiu sua versão americana em sua “biblioteca de registros básicos”.
Richie Unterberger, do site AllMusic, dá nota máxima ao trabalho, afirmando: “Uma estreia explosiva e o mais difícil mod pop gravado por qualquer um. Na época de seu lançamento, também tinha as guitarras e baterias mais ferozmente poderosas já capturadas em um disco de rock”.
Por fim, Richie conclui: “Enquanto a execução era às vezes grosseira, e as composições não tão sofisticadas quanto em breve se tornariam, o Who nunca superou o nível de energia pura deste disco”.
Em 2003, My Generation ficou em 237º lugar na lista da revista Rolling Stone dos 500 maiores álbuns de todos os tempos, e foi nomeado o segundo maior álbum de guitarra de todos os tempos pela revista britânica Mojo.
Em 2004, ficou em 18º lugar na lista da revista britânica Q de 50 Best British Albums Ever. Em 2006, ficou em 9º lugar na lista 100 Greatest British Albums do site NME.
Em junho de 2009, a versão americana do álbum, lançada em 1966, e nomeada The Who Sings My Generation, foi selecionada para o National Recording Registry, da US Library. O álbum, considerado ‘culturalmente significativo’, será preservado e arquivado.
Escrevendo para a BBC, Chris Jones descreveu o álbum como “uma das mais vitais e importantes razões para se amar o rock 'n' roll”.
Depois de My Generation, o Who rompeu com Sheldon Talmy, o que significou um fim abrupto do contrato de gravação. A resultante da celeuma legal culminou em Talmy mantendo os direitos das fitas master, o que impediu que o álbum fosse reeditado até 2002.
O Who assinou com o selo de Robert Stigwood, Reaction, e lançaram “Substitute”. Townshend disse que escreveu a música sobre a crise de identidade e como uma paródia de “19th Nervous Breakdown”, do Rolling Stones, e foi o primeiro single a apresentá-lo tocando uma guitarra acústica de doze cordas.
Talmy apresentou uma ação legal sobre o lado B, “Instant Party”, e o single foi recolhido. Um novo lado B, “Waltz for a Pig”, foi gravado pela Graham Bond Organization sob o pseudônimo ‘the Who Orchestra’.
Em 1966, o Who lançou “I'm a Boy”, sobre um menino vestido como uma menina, tirado de uma coleção abortada de músicas chamada Quads; a faixa “Happy Jack”; e um EP, Ready Steady Who, que equivaleu com suas aparições regulares no Ready Steady Go!
O grupo continuou a ter conflitos; em 20 de maio, Moon e Entwistle estavam atrasados para um show no Ready Steady Go!, ambientado com Bruce Johnston, dos Beach Boys. Durante “My Generation”, Townshend atacou Moon com sua guitarra; Moon sofreu um olho roxo e hematomas, e ele e Entwistle deixaram a banda, mas mudaram de ideia, voltando a se reunirem uma semana depois.
Moon continuou procurando outro trabalho, e Jeff Beck o fez tocar bateria em sua música “Beck's Bolero” (com Page, John Paul Jones e Nicky Hopkins), pois ele estava “tentando tirar Keith do Who”.
O segundo álbum do The Who, A Quick One, seria lançado em dezembro de 1966.
My Generation vendeu mais de 100 mil cópias apenas no Reino Unido.
Formação:
Roger Daltrey - Vocal, Gaita
Pete Townshend - Guitarra, Backing Vocals, Vocal em 11
John Entwistle - Baixo, Backing Vocals
Keith Moon - Bateria
Músicos adicionais:
Nicky Hopkins - Piano
Faixas:
01. Out in the Street (Townshend) - 2:31
02. I Don't Mind (Brown) - 2:36
03. The Good's Gone (Townshend) - 4:02
04. La-La-La-Lies (Townshend) - 2:17
05. Much Too Much (Townshend) - 2:47
06. My Generation (Townshend) - 3:18
07. The Kids Are Alright (Townshend) - 3:04
08. Please, Please, Please (Brown/Terry) - 2:45
09. It's Not True (Townshend) - 2:31
10. I'm a Man (Diddley) - 3:21
11. A Legal Matter (Townshend) - 2:48
12. The Ox (Townshend/Entwistle/Moon/Hopkins) - 3:50
É praticamente inaceitável que uma banda do porte e com a relevância histórica do The Who tenha demorado tanto tempo a aparecer no RAC.
O grupo era formado por músicos que marcaram a história do Rock. Roger Daltrey é um vocalista incrível. Townshend era a principal força criativa do Who, além de um guitarrista de primeira, enquanto Entwistle dispensa maiores comentários.
E Keith Moon era um baterista muito à frente de seu tempo. A forma, técnica e a fúria com que ele atacava seu instrumento ainda permanecem como referências para o Rock, mesmo 5 décadas depois de seus trabalhos iniciais.
Além disso, o The Who era uma banda muito criativa e inovadora. Contemporâneos de Beatles e Stones, o grupo se diferenciava por unir a sonoridade típica daqueles gloriosos tempos com uma abordagem, até então, inovativa e inédita.
O Who era extremo e pesado como nenhum conjunto era na metade dos anos 60. Entwistle criava a base sólida para que a guitarra de Townshend brilhasse, enquanto Moon destruía tudo na bateria. Aliado ao carisma de Daltrey, o grupo conquistava o público com performances matadoras.
Embora My Generation demostre uma banda em formação e ainda configurando sua sonoridade, o talento do conjunto está presente em uma coleção de canções memoráveis e totalmente encantadoras.
As 3 canções covers são uma prova do talento do Who em uma perspectiva Blues Rock, especialmente na excepcional "I'm a Man".
A abordagem excêntrica do Who para a sonoridade da época é apresentada com total categoria em canções como "It's Not True", "Much Too Much" e na clássica "The Kids Are Alright".
Mas as preferidas do RAC ficam com as pauladas do grupo no disco: a incomparável faixa-título, "My Generation", e a destruidora "The Ox".
Enfim, cabe mais uma vez ressaltar que My Generation é um álbum de qualidade excepcional. A estreia do The Who já mostrava se tratar de uma banda diferente, muito especial e que criaria obras que entrariam para a história definitiva do Rock. Disco sensacional!
Elvis
Presley é o álbum de estreia do cantor norte-americano Elvis
Presley. Seu lançamento oficial ocorreu em 23 de março de 1956,
através do selo RCA Victor. O álbum conta com gravações que vão
de julho de 1954 a janeiro de 1956. Os produtores responsáveis são
Sam Phillips (Sun recordings) e Steve Sholes (RCA recordings).
Elvis Presley é o álbum de estreia do cantor norte-americano Elvis Presley. Seu lançamento oficial ocorreu em 23 de março de 1956, através do selo RCA Victor. O álbum conta com gravações que vão de julho de 1954 a janeiro de 1956. Os produtores responsáveis são Sam Phillips (Sun recordings) e Steve Sholes (RCA recordings).
Este será um post especial e diferente do que ocorreu no RAC durante todos estes anos de sua existência. Uma homenagem ao The King, Elvis Presley, com seu álbum de estreia.
Infância difícil
Elvis Aaron Presley nasceu em Tupelo, no Estado norte-americano do Mississippi, em 8 de janeiro de 1935, na casa de dois cômodos construída por seu pai, Vernon Elvis Presley, em preparação para o nascimento do filho.
Jesse Garon Presley, seu irmão gêmeo idêntico, veio ao mundo 35 minutos antes dele, natimorto. Presley tornou-se próximo de ambos os pais e formou um vínculo especialmente estreito com sua mãe. A família frequentou uma igreja da Assembleia de Deus, onde encontrou sua inspiração musical inicial.
Do lado de sua mãe, a ascendência de Presley era escocesa/irlandesa, com algum laço francês. Gladys, a mãe de Elvis, e o resto da família aparentemente acreditavam que sua tataravó, Morning Dove White, era Cherokee; no que a biografia de Elaine Dundy apoia a ideia, mas há, pelo menos, um pesquisador da genealogia do Rei que a contestou. Os antepassados de Vernon eram de origem alemã ou escocesa.
Gladys era considerada, por parentes e amigos, como o membro dominante da pequena família. Vernon mudou de um trabalho para o outro, evidenciando pouca ambição. A família muitas vezes contou com a ajuda de vizinhos e assistência alimentar do governo.
Em 1938, eles perderam sua casa depois que Vernon foi considerado culpado de alterar um cheque a seu proprietário e algum empregador. Ele foi preso por oito meses, enquanto Gladys e Elvis foram morar com parentes.
Em setembro de 1941, Presley entrou na primeira série pelo East Tupelo Consolidated, onde seus professores o consideravam ‘mediano’. Ele foi incentivado a participar de um concurso de canto depois de impressionar seu professor com uma versão da música country “Old Shep”, de Red Foley, durante as orações matinais. (Nota do Blog: Clyde Julian Foley, conhecido profissionalmente como Red Foley, foi um cantor, músico e apresentador de rádio e TV que contribuiu muito para o crescimento da música country após a Segunda Guerra Mundial).
O concurso, realizado no Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show em 3 de outubro de 1945, foi sua primeira apresentação pública. Presley, de dez anos, estava vestido de vaqueiro; ele ficou em uma cadeira para alcançar o microfone e cantou “Old Shep”. Ele se lembrou de ter ficado em quinto lugar.
Alguns meses depois, Presley recebeu seu primeiro violão em seu aniversário; ele esperava por algo diferente – fontes diversas afirmam uma bicicleta ou um rifle.
No ano seguinte, ele recebeu lições básicas de violão de dois de seus tios e do novo pastor da igreja da família. Presley lembrou: “Eu peguei o violão, observei as pessoas e aprendi a tocar um pouco. Mas eu nunca cantaria em público. Eu era muito tímido para isso”.
Em setembro de 1946, Presley entrou em uma nova escola, Milam, para o sexto ano; e era considerado um solitário. No ano seguinte, ele começou a trazer seu violão para a escola diariamente. Ele tocava e cantava durante a hora do almoço, e era frequentemente provocado como um garoto ‘vulgar’ que tocava música caipira. Até então, a família vivia em um bairro predominantemente afro-americano.
Presley era um fã do show de Mississippi Slim na estação de rádio Tupelo WELO. Ele foi descrito como ‘louco por música’ pelo irmão mais novo de Slim, que era um dos colegas de classe de Presley e muitas vezes o levava para a rádio. (Nota do Blog: Carvel Lee Ausborn, mais conhecido por seu nome artístico, Mississippi Slim, era um cantor caipira que teve um programa de rádio na TELO de Tupelo, no final dos anos 1940).
Slim complementou as aulas de violão de Presley, demonstrando técnicas de acordes. Quando o seu prodígio tinha doze anos, Slim o programou para duas apresentações no ar. Presley foi superado pelo medo do palco na primeira vez, mas teve sucesso na semana seguinte.
Mudança para o Tennessee
Em novembro de 1948, a família mudou-se para Memphis, no Tennessee. Depois de residir por quase um ano em cômodos, eles receberam um apartamento de dois quartos no complexo habitacional conhecido como Lauderdale Courts.
Inscrito na L. C. Humes High School, Presley recebeu apenas um C, em música, na oitava série. Quando seu professor de música lhe disse que ele não tinha aptidão para cantar, ele trouxe seu violão no dia seguinte e cantou um sucesso recente, “Keep Them Cold Icy Fingers Off Me”, em um esforço para provar o contrário. Mais tarde, um colega de classe lembrou que a professora “concordou que Elvis estava certo quando disse que ela não gostava de seu tipo de canto”.
Ele costumava ser muito tímido para se apresentar abertamente e ocasionalmente era intimidado por colegas que o viam como um “filhinho da mamãe”.
Em 1950, ele começou a praticar violão regularmente sob a tutela de Lee Denson, um vizinho dois anos e meio mais velho. Eles e três outros garotos - incluindo dois futuros pioneiros do rockabilly, os irmãos Dorsey e Johnny Burnette - formaram um coletivo musical informal que tocava com regularidade. (Nota do Blog: Dorsey Burnette foi um cantor americano de rockabilly. Com seu irmão mais novo, Johnny Burnette, e um amigo chamado Paul Burlison, ele foi um dos fundadores do The Rock and Roll Trio. Ele também é o pai do músico country e membro do Fleetwood Mac, Billy Burnette./Nota do Blog: John Joseph "Johnny" Burnette foi um cantor e compositor americano de rockabilly e pop music).
Em setembro daquele ano, ele começou a trabalhar como assistente do Teatro Estadual de Loew. Outros trabalhos foram na Precision Tool, novamente no Loew's e MARL Metal Products.
Presley começou a se destacar mais entre seus colegas de classe, em grande parte por causa de sua aparência: ele criou suas costeletas e modelou seu cabelo com óleo de rosas e vaselina. Em seu tempo livre, dirigia-se à Beale Street, o coração da próspera cena de blues de Memphis, e olhava ansiosamente as roupas selvagens e vistosas nas vitrines da Lansky Brothers. (Nota do Blog: Lansky Brothers (mais conhecido como Lansky's) é uma alfaiateria em Memphis, Tennessee, dirigida por Bernard Lansky. Ela ganhou reconhecimento mundial por ser o local escolhido para comprar roupas para músicos, incluindo Roy Orbison, Isaac Hayes e Elvis Presley).
No seu último ano de ensino médio, ele usava estes tipos de roupas. Superando sua reticência em atuar fora dos Lauderdale Courts, ele competiu no show anual ‘Minstrel’ de Humes, em abril de 1953. Cantando e tocando violão, ele estreou com “Till I Waltz Again with You”, um sucesso recente de Teresa Brewer. (Nota do Blog: Teresa Brewer foi uma cantora americana cujo estilo incorporou country, jazz, R&B, musicais. Ela foi uma das cantoras mais prolíficas e populares da década de 1950, gravando quase 600 músicas).
Desde então, o tímido garoto conheceu a popularidade.
Elvis em ação!
Definindo sua história
Presley, que não recebeu nenhum treinamento musical formal e não sabia ler música, estudava e tocava de ouvido. Ele também frequentava lojas de discos que ofereciam jukeboxes e cabines de escuta para os clientes.
Elvis conhecia todas as músicas de Hank Snow e adorava discos de outros cantores country como Roy Acuff, Ernest Tubb, Ted Daffan, Jimmie Rodgers, Jimmie Davis e Bob Wills. O cantor gospel Jake Hess, um de seus artistas favoritos, foi uma influência significativa em seu estilo de cantar balada. (Nota do Blog: Jake Hess foi um cantor gospel premiado com o Grammy americano).
Presley era um membro regular da audiência no centro mensal All-Night Singings, onde muitos dos grupos evangélicos brancos que atuavam refletiam a influência da música espiritual afro-americana. Ele adorava a música da cantora negra gospel Sister Rosetta Tharpe. (Nota do Blog: Sister Rosetta Tharpe foi uma cantora, compositora, violonista americana. Como pioneira da música de meados do século 20, ela alcançou popularidade nas décadas de 1930 e 1940, com suas gravações de gospel, caracterizadas por uma mistura única de letras espirituais e acompanhamento rítmico que foi um precursor do rock and roll. Ela foi a primeira grande estrela de gravação da música gospel e entre os primeiros músicos gospel a apelar para o público de rhythm-and-blues e rock-and-roll, mais tarde referida como ‘a irmã original do soul’ e ‘a madrinha do rock and roll’).
Como alguns de seus pares, ele pode ter comparecido a locais onde se apresentavam blues - necessariamente, no sul segregado, apenas em noites designadas para audiências exclusivamente brancas.
Ele certamente ouvia as estações de rádio regionais, como a WDIA-AM: espirituais, blues e o som moderno e pesado do rhythm and blues. Muitas de suas gravações futuras foram inspiradas por músicos afro-americanos locais, como Arthur Crudup e Rufus Thomas.
B.B. King lembrou que conhecia Presley antes deste ser popular, quando ambos costumavam frequentar a Beale Street. Quando se formou no ensino médio, em junho de 1953, Presley já havia escolhido a música como seu futuro.
Conhecendo Sam Phillips
Em agosto de 1953, Presley registrou-se nos escritórios da Sun Records. Ele pretendia pagar por alguns minutos de tempo no estúdio, para gravar um disco de acetato de dois lados: “My Happiness” e “That's When Your Heartaches Begin”.
Posteriormente, Elvis alegou que pretendia oferecer o disco como um presente para sua mãe, ou que estava apenas interessado em como ‘soaria’, embora houvesse um serviço amador de gravação de discos muito mais barato em uma loja próxima.
O biógrafo Peter Guralnick argumentou que Presley escolheu a Sun na esperança de ser descoberto. Perguntado pela recepcionista Marion Keisker que tipo de cantor ele era, Presley respondeu: ‘Eu canto todos os tipos’. Quando ela o pressionou sobre quem ele soava, ele repetidamente respondeu: ‘Eu não soo como ninguém’.
Depois que Presley gravou, o chefe da Sun, Sam Phillips, pediu a Keisker para anotar o nome do jovem, o que ela fez junto com seu próprio comentário: ‘Bom cantor de baladas. Segure’.
Em janeiro de 1954, Presley gravou um segundo acetato na Sun Records - “I'll Never Stand In Your Way” e “It Wouldn't Be the Same Without You” - mas, de novo, nada aconteceu.
Elvis em 1954
Não muito tempo depois, Presley falhou em uma audição para um quarteto vocal local, the Songfellows. Ele explicou a seu pai: ‘Eles me disseram que eu não podia cantar’. Jim Hamill, do quarteto, mais tarde afirmou que ele foi rejeitado porque não demonstrou um bom ouvido para a harmonia na época.
Em abril, Presley começou a trabalhar para a empresa Crown Electric, como motorista de caminhão. Seu amigo Ronnie Smith, depois de tocar em alguns shows locais com ele, sugeriu que ele contatasse Eddie Bond, líder da banda profissional de Smith, e que tinha uma vaga para um vocalista. Bond o rejeitou depois de um teste, aconselhando a Presley para se ater à condução de caminhões “porque você nunca vai conseguir ser cantor”.
Phillips, enquanto isso, estava sempre à procura de alguém que pudesse trazer, para um público mais amplo, o som dos músicos negros os quais a gravadora Sun Records focalizava. Como Keisker relatou: “Mais e mais eu me lembro de Sam dizendo: 'Se eu pudesse encontrar um homem branco que tivesse o som negro e o feeling negro, eu poderia ganhar um bilhão de dólares'”.
Em junho, Sam adquiriu uma gravação demo de Jimmy Sweeney de uma balada, “Without You”, a qual ele achava que poderia se adequar a um cantor adolescente. Presley veio ao estúdio, mas foi incapaz de fazê-lo bem.
Apesar disso, Phillips pediu a Presley para cantar quantas canções ele conhecesse. Sam foi suficientemente afetado pelo que ouviu, convidando dois músicos locais, o guitarrista Winfield ‘Scotty’ Moore e o baixista Bill Black, para trabalharem com Presley para uma sessão de gravação.
A sessão, realizada na noite de 5 de julho de 1954, mostrou-se inteiramente infrutífera até tarde. Quando eles estavam prestes a abortarem e irem para casa, Presley pegou seu violão e lançou um número de blues de 1946, “That's All Right”, de Arthur Crudup.
Winfield Moore relembrou: “De repente, Elvis começou a cantar essa música, pulando e agindo como um idiota, e então Bill pegou seu baixo, e também começou a agir como um idiota, e eu comecei a tocar com eles. Sam, eu acho que estava com a porta da cabine de controle aberta... ele enfiou a cabeça para fora e disse: “O que vocês estão fazendo?” E nós dissemos: “Não sabemos”. “Bem, voltem”, ele disse, “tentem achar um lugar para começarem, e façam de novo””.
Phillips rapidamente começou a gravar; esse era o som que ele procurava. Três dias depois, o popular DJ de Memphis, Dewey Phillips, tocou “That's All Right” em seu programa Red, Hot e Blue.
Ouvintes começaram a telefonar, ansiosos para descobrirem quem realmente era o cantor. O interesse era tal que Phillips tocou o disco repetidamente durante as duas horas restantes de seu show. Entrevistando Presley no ar, Phillips perguntou-lhe sobre o ensino médio que ele frequentou, a fim de esclarecer sua cor para os muitos ouvintes que haviam pensado que ele era negro.
Durante os próximos dias, o trio gravou um número de bluegrass, “Blue Moon of Kentucky”, de Bill Monroe, novamente em um estilo distinto e empregando um efeito de eco composto por um júri que Sam Phillips apelidou de ‘slapback’. Um single foi lançado com “That's All Right” no lado A e “Blue Moon of Kentucky” no verso.
O trio tocou publicamente pela primeira vez, em 17 de julho, no clube Bon Air - Presley ainda ostentando seu violão infantil.
No final do mês, eles apareceram no Overton Park Shell, com a atração principal de Slim Whitman. Uma combinação de sua forte resposta ao ritmo e nervosismo, em tocar diante de uma grande multidão, levou Presley a sacudir as pernas enquanto se apresentava: suas calças largas enfatizavam seus movimentos, fazendo com que as jovens na plateia começassem a gritar. (Nota do Blog: Ottis Dewey Whitman Jr, profissionalmente conhecido pelo nome artístico de Slim Whitman, era um cantor, compositor e instrumentista de música country americana, música ocidental e cantor folk; conhecido por suas habilidades yodeling. seu falsetto suave, alto, de três oitavas, em um estilo batizado de ‘countrypolitan’).
Moore relembrou: “Durante as partes instrumentais, ele se afastava do microfone, tocava e tremia, e a multidão ficava louca”. Black, um showman natural, gritava e montava seu baixo, batendo dois licks os quais Presley mais tarde lembraria como “um som realmente selvagem, como um tambor de selva ou algo assim”.
Logo depois, Moore e Black deixaram sua antiga banda, os Starlite Wranglers, para tocar regularmente com Presley, e o DJ/promotor Bob Neal tornou-se o empresário do trio. De agosto a outubro, eles tocaram com frequência no clube Eagle's Nest e voltaram ao Sun Studio para mais sessões de gravação, com Presley, rapidamente, ficando mais confiante no palco.
De acordo com Moore, “Seu movimento era uma coisa natural, mas ele também estava muito consciente do que causava uma reação. Ele fazia algo uma vez e depois expandia rapidamente”.
Presley fez o que seria sua única aparição no Grand Ole Opry, de Nashville, no dia 2 de outubro; depois de uma resposta educada do público, o empresário da Opry, Jim Denny, disse a Phillips que seu cantor “não estava mal”, mas não se adequou ao programa.
O começo da fama
Em novembro de 1954, Presley se apresentou no Louisiana Hayride - o principal rival da Opry e mais aventureiro. O show baseado em Shreveport foi transmitido para 198 estações de rádio em 28 estados. Presley teve outro ataque de nervos durante o primeiro set, que provocou uma reação muda. (Nota do Blog: Louisiana Hayride foi um programa de rádio e mais tarde televisivo do Shreveport Municipal Memorial Auditorium, em Shreveport, Louisiana, que durante seu auge, de 1948 a 1960, ajudou a lançar as carreiras de alguns dos maiores nomes da música country e ocidental americana. Elvis Presley se apresentou na versão de rádio do programa em 1954 e fez sua primeira aparição na televisão na versão desta mídia, de Louisiana Hayride, em 3 de março de 1955).
Um segundo set mais composto e enérgico inspirou uma resposta entusiástica. O baterista da casa, D. J. Fontana, trouxe um novo elemento, complementando os movimentos de Presley com batidas acentuadas a qual ele havia dominado em clubes de striptease.
Logo após o show, o Hayride contratou Presley para um ano de aparições no sábado à noite. Trocando seu antigo violão por US$ 8 (e vendo-o prontamente despachado para o lixo), ele comprou um instrumento Martin por US$ 175, e seu trio começou a tocar em novos locais, incluindo Houston, Texas e Texarkana.
Estrela nascente
Elvis fez sua primeira aparição na televisão, na transmissão da KSLA-TV, da Louisiana Hayride. Logo depois, ele falhou em uma audição para o Talent Scouts, de Arthur Godfrey, na rede de televisão CBS. No início de 1955, as aparições regulares de Presley na Hayride, as constantes turnês e os lançamentos de discos bem recebidos o transformaram em uma estrela regional, do Tennessee ao oeste do Texas. (Nota do Blog: O Talent Scouts de Arthur Godfrey (também conhecido como Talent Scouts) foi um programa de variedades de rádio e televisão americanos que funcionou na CBS de 1946 até 1958. Patrocinado por Lipton Tea, foi estrelado por Arthur Godfrey, que também estava capitaneando o show Arthur Godfrey and His Friends ao mesmo tempo).
Em janeiro, Neal assinou um contrato de gestão formal com Presley e chamou a atenção do Coronel Tom Parker, considerado por ele o melhor promotor do mundo da música. Parker - que afirmava ser da Virgínia Ocidental (na verdade ele era holandês) - havia adquirido a licença de coronel honorário do cantor country que se tornou o governador da Louisiana, Jimmie Davis. (Nota do Blog: James Houston Davis foi um cantor e compositor americano de canções sagradas e populares, bem como político e ex-governador da Louisiana. Um político e compositor, Davis foi eleito por dois mandatos não-consecutivos de 1944 a 1948 e de 1960 a 64 como governador de sua Louisiana natal).
Tendo dirigido com sucesso o astro country Eddy Arnold, Parker estava trabalhando com o novo cantor country número um, Hank Snow. Parker escalou Presley na turnê de Snow, em fevereiro de 1955.
Quando a turnê chegou a Odessa, no Texas, Roy Orbison, então com 19 anos, viu Presley pela primeira vez: “Sua energia era incrível, seu instinto era simplesmente incrível... Eu simplesmente não sabia o que fazer com isso. Simplesmente não havia ponto de referência na cultura para compará-lo”. (Nota do Blog: Roy Kelton Orbison foi um cantor, compositor e músico norte-americano conhecido por sua voz poderosa, amplo alcance vocal, estilo de canto apaixonado, estruturas de músicas complexas e baladas emocionais sombrias. A combinação levou muitos críticos a descrever sua música como operística, apelidando-o de ‘Caruso of Rock’ e ‘Big O’).
Em agosto, a Sun Records havia liberado dez lançamentos creditados a “Elvis Presley, Scotty e Bill”; nas últimas gravações, o trio foi acompanhado por um baterista. Algumas das músicas, como “That's All Right”, estavam no que um jornalista de Memphis descreveu como “o idioma R&B do jazz de campo negro”; outros, como “Blue Moon of Kentucky”, eram “mais no campo do country”, “mas havia uma mistura curiosa das duas músicas diferentes em ambos”.
Essa mistura de estilos tornou difícil para a música de Presley encontrar rádios. De acordo com Neal, muitos disc-jóqueis de música country não tocariam porque ele soava muito como um artista negro e nenhuma das estações de ritmo e blues tocaria nele porque ‘ele soava muito parecido com um caipira’.
Esta mistura veio a ser conhecida como rockabilly. Na época, Presley foi descrito como ‘O Rei do Bop Ocidental’, ‘O Gato Caipira’ e ‘O Flash de Memphis’.
Ascensão contínua
Presley renovou o contrato de gestão com Neal, em agosto de 1955, nomeando, simultaneamente, Parker como seu conselheiro especial. O grupo manteve uma extensa programação de turnês durante o segundo semestre daquele ano.
Neal lembrou: “Foi quase assustador, a reação que veio para Elvis, dos garotos adolescentes. Tantos deles, através de algum tipo de inveja, praticamente o odiavam. Havia ocasiões em algumas cidades, no Texas, quando precisávamos não nos esqueçermos de ter uma guarda policial, pois alguém sempre tentaria agredi-lo. Eles tinham uma gangue e tentariam atacá-lo ou algo assim”.
O trio se tornou um quarteto quando o baterista Fontanana Hayride se juntou como um membro em tempo integral. Em meados de outubro, eles fizeram alguns shows de apoio a Bill Haley, cuja faixa “Rock Around the Clock” foi o número um do ano anterior. Haley observou que Presley tinha uma sensação natural de ritmo e o aconselhou a cantar menos baladas. (Nota do Blog: William John Clifton Haley foi um músico americano de rock and roll. Ele é creditado por muitos com a primeira popularização desta forma de música, no início dos anos 1950, com seu grupo Bill Haley & His Comets e hits como “Rock Around the Clock”, “See You Later, Alligator”, “Shake, Rattle and Roll”, “Rocket 88”, “Skinny Minnie” e “Razzle Dazzle”).
Na Country Disc Jockey Convention, no início de novembro de 1955, Presley foi eleito o artista masculino mais promissor do ano. Várias gravadoras já haviam mostrado interesse em contratá-lo. Depois que três grandes gravadoras fizeram ofertas de até US$ 25.000, Parker e Phillips fecharam um acordo com a RCA Victor, em 21 de novembro, para adquirir o contrato da Sun por US$ 40.000.
Presley, aos 20 anos, ainda era menor de idade e seu pai assinou o contrato. Parker arranjou com os proprietários da Hill & Range Publishing, Jean e Julian Aberbach, para criar duas entidades, Elvis Presley Music e Gladys Music, para lidar com todo o novo material gravado por Presley.
Os compositores foram obrigados a renunciar a um terço de seus royalties habituais em troca de tê-lo executando suas composições. Em dezembro, a RCA começou a promover intensamente seu novo cantor, e, antes do final do mês, reeditou muitas de suas gravações na Sun Records.
Fenômeno nos EUA
Em 10 de janeiro de 1956, Presley fez suas primeiras gravações pela RCA, em Nashville.
Estendendo a já habitual banda de apoio do vocalista (Moore, Black, Fontana e Hayride) ao pianista Floyd Cramer - que se apresentou em shows ao vivo com Presley -, RCA alistou o guitarrista Chet Atkins e três cantores de background, incluindo Gordon Stoker, do popular quarteto Jordanaires, para preencherem o som.
A sessão produziu o sombrio e incomum “Heartbreak Hotel”, lançado como single em 27 de janeiro.
Parker finalmente trouxe Presley para a televisão nacional, contratando-o no Stage Show, da CBS, para seis aparições durante dois meses. O programa, produzido em Nova York, foi apresentado em semanas alternadas pelos líderes de big bands e irmãos, Tommy e Jimmy Dorsey.
Após sua primeira aparição, em 28 de janeiro de 1957, Presley ficou na cidade para gravar no estúdio da RCA em Nova York. As sessões renderam oito músicas, incluindo um cover do hino rockabilly de Carl Perkins, “Blue Suede Shoes”.
Em fevereiro, “I Forgot to Remember Forget”, de Presley, uma gravação da Sun Records, lançada inicialmente no mês de agosto do ano anterior, chegou ao topo da parada da Billboard.
O contrato com Neal foi rescindido e, em 2 de março, Parker se tornou o empresário de Presley.
Primeiro álbum de estúdio
Na segunda metade de 1955, os singles de Presley lançados pela Sun Records começaram a subir nas paradas de sucesso de country e de western, “Baby Let's Play House” e “I Forgot to Remember to Forget”, conquistando o 5º e o 1º lugares, respectivamente.
O Coronel Tom Parker, o novo manager de Presley, tinha extensas relações com a RCA por conta de seu cliente anterior, o cantor Eddy Arnold, e mais especialmente com o chefe da divisão Country and Western and Rhythm and Blues, Steve Sholes.
A pedido de Parker, em 21 de novembro de 1955, Sholes comprou o contrato de Presley com Sam Phillips, o chefe da Sun Records and Studio, por uma quantia sem precedentes de US$ 35 mil dólares (aproximadamente 318 mil em 2017).
Presley e o rock and roll ainda não haviam sido testados para as grandes gravadoras do mundo da música, mas o futuro álbum, com o single “Heartbreak Hotel”, provariam o poder de venda de ambos.
Escolhendo o repertório e gravações
Conforme se mencionou, Presley fez aparições em quatro semanas consecutivas no programa televisivo dos Dorsey Brothers, o Stage Show, no início de 1956, nos dias 28 de janeiro, 4 de fevereiro, 11 de fevereiro e 18 de fevereiro.
A RCA queria um disco nas lojas rapidamente para capitalizar tanto a exposição nacional de TV quanto o sucesso do primeiro single de Elvis (pela RCA) nas paradas, com “Heartbreak Hotel”, subindo rapidamente ao topo após seu lançamento, em 27 de janeiro.
Havia apenas duas séries de sessões de gravação de Presley para a RCA Victor ao final do período de aparições com os Dorsey Brothers, após o qual Elvis e sua banda estariam de volta à estrada. Essas duas sessões renderam onze faixas adicionais, quase o suficiente para preencher um LP inteiro, apesar de algumas faixas terem potencial para singles.
As sessões de gravações aconteceram nos dias 10 de janeiro e 11 de janeiro nos estúdios de gravação da RCA Victor em Nashville, Tennessee, e em 30 de janeiro e 31 de janeiro nos estúdios da RCA Victor em Nova York.
Na década de 1950, a prática geral ditava que as faixas com maior potencial comercial seriam lançadas como singles, com as faixas de menor apelo nos álbuns; e, como tal, a RCA Victor nem colocou todas as onze faixas e simplesmente fez um novo álbum, nem mesmo colocou “Heartbreak Hotel” no mesmo.
Material adicional foi originado de sessões no Sun Studio, em Memphis, Tennessee, em 5 de julho, 19 de agosto e 10 de setembro de 1954, e em 11 de julho de 1955.
Os direitos das fitas do Sun Studio foram transferidos para a RCA Victor, com a venda de seu contrato, e então cinco músicas inéditas da época da Sun, sendo elas “I Love You Because”, “Just Because”, “Tryin' to Get to You”, “I' ll Never Let You Go (Little Darlin’)” e “Blue Moon” foram adicionadas a sete faixas das sessões da RCA Victor para aumentar o tempo de execução do álbum para um tamanho aceitável.
Sam Phillips produziu as sessões no Sun, e nenhum produtor foi listado oficialmente para as sessões da RCA Victor, levando à crença de que o próprio Presley as produziu.
Como as faixas do The Sun eram na maior parte em estilo country, Elvis e a RCA Victor fermentaram a seleção com covers de músicas recentes de rhythm and blues. Duas delas, “Money Honey”, de Jesse Stone, conhecida por Elvis em uma versão de Clyde McPhatter, e “I Got a Woman”, de Ray Charles, de 1955, estiveram nos shows de Presley por um ano.
Um terceiro cover surgiu com o anúncio frenético, para o mundo, da existência de Little Richard, em 1955, através da inesquecível “Tutti Frutti”.
Um petardo de rockabilly, a qual foi considerada um sucesso em potencial e que poderia se manter com o material de R&B, “Blue Suede Shoes”, não foi inicialmente lançada como um single por conta de uma promessa feita por Sholes a Sam Phillips, para proteger a carreira de outro artista da Sun, Carl Perkins, o autor da música. Em vez disso, a faixa foi desviada para a abertura do disco.
Em 31 de agosto de 1956, a RCA Victor tomou a decisão incomum de lançar o álbum inteiro como singles. No entanto, “Blue Suede Shoes”, também lançada como single pela RCA Victor, no entanto, mantendo a promessa para Phillips e Perkins, esperando oito meses desde o lançamento da música pela Sun para levar ao mercado o single com a versão de Presley.
Elvis, no palco
A icônica capa do disco
A capa é a 40ª na lista da revista norte-americana Rolling Stone, das 100 maiores capas de discos de todos os tempos, publicada em 1991.
A fotografia foi tirada no Fort Homer Hesterly Armory, em Tampa, na Flórida, em 31 de julho de 1955. Inicialmente, pensava-se que Popsie Randolph era o responsável pela imagem em destaque na capa, devido ao fato de que o álbum só creditou um fotógrafo. (Nota do Blog: William ‘PoPsie’ Randolph foi um fotógrafo norte-americano de ascendência grega. Filho de imigrantes gregos, Randolph capitalizou seu sucesso inicial fotografando a cena musical nova-iorquina da década de 1940, continuando a fotografar muitos dos grandes nomes da indústria da música, mas também estrelas de cinema, atletas e políticos).
No entanto, em agosto de 2002, Joseph A. Tunzi informou que o fotógrafo real era William V. ‘Red’ Robertson, da Robertson & Fresch. O crédito a Popsie atribuído ao álbum se aplicava apenas a uma série de fotos na contracapa, tiradas em Nova York, no início de dezembro de 1955, pouco depois de Presley ter assinado contrato com a RCA Victor.
O estilo gráfico e a foto também foram usadas em um EP (e um EP duplo) compostos por músicas deste álbum, também lançados em março de 1956.
O design foi ecoado pelo The Clash para a capa de seu álbum de 1979, London Calling; ela é a 39ª colocada da supracitada lista da Rolling Stone de 100 maiores capas de álbuns.
Vamos às faixas:
BLUE SUEDE SHOES
"Blue Suede Shoes" é uma das mais icônicas canções interpretadas por Elvis Presley. Sua versão é um verdadeiro estandarte para o nascente Rock 'n' Roll, seja pela dinâmica de sua sonoridade, seja pela interpretação marcante de Presley. Um clássico!
A letra é bastante divertida:
Well, you can knock me down, step in my face
Slander my name all over the place
Do anything that you want to do, but, uh, uh
Honey, lay off of my shoes
Don't you step on my blue suede shoes
You can do anything but lay off
Of my blue suede shoes
Gravação de versões cover de músicas era uma prática comum durante os anos 1940 e 1950, e “Blue Suede Shoes” foi uma das primeiras músicas que a RCA Victor queria que seu artista recém-contratado, Elvis Presley, gravasse.
“Heartbreak Hotel” e ‘Shoes’ subiram nas paradas mais ou menos na mesma época. A RCA Victor, com sua excelente distribuição e contatos nas rádios, sabia que provavelmente poderia “roubar” o sucesso de Sam Phillips e Carl Perkins.
Presley, que conhecia tanto Perkins quanto Phillips de seus dias na Sun Records, cedeu à pressão da RCA, mas pediu que a empresa retivesse sua versão do lançamento como single. A versão de Presley apresenta dois solos de guitarra de Scotty Moore, com Bill Black no baixo e D.J. Fontana na bateria.
De acordo com Moore, quando a música foi gravada, “Acabamos de entrar lá e começamos a tocar, apenas voamos. Apenas seguimos, no entanto, [o que] Elvis sentiu”.
De acordo com relatos confirmados por Sam Phillips, o produtor da RCA Victor, Steve Sholes, concordou em não divulgar a versão da música de Presley como single, enquanto o lançamento de Perkins estava ‘quente’.
Presley cantou a música na televisão nacional, por três vezes, em 1956. A primeira foi em 11 de fevereiro no Stage Show. Ele também a apresentou novamente em sua terceira aparição no Stage Show, em 17 de março, e, novamente, no Milton Berle Show, em 3 de abril.
Em 1º de julho, Steve Allen apresentou Presley no programa The Steve Allen Show, e Presley, vestido com roupas formais para a noite, disse: “Acho que estou pensando em algo que não é certo para a noite”. Allen perguntou: “O que é isso, Elvis?” “Sapatos de camurça azul” foi a resposta, quando ele levantou o pé esquerdo para mostrar ao público.
Moore afirmou que Presley gravou a música para ajudar Perkins após o seu acidente, em março de 1956. “Elvis não estava realmente pensando naquele momento que ganharia dinheiro para Carl; ele estava fazendo isso mais como uma coisa do tipo tributo. Claro que Carl estava feliz por ele (ter feito isso). Isso realmente o ajudou quando seu álbum começava a cair”.
“Blue Suede Shoes” foi a primeira música do álbum inovador Elvis Presley, lançado em março. A RCA Victor lançou dois outros discos contendo “Blue Suede Shoes” no mesmo mês: um EP com quatro músicas e um EP duplo, estendido, com oito músicas.
RCA Victor lançou a versão de Presley, como single, em 8 de setembro, um dos vários singles lançados simultaneamente pela RCA, todos selecionados do álbum Elvis Presley. Este single alcançou a 20ª posição da parada desta natureza, enquanto a versão de Perkins havia a liderado.
Em 1960, Presley regravou “Blue Suede Shoes” para a trilha sonora do filme G.I. Blues. Esta regravação de estúdio foi uma das poucas ocasiões na carreira de Presley em que ele concordou em regravar uma música previamente lançada. Ele fez isso, nesta ocasião, porque o resto da trilha sonora foi gravado em estéreo, e, portanto, uma versão estéreo de “Blue Suede Shoes” foi necessária.
A versão de 1960 usa praticamente o mesmo arranjo da gravação de 1956. Esta versão foi incluída no álbum da trilha sonora de G.I. Blues, mas nunca foi lançado como single nos Estados Unidos.
Em 1985, a RCA lançou um videoclipe da versão original de “Blue Suede Shoes”, de Presley. O vídeo apresentou um cenário contemporâneo e atores (e Carl Perkins em uma aparição), com Presley mostrado em filmagens de arquivo.
Em 1999, a versão de Presley foi certificada por superar as 500 mil cópias vendidas.
I’M COUNTING ON YOU
"I'm Counting on You" já possui um ritmo mais lento e calmo e permitindo uma interpretação mais intimista de Elvis. A faixa é uma ótima oportunidade de se ouvir a beleza da voz de Presley.
A letra é apaixonada:
All the words that I let her know
Still could not say
How much I need you so in every way
I hope you will guide me
I GOT A WOMAN
Elétrica e empolgante, "I Got a Woman" apresenta um ritmo delicioso e uma vocação dançante que é praticamente irresistível. A guitarra de Scotty Moore e o piano são os destaques.
A letra fala sobre uma mulher:
She's there to love me both day and night
No groans or fusses, treats me right
Never running in the street
Loving me alone
She knows a woman's place is around home at night
Trata-se de uma versão para o clássico composto por Ray Charles e Renald Richard, gravada e lançada pelo primeiro em 1954.
ONE SIDED LOVE AFFAIR
A Bluesy "One Sided Love Affair" continua com o ritmo acelerado e contagiante, abusando de melodias maliciosas e empolgantes. A atuação de Elvis é magistral!
A letra é bem divertida e fala sobre amor correspondido:
Well, fair exchange bears no robbery,
And the whole world will know that it's true.
Understanding solves all problems, baby,
That's why I'm telling you
A música (tanto a letra quanto a música) foi composta por Bill Campbell, que também foi quem originalmente a gravou.
Presley gravou a música em 30 de janeiro de 1956, no RCA Studio, em Nova York.
Havia seis músicas escolhidas a dedo pelo próprio Steve Sholes, para Presley gravar em seu primeiro álbum nas sessões, mas “One-sided Love Affair” foi a única que Presley gostou e gravou.
Em 24 de março de 1956, em uma entrevista, a faixa foi citada por Presley como sua favorita do álbum.
I LOVE YOU BECAUSE
Já nesta canção, Elvis faz uma interpretação emocionante para uma balada incrível. Ao fundo, a guitarra de Moore é o acompanhamento perfeito para a voz de Presley. Momento belíssimo do disco.
A letra é sobre o amor:
No matter what the world may say about me,
I know your love will always see me through
I love you for the way you never doubt me
But most of all I love you 'cause you're you
A canção foi composta e originalmente lançada em 1949, pelo cantor Leon Payne.
“I Love You Because” foi gravada, pela primeira vez, em 4 e 5 de julho de 1954, no Sun Studio. A sessão começou no dia 4 e terminou cedo, na manhã do dia 5, em Memphis, Tennessee, no mesmo dia em que gravou “That's All Right”.
O produtor Sam Phillips não achou que “I Love You Because” fosse a música certa para o primeiro single de Elvis, a qual, então, acabou ficando para o seu primeiro álbum.
JUST BECAUSE
"Just Because" também traz a intensidade dos ritmos sulistas dos EUA em uma interpretação mais acelerada e intensa. Elvis dá uma roupagem mais "agressiva" com sua voz o que produz um efeito muito interessante.
A letra é novamente romântica:
Well, well, well,
Just because you think you're so pretty,
And just because your momma thinks you're hot,
Well, just because you think you've got something
That no other girl has got,
You've caused me to spend all my money
You laughed and called me old Santa Claus
Well, I'm telling you,
Baby, I'm through with you.
Because, well well, just because
“Just Because” é uma canção escrita por Joe Shelton, Sydney Robin e Bob Shelton e originalmente gravada pelo Naystone's Hawaiians (Hubert Nelson e James D. Touchstone), em 1929, e depois regravada pelo The Shelton Brothers, em 1933.
TUTTI FRUTTI
"Tutti Frutti" é outro clássico imortal do Rock e a versão original do magnífico Little Richard é inigualável. Mas Elvis faz um ótimo trabalho nesta versão com sua voz inconfundível e a boa atuação de Moore.
A letra fala sobre uma garota:
I got a girl, named Sue
She knows just what to do
I got a girl, named Sue
She knows just what to do
She bop to the east
She bop to the west
But she's the girl
That I love the best
A faixa foi composta por Little Richard e Dorothy LaBostrie e lançada originalmente pelo primeiro, em outubro de 1955.
TRYIN’ TO GET TO YOU
A incrível atuação de Elvis nesta lindíssima canção é emocionante. O ritmo cadenciado e cativante é abrilhantado pela voz inesquecível de Presley.
A letra é uma metáfora sobre uma conquista amorosa:
I've been traveling over mountains
Even through the valleys, too
I've been traveling night and day
I've been running all the way
Baby, trying to get to you
A canção foi composta por Rose Marie McCoy e Charles Singleton, da banda de Blues chamada The Eagles, lançada em 1954.
Presley gravou cinco versões da música. A primeira em 23 de março de 1955 e a segunda em 11 de julho de 1955, com a segunda sessão sendo liberada durante sua vida.
Ele também gravou versões ao vivo da faixa em Elvis (Elvis: NBC TV Special), Elvis: As Recorded Live on Stage in Memphis, e Elvis in Concert.
Na versão anterior, que apareceu na coletânea de 1999, Sunrise, Presley gravou essa música enquanto tocava piano simultaneamente (e não ajudado por sua guitarra base, como se acreditava anteriormente). Como seu piano não estava à altura dos padrões esperados, o produtor Sam Phillips apagou o som do piano na master take, assim, além dos vocais tentadores de Elvis, tudo o que se ouve são guitarra, baixo e bateria.
O piano de Elvis é ouvido na versão da sessão de julho e foi aquela que apareceu em seu autointitulado LP, de 1956.
A faixa também apareceu no famoso lançamento The Sun Sessions, de 1976, e em vários outros esforços e coleções de Elvis.
I’M GONNA SIT RIGHT DOWN AND CRY (OVER YOU)
Nesta faixa, o Rockabilly é o ritmo dominante e a melodia contagia. O balanço 'swingado' é bem interpretado pela atuação cativante de Elvis.
A letra fala sobre tristeza:
I'm gonna sit right down and cry over you
I'm gonna sit right down and cry over you
And if you say good-bye
If you ever even try
A canção foi originalmente composta por Joe Thomas e Howard Biggs, em 1953.
I’LL NEVER LET YOU GO (LITTLE DARLIN’)
Outra atuação memorável de Elvis e que forjaria sua fama como um intérprete praticamente perfeito para este tipo de balada. Intenso e ao mesmo tempo contido, sua voz é impecável.
A letra é sobre um forte amor:
The stars would tumble down beside me
The moon would hang its head and cry
My arms would never hold another baby doll
If we should ever say good-bye
A faixa foi originalmente composta por Jimmy Wakely.
BLUE MOON
A versão de "Blue Moon" é cativante, pois a atuação vocal de Elvis se casa perfeitamente com a sonoridade contida da canção. Impecável e comovente.
A letra é melancólica:
Blue moon, you saw me standing alone
Without a dream in my heart
Without a love of my own
“Blue Moon” é uma canção popular clássica, composta por Richard Rodgers e Lorenz Hart em 1934, e se tornou uma balada padrão. A faixa foi sucesso nos Estados Unidos, em 1949, com versões de Billy Eckstine e Mel Tormé.
A primeira gravação de “Blue Moon”, cruzada com o rock and roll, veio de Elvis Presley, em 1954, produzida por Sam Phillips.
“Blue Moon” passou dezessete semanas no Top 100 da Billboard, embora tenha atingido apenas o 55º lugar.
No filme de Jim Jarmusch, Mystery Train, de 1989, as três histórias distintas que compõem a narrativa estão ligadas por um pedaço da versão de “Blue Moon” de Elvis Presley (ouvida em uma transmissão de rádio) e um subsequente tiro fora da tela, os quais são ouvidos uma vez durante cada história, revelando que as três histórias ocorrem simultaneamente e em tempo real.
MONEY HONEY
A décima-segunda - e última - faixa de Elvis Presley é "Money Honey". Com um ritmo acelerado e divertido, a canção encerra o álbum com chave-de-ouro. Divertida e contagiante, a guitarra de Moore é bem legal!
A letra é descontraída:
Well, I've learned my lesson and now I know
The sun may shine and the winds may blow.
The women may come and the women may go,
But before I say I love you so,
I want
“Money Honey” é uma canção composta por Jesse Stone e que foi lançada em setembro de 1953, por Clyde McPhatter, acompanhado pela primeira vez pelos recém-formados The Drifters.
Considerações Finais
Mais de 60 anos depois, ficou muito fácil perceber a importância que Elvis Presley teve na carreira de Elvis.
Elvis Presley tornou-se o primeiro álbum de rock and roll no topo da parada da Billboard, posição que ocupou por 10 semanas consecutivas.
Segundo o crítico Robert Hilburn: “Ao contrário de muitos artistas brancos... que encharcaram as bordas ásperas das versões originais de R&B, das canções nos anos 50, Presley reformulou-as. Ele não só injetou as músicas com seu próprio personagem vocal, mas também fez da guitarra, e não do piano, o instrumento principal em todos os casos”.
Enquanto Presley não era um guitarrista inovador, como Moore, ou os roqueiros afro-americanos contemporâneos como Bo Diddley e Chuck Berry, o historiador cultural Gilbert B. Rodman argumentou que a imagem da capa do álbum, “(…) de Elvis ter o tempo de sua vida no palco com uma guitarra em suas mãos desempenharam um papel crucial no posicionamento da guitarra... como o instrumento que melhor capturou o estilo e o espírito dessa nova música”.
Em uma crítica contemporânea, Bruce Eder, do AllMusic, dá uma nota máxima ao disco, apontando: “As circunstâncias que cercam este álbum não eram nem simples nem promissoras, no entanto, nem havia nada na história da música popular até aquele momento para sugerir que Elvis Presley seria algo diferente de ‘a loucura de Steve Sholes’, que era o que os executivos rivais já estavam sussurrando. Então, foi muito instável e não testado o primeiro de dois grupos de sessões que produziram o álbum Elvis Presley - não havia certeza de que havia algum motivo para um artista de rock & roll lançar um álbum, porque adolescentes compravam 45s (singles), não Lps”.
Por fim, Eder conclui: “Este foi um disco de estreia impressionante, como qualquer outro já feito, representando todos os lados das influências musicais de Elvis, exceto o gospel - rockabilly, blues, R&B, country e pop -, tudo em uma combinação explosiva e sedutora. Elvis Presley tornou-se o primeiro álbum de rock and roll a alcançar o primeiro lugar nas paradas nacionais, e o primeiro álbum pop de milhões de dólares da RCA”.
Em 3 de abril de 1956, Presley fez a primeira de duas aparições no Milton Berle Show, da rede de televisão NBC. Seu desempenho, no convés do USS Hancock, em San Diego, Califórnia, provocou gritos e aplausos de uma plateia de marinheiros e suas acompanhantes.
Poucos dias depois, um voo levando Presley e sua banda para Nashville, a fim de uma sessão de gravação, deixou-os muito abalados quando um motor morreu e o avião quase caiu sobre o Arkansas.
Doze semanas após seu lançamento original, o single “Heartbreak Hotel” se tornou o primeiro hit pop de Presley.
No final de abril, Presley começou uma série de apresentações de duas semanas no New Frontier Hotel and Casino, na Las Vegas Strip. Os shows foram mal recebidos pelos hóspedes conservadores de meia-idade - “como uma garrafa de licor de milho em uma festa de champanhe”, escreveu um crítico da revista norte-americana Newsweek.
Em meio a suas apresentações em Vegas, Presley, que tinha sérias ambições de ser um ator, assinou um contrato de sete anos com a Paramount Pictures.
Elvis começou uma turnê pelo meio-oeste americano, em meados de maio, estando em 15 cidades por muitos dias. Ele participou de vários shows de Freddie Bell e Bellboys, em Las Vegas, e ficou impressionado com a versão de “Hound Dog”, um sucesso, de 1953, do cantor de blues Big Mama Thornton, composta por Jerry Leiber e Mike Stoller.
“Hound Dog” tornou-se o novo número de fechamento das apresentações de Presley.
Depois de um show em La Crosse, no Wisconsin, uma mensagem urgente, em papel timbrado, do jornal da diocese católica local, foi enviada ao diretor do FBI, J. Edgar Hoover. Ele advertia que “Presley é um perigo definitivo para a segurança dos Estados Unidos... [Suas] ações e movimentos eram de tal forma a despertarem as paixões sexuais da juventude adolescente… Após o show, mais de 1.000 adolescentes tentaram entrar no quarto de Presley no auditório... Indícios do dano que Presley fez em La Crosse foram as duas garotas do ensino médio... cujo abdômen e coxa tinham autógrafos de Presley”.
Em 2003, o disco ficou em 56º lugar na lista da revista Rolling Stone dos 500 maiores álbuns de todos os tempos. Elvis Presley também foi um dos três álbuns de Presley a estar presente no livro de referência 1001 Álbuns que você deve ouvir antes de morrer, com os outros sendo Elvis Is Back! e From Elvis in Memphis.
Esta é uma minúscula amostra do começo do fenômeno que Elvis Presley se tornaria e este espaço é muito curto para abrangê-lo.
O segundo álbum de Elvis Presley, simplesmente nomeado Elvis, foi lançado em 19 de outubro de 1956.
Estima-se que Elvis Presley supera a casa de 1 milhão de cópias vendidas.
Formação:
Elvis Presley - Vocal, Violão, Piano em 08
Scotty Moore - Guitarra
Chet Atkins - Violão em 02 e 12
Floyd Cramer - Piano
Shorty Long - Piano
Bill Black - Baixo
D. J. Fontana - Bateria, exceto em 05, 06, 08, 10 e 11
Johnny Bernero - Bateria em 08
Gordon Stoker - Backing Vocals
Ben Speer - Backing Vocals
Brock Speer - Backing Vocals
Doug Poindexter - Percussão e Guitarra em 06
Faixas:
01. Blue Suede Shoes (Perkins) - 2:00
02. I'm Counting on You (Robertson) - 2:25
03. I Got a Woman (Charles/Richard) - 2:25
04. One Sided Love Affair (Campbell) - 2:11
05. I Love You Because (Payne) - 2:43
06. Just Because (Shelton/Shelton/Robin) - 2:34
07. Tutti Frutti (LaBostrie/Penniman) - 1:59
08. Tryin' to Get to You (McCoy/Singleton) - 2:31
09. I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You) (Biggs/Thomas) - 2:01
10. I'll Never Let You Go (Little Darlin') (Wakely) - 2:24
É totalmente dispensável que o RAC perca o tempo do amigo leitor apresentando novamente Elvis Presley, um dos ícones da cultura pop do século XX.
Dito isto, cabe ao Blog enaltecer um dos principais responsáveis pela popularização do Rock 'n' Roll através do mundo. É impossível saber quantos jovens foram influenciados pelo astro norte-americano.
Foi, sem dúvidas, como ficou claro no texto, um ato de coragem lançar um álbum completo ao invés de se concentrar em singles, fugindo da prática daquela época. Mas, com 12 canções em apenas 28 minutos de duração, Elvis Presley conquistou o público.
Claro, Elvis contou com músicos muito competentes ao seu lado, especialmente o criativo e ousado Scotty Moore, um dos principais responsáveis pela roupagem mais "agressiva" e ousada para as canções.
E é aí que reside o maior mérito do álbum. Para a época, tanto a musicalidade mais rápida, intensa e dinâmica, em pareceria com a interpretação única de Elvis, eram novidades. Assim, Presley levou o nascente Rock 'n' Roll para as massas.
Há quem perca seu tempo em menosprezar o legado de Elvis pelo fato de ele não ser compositor como seus geniais contemporâneos Little Richard e Chuck Berry. Mas a energia, o carisma e a popularidade de Presley foram essenciais para que o Rock se tornasse popular.
E, claro, Elvis era um cantor excepcional. Tanto pela belíssima voz quanto por sua forma única de interpretar qualquer música. Em todas as canções que cantou, Presley imprimiu sua marca inigualável.
Com 12 faixas incríveis, Elvis Presley é um disco essencial para se conhecer as origens do Rock. Não há música de enchimento e o prazer de se ouvi-lo é garantido.
O RAC elege como suas prediletas as versões de "Tryin' To Get To You", "Blue Moon" e, obviamente, "Blue Suede Shoes".
Apenas para concluir, cabe ressaltar que Elvis Presley não é apenas um dos mais influentes álbuns da história do Rock, mas também um dos melhores. Elvis foi um cantor excepcional e um dos artistas mais importantes do século XX e toda reverência ainda é pouca.
